La pesca milagrosa- Rafael Sanzio

Para cubrir los frescos quattrocentistas del presbiterio de la Capilla Sixtina, el papa León X encargó a Rafael la ejecución de una serie de diez cartones que serían convertidos en tapiz por el maestro flamenco Pieter van Aelst. Era una excelente oportunidad para comparar el estilo de Sanzio con el de Miguel Ángel  por lo que Rafael no defraudó a su cliente, considerándose como autógrafos la mayoría de los cartones, colaborando con el maestro Giulio Romano y Gianfrancesco Penni. Toda la serie está inspirada en los Evangelios y en los Hechos de los Apóstoles.Según san Lucas ( 5; 1-12) cuando Cristo predicaba en el lago Genesaret solicitó a Simón Pedro que echara las redes para la pesca, obteniendo una captura tan numerosa que necesitó la ayuda de otra barca. Simón cayo a los pies de Cristo ante tan increíble pesca diciendo: "Señor, apártate de mi que soy un hombre pecador". Jesús le contestó: "Deja de temer; desde ahora serás pescador de hombres". Este es el momento elegido por el pintor para el cartón que contemplamos, destacando el preciso movimiento de las figuras cuyos escorzadas posturas se asemejan a las obras de Miguel Ángel  al igual que el aspecto escultórico y la acentuación de la anatomía. La escena se desarrolla en un amplio y luminoso paisaje, creándose una acertada sucesión de ritmos que refuerza el aspecto dramático y teatral de la composición, anticipándose el maestro al Barroco.

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/6948.htm

Andrea Palladio-San Giorgio Maggiore

La Iglesia de San Giorgio Maggiore se encuentra en una isla del mismo nombre. Frente a ella está la Plaza de San Marcos y entre ambas el Gran Canal. Es uno de los sitios más visitados en Venecia por su extraordinaria belleza arquitectónica. Se dice que la mejor forma de conocerla por fuera en sobre una góndola. Pero sin duda, su interior es aún más asombroso.

Fue construida en 1576 cuando Venecia era el centro financiero del mundo, por eso no se escatimó en su creación que fue confiada a uno de los arquitectos más famosos de la época: Andrea Palladio. Desde entonces su belleza cautivó a todo aquel que tenía la oportunidad de ver su fachada de mármol brillante, sus muros de tabique rojo, su torre y sus cúpulas circulares.

La fachada en forma de templo clásico, con una sola entrada, con cuatro columnas compuestas sobre altos plintos, con un entablamento por encima sosteniendo un tímpano clásico. La solución inventada por Palladio para esta fachada es fantasiosa y es una contribución original a la resolución de uno de los problemas más sentidos por los arquitectos renacentistas, esto es, encontrar el modo de dotar de un aspecto inspirado en el templo clásico a un edificio tripartito como la iglesia cristiana de tres naves.

http://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_Giorgio_Maggiore

http://yomenosquenadie.blogspot.com.es/2010/09/san-giorgio-maggiore-pintando-palladio.html

http://www.cfanespectaculos.com/television/item/47960-san-giorgio-maggiore

La Trinidad de Masaccio

Nos encontramos ante una pintura de 667 x 317 cm. La obra se encuentra realizada en una pared utilizando la técnica del fresco.Predomina la línea sobre el color, aunque ésta sea apenas visible. El dibujo es sintético, con pocos detalles y una cierta tendencia a la geometría. Los rojos y azules se van alternando en el cuadro equilibrando la organización del cuadro. El autor ha creado con la luz y los colores unos claroscuros que refuerzan el carácter tridimensional de las figuras.En cuanto a la composición del cuadro, es típicamente renacentista. Como es típico en el Renacimiento se recurre a las formas geométricas para organizar todo el espacio. Se trata de utilizar la geometría como una forma de crear armonía, pues todas las medidas del cuadro se realizan en función de operaciones numéricas. En este cuadro, las figuras se inscriben en un triángulo equilátero que crea una movilidad pero sin generar tensiones,subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad.Las Figuras presentan rasgos con escasa movilidad que refuerce el sentido divino de la imagen. Sus vestimentas, sin demasiado interés por las texturas, trazan formas geométricas.La perspectiva es una de las cosas más destacables de la obra. Para conseguir el espacio, el pintor ha utilizado la arquitectura, colocando a los personajes en distintos escalones que entran en el espacio. Además, todo el fondo está tratado por medio de una arquitectura clásica que permite realizar una serie de líneas de fuga por medio de sus casetones que coinciden en el punto de fuga y también eje de la composición: La Trinidad.En lugar de la delicadeza del gótico internacional,vemos pesadas y macizas figuras; en lugar de curvas suaves,sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores y piedras preciosas... Las figuras eran menos agradables a la vista que aquellas a las que estaban habituados,pero eran mucho más sinceras y emotivas.En el cuadro aparecen representados los personajes en distintos términos.En el primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de las catedrales mediterráneas en el que se abre un nicho, con un sepulcro donde la figura de un esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy".Sobre este espacio aparecen los donantes. Esto supone una ruptura total con el arte precedente,que adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo.Aquí , sin embargo,se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para plantear dos figuras de tamaño natural,similar al de los personajes divinos. Tras los donantes se abre una supuesta capilla real, donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz,donde Cristo aparece en eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre.

