Nos encontramos ante una imagen pictórica que pertenece a la escuela holandesa del arte barroco y es el autorretrato de Rembrandt en la edad de los 50 años.
En nuestra obra nos encontramos la técnica del claro oscuro y solo podemos aprciar un poco mas de luz en el rostro del autor que viene hacer lo importante de la obra a diferencia de la ropa o incluso que el fondo. Podemos ver una minima expresión en el rostro arrugado y degastado por el paso del tiempo, ropaje poco llamativo con una casaca marrón y una camisa roja y sobre la cabeza un sombrero deteriorado, pelo mas o menos largo y rubio.La técnica utilizada es el óleo sobre lienzo.
Rembrandt cursó su formación pictórica con Pieter Lastman y le enseña los secretos de tenebrismo caravaggiesco. Rwmbrandt acuña un estilo propio en el que los constrastes de luz y sombra nunca seraán tajantes sino que envuelve sus figuras en penumbras graduadas, misteriosas y doradas. Abre un taller y comienza a pintar asuntos bíblicos y a desarrolar la técina del grabado al aguafuerte.Algunas de sus obras más importantes son La lección de anatomía, La ronda de noche, etc,
Nos encontramos ante una imagen escultórica que pertenece al arte Barroco, su autor es un importante escultor de esta época Bernini y la obra es el Retrato del Duque I.
En esta obra podemos ver el cambio de estilo de realizar los bustos, resolviendo el problema del pecho cortado colacando ropajes flotantes que envuelven los hombros, como podemos apreciar en nuestra obra.Como vemos en nuestra obra de que no tiene un rostro muy expresivo y pronunciado, pero si un largo pelo que era habitual el uso de pelucas de este tipo en la época porque contaban con poco pelo debido a los piojos, etc.El material utilizado en esta obra es el marmol por eso ese color blanquecido.
Bernini era in artista barroco que dominaba todas las disciplinas artísticas pero por encima de todo su vocación era la escultura.Se trasladó joven con su familia a Roma donde copió algunas obras del greco-latina del Vaticano y admira el arte de Miguel Ángel.Sus obras escultóricas más importante son el David , San loginos y el Éxtasis de Santa Teresa entre otras. En la mayoría de sus obras podemos apreciar la técnica de los paños flotantes.Fue el ´´unico dominador del arte escultórico del periodo del barroco.
Nos
encontramos ante una obra pictórica del barroco italiano. La obra se
titula La bóveda de la Galería Farnesio y su autor es Annibale Carracci. Este palacio en el que se encuentra inserta la obra se
construyo en 1517. La obra que vemos mide unos 140m2 de superficie. La obra
de dicha bóveda comenzó en 1597 y no se terminó hasta 1608. El
tema que propone la obra es el triunfo del amor representado por las
escenas de la Metamorfosis de Ovidio. En la obra vemos como estan
separada las escenas por un armazón arquitectónico fingido que
continua la arquitectura de los muros. La escena central mide 18 x 6
metros y muestra el triunfo de Baco y Ariadna. Las figuras son
minuciosamentes estudiadas y llenas de corporeidad (Cuerpos miguelangelescos). Las escenas de esta obra pictórica son cuadros
trasladados a una arquitectura pintada. En la obra podemos observar
como se imita a la naturaleza, a la arquitectura, a la escultura, y
se imita a si misma al igual que a la poesía de la época.
El
soporte en el que se encuentra nuestra obra es la bóveda de la
galería Farnesio y es una pintura que su autor la pinta con la
técnica del fresco. El dibujo de la obra es minucioso, cuidado,
naturalista, realista y muy bien definido, ya que se observa una obra
con muchos detalles y el color son fríos como azules, carnes, etc
por lo tanto dan sensación de de serenidad y de alejamiento. Nuestro
autor utiliza también graduación tonal para dar sensación de
volumen lo podemos ver en el marco arquitectónico simulado o en la
propia escena. Por el propio dibujo también sabemos que el artista a
dado prioridad e interés en transmitir una idea. La luz esta inmersa
en la obra y contribuye a crear sensación de volumen. El esquema
compositivo de esta obra es en secciones ya que la arquitectura
simulada reparte la bóveda en escenas, los efectos producen
agitación, la composición es centrípeta y la línea del horizonte
esta alta por lo tanto tiene bastante campo de visión disponible.
Las figuras humanas tienen aspecto miguelangesteco, ya que su
musculatura es notable. La escena central ocupa el primer plano
central y las demás se disponen alrededor. Claramente Annibale
Carraci utiliza una tridimensionalidad para que sea vista desde abajo
ya que es una bóveda.
La Virgen de Loreto es un cuadro de Michelangelo Merisi da Caravaggio, hecho en 1604 por orden de Ermete Cavalletti, que lo deseaba para su capilla familiar en la basílica de Sant'Agostino. La pintura es de un carácter votivo, alejado de la naturaleza muerta propia de Caravaggio. La virgen tiene una pose muy poco religiosa, pues la modelo era la prostituta conocida como «Lena», común en los cuadros de Caravaggio. La obra llegó en el tiempo del Jubileo Contrarreformista de 1600, por lo que el pintor fue duramente criticado y hasta tachado de hereje. Las medidas del cuadro es 260 x 150 cm .Es una pintura con la técnica de óleo sobre lienzo .El cuadro se encuentra en la Capilla Cavalleti de la Iglesia de San Agustín , Roma . Características de la Pintura Barroca :
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos,Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. El color predomina sobre la línea. Incluso, los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y de tonalidades del color que con las líneas nítidas y definidas del dibujo. La luz se convierte en un elemento fundamental en la pintura barroca. La luz dibuja o difumina los contornos, define también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores. La utilización de la técnica del claroscuro llega a la perfección gracias a muchos pintores del Barroco.
Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.
Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización y concepción propias del siglo anterior.
El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóvedas, que se intentan «romper» visualmente, mediante la representación del cielo y la sugerencia del infinito, recurso pictórico que ya había utilizado Mantegna en la Habitación de los esposos del siglo XV, o Correggio en sus frescos de Parma. Estas decoraciones ilusionistas proliferaron en toda la segunda mitad del siglo y se prolongaron más allá, en el Rococó, en grandes palacios de toda Europa, reforzando el engaño no ya sólo con elementos pictóricos sino reforzándolo mediante el uso de estucos y dorados.
Es una iglesia construida entre 1638 y 1641 en la ciudad de Roma. Diseñada por FrancescoBorromini (1599-1677), es una de las piezas maestras de la arquitectura barroca.
Forma parte de un conjunto de edificios monásticos instalados sobre el MonteQuirinal, fue un encargo de la Orden de los Trinitarios Descalzos, dedicados a la liberación de esclavos cristianos, en Quattro Fontane en 1634. Está consagrada a CarloBorromeo y fue encargada bajo el patronazgo del Cardenal FrancescoBarberini, quien vivía en un palacio cercano.
Arquitectura :
San Carlino presenta una libre agregación de espacios diversos, ya que junto con la iglesia se construyó el convento, creando un conjunto de correlaciones y contrastes en cuanto a formas geométricas, siendo el claustro del convento rectangular, mientras la iglesia presenta forma elipsoidal. La iglesia presenta una cúpula oval, concebida con una autonomía absoluta, presenta dos focos de luz, a la luz cenital que se introduce por la parte superior de la cúpula se unen los sistemas lumínicos rasantes que se introducen por la base de ésta. Destaca como obra barroca pues muestra una fachada muy dinámica, hecho que se ve en la ruptura del entablamento del marco del portón y la alternancia de formas cóncavas y convexas.
En total San Carlo alle Quattro Fontane destaca por el alto grado de conocimientos matemáticos y arquitectónicos empleados por Borromini.
Planta de la Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane :
Cúpula de la Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane :
Historia :
La iglesia, el claustro y el monasterio fueron construidos entre 1634 y 1644 por Francesco Borromini, sobrino de CarloMaderno. Este arquitecto suizo, que llegó a Roma en torno a 1620 desde el Cantón de Ticino, había colaborado anteriormente en el Baldaquino de San Pedro y en el cercano PalacioBarberini. Los Trinitarios le encargaron un nuevo convento e iglesia, donde había ya una pequeña capilla. El claustro, primera parte que diseñada en el conjunto, fue proyectado por Borromini en 1635, pero se terminó en 1644, mientras que en el mismo año se terminó la fachada del Instituto sobre la actual Via del Quirinale , la iglesia (que se comenzó en 1638) y un primer campanario adyacente de planta cuadrada.
La fachada de la iglesia fue diseñada y construida mucho más tarde, a partir de 1664. Después de la muerte del arquitecto en 1667, el trabajo fue continuado desde 1670 a 1680 por su sobrino Bernardo Borromini a partir de los dibujos del maestro. El campanario fue demolido para la prolongación del cuerpo convexo de la iglesia hacia la esquina de las Quattro Fontane, y se construyó uno nuevo en 1670. La decoración de la fachada se prolongó durante una década, hasta la instalación de la estatua de San Carlo en el nicho principal en 1680.
Hoy tenemos muchos planos alternativos de la iglesia, que Borromini había pensado para encontrar una solución que se ajuste a dos necesidades importantes: el costo más bajo posible, ya que los hermanos no tenían mucho dinero y el uso eficiente del espacio disponible. Gracias al genio del arquitecto, que supo combinar estas cualidades en un resultado elegante e innovador, se puede decir que la iglesia y todo el conjunto son los más grandes exponentes de la arquitectura barroca. La iglesia y el conjunto conventual se caracterizan por tamaño sorprendentemente pequeño y la simplicidad de los materiales, en conformidad con la regla y la espiritualidad de los hermanos de origen español de la Orden de los Trinitarios, sino también con las convicciones de Borromini que prefería a los materiales de alta calidad, materiales más humildes como el yeso yestuco, para ser mejorados mediante la técnica.
Interior de la Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane :
Biografía de Francesco Borromini :
Irascible, de carácter violento, de temperamento inquieto y con un final atormentado, que le lleva a suicidarse con su espada, desesperado por la fiebre y el insomnio de una cruel enfermedad.Su clientela se encuentra entre las órdenes religiosas más humildes, desprovistas de los recursos financieros que poseía el Papado: los descalzos trinitarios, los filipenses, las hermanas agustinas y los franciscanos.Sus comienzos fueron discretos. Trabajó en Milán como cantero y pasaba en 1614 a Roma, donde le acoge su pariente Carlo Maderno, que dirigía las obras del Vaticano.
Su primera obra como artista independiente y también su última realización es el complejo arquitectónico que le encargan los trinitarios españoles en Quattro Fontane :en 1637 realizaba el convento y el claustro, en 1641 concluía la iglesia con el título de San Carlo, y en 1667 su admirable fachada . En el mismo período construye otros tantos prodigios ilusorios :"Variar para huir del aburrimiento ", anota en uno de sus proyectos .El Oratorio de San Felipe Neri data de 1637 y está concebido como una sala de audiciones, ya que los filipenses otorgaban a la música un alto poder de persuasión en la labor pastoral.
Realizada entre 1630-1635 es una obra de Pedro Pablo Rubens, pintada al óleo. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid. . Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca. Actualmente, la podemos encontrar en el Museo del Prado de Madrid.
En la imagen aparecen las tres hijas de Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Se representan a dos de ellas de perfil y la del medio, de espaldas con la cabeza vuelta, estando las tres con el cuerpo desnudo. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.
El trío está enmarcado con un árbol a la izquierda que se tuerce y quiebra con contraste cromático y el color de una gasa en la rama y a la derecha hay un cupido con una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores. A esto se le une un gran colorido y luz, con un fondo en el que se representa un paisaje en el que hay una seria de animales.
Las tres gracias están representadas con un peinado de la época, desnudas y reunidas, pero conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente y las miradas, parecen iniciar una danza al tener todas una actitud delicada y un pie retrasado. Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.
La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, con seguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas, además del círculo que forman.
Se dice que Rubens pintó el retrato de su segunda mujer Helena Fourment, o variaciones del rostro de su esposa Isabella Brant. Otros dicen que aparece el rostro de las dos, siendo el de Helena la mujer más rubia que se sitúa a la izquierda del cuadro, y el de Isabella, el que aparece más a la derecha del cuadro.
La originalidad de los primitivos flamencos se perdió en el siglo XVI por la influencia italiana, pero en el XVII Rubens otorga de nuevo un carácter peculiar a la pintura flamenca. El catolicismo imperante en la zona contribuyó a mantener la importancia de los temas religiosos, pero estos no se caracterizan por la emoción, sino que la pintura de Flandes destaca por su optimismo y carácter alegre, inclinada a los aspectos más placenteros de la vida.
El autor revela una evidente admiración por Tiziano en el desnudo femenino como podemos observar en esta obra. Otras obras del autor son: "El juicio de Paris" y "El descendimiento". Otros autores de la época son Rembrandt de la escuela holandesa y Velazquez como ejemplo de la pintura del barroco español.
una danza al tener todas una actitud delicada y un pie retrasado. Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.