http://es.scribd.com/doc/57740958/Comentario-8-La-Trinidad
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2011/02/la-trinidad-de-masaccio-un-analisis.html
http://www.buenastareas.com/ensayos/Comentario-La-Trinidad-De-Masaccio/7288240.html

Capilla Pazzi

La Capilla Pazzi, (1429-1430), se encuentra adosada al primer claustro de la iglesia de Santa Croce en Florencia.
Fue encargada a construir por la familia noble Pazzi a Filippo Brunelleschi, la cual no pudo finalizar porque falleció en 1446. La capilla Pazzi fue la última obra de Filippo Brunelleschi.
Es un edificio de pequeñas dimensiones, con planta rectangular que se construyó como capilla funeraria de los Pazzi y considerada como el ejemplo más siginificativo de Brunelleschi, quien muestra aqui su interés por el empleo de módulos matemáticos y fórmulas geométricas en plantas y elevaciones con lo que consigue una elegante armonía.
Su fachada es un pórtico con cinco tramos entre seis columnas de órden compuesto, los cuatros extremos adintelados y el central en forma de arco del triunfo circular muy alto y de doble anchura que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre este pórtico se alza un ático decorado con pilastras y seccionado por el gran arco del centro que se corona en una cornisa muy ornamentada. El pórtico hace de filtro de luz y fue construido después de la muerte de Brunelleschi.
En el interior se juega con una planta centralizada, las paredes simulan el mármol y las ventanas estás desposeídas de vitrales. En esta obra vuelve Brunelleschi a la cúpula, que fue una de las obsesiones de los arquitectos renacentistas; esta cúpula estás inspirada en los modelos romanos, y se asientan en una fábrica de proporciones casi cuadradas.
La Capilla Pazzi es el primer templo renacentista de este tipo.
El deseo de disfrutar de las ventajas del templo de cruz latina sin perder las de cuadrado de cruz griega, o de planta central, tendrá como consecuencia, más adelante la creación de la iglesia jesuítica de Vignola y la forma definitiva de San Pedro en Roma.

http://historiadelartecomentarios.blogspot.com.es/2012/02/capilla-pazzi.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Capilla_Pazzi

La Virgen del Canciller Rolin.

FICHA TÉCNICA: La Obra que comentamos esta semana recibe el nombre de "Virgen del Canciller Rollin". Se trata de una obra del mejor representante de la conocida como "escuela de los primitivos flamencos", Jan Van Eyck, pintada en 1435, siendo por lo tanto una obra representativa del final del gótico europeo.

ANÁLISIS: Realizada en óleo sobre tabla, esto es, mezclando los pigmentos con aceite de linaza, esta Obra de temática entre profana y civil, es un extraordinario retrato, no sólo físico sino también psicológico, del canciller Nicolás Rollin adorando a La Virgen María y al Niño Jesús. Esta Obra muestra las novedades que la nueva técnica pictórica aporta a la pintura en cuanto a luminosidad, brillos y calidades de las distintas texturas que junto al dominio de la perspectiva y el gusto por el detallismo extremo caracterizan la pintura flamenca del siglo XV.

COMENTARIO: La escena se desarrolla dentro del interior de una lujosa habitación cuyos muros descansan sobre arcos de medio punto peraltados con columnas de mármoles polícromos rematados por capiteles corintios e historiados con narraciones del Antiguo Testamento. La luz penetra desde el fondo a través de la balconada con triple arco peraltado así como a través de las vidrieras que filtran la luz. En primer término aparece el donante, el canciller, arrodillado sobre un reclinatorio cubierto con rico terciopelo azul, sobre el que descansa un libro de oraciones, y las manos en posición de oración. Frente a él aparece, representada en el mismo tamaño que el donante, la Virgen con un amplio manto rojo que sostiene al Niño que con la mano derecha bendice al canciller mientras con la izquierda sostiene un globo terráqueo coronado por una cruz enjoyada que anuncia el sacrificio de Cristo. Tras la Virgen un ángel sostiene una corona que anuncia el reinado de la Virgen sobre los cielos.

Como hemos dicho tras esta escena se abre una balconada en la que observamos un jardín y dos personajes que contempla el amplio paisaje que se abre delante de ellos y en el que podemos observar un río atravesado por un puente que une dos ciudades, que han sido identificadas como posible representación de la Ciudad de Dios y la Ciudad terrenal de San Agustín.

Existe en toda la Obra un predominio del dibujo minucioso y detallista. Los colores utilizados se mueven por toda la paleta cromática llendo desde el cálido rojo intenso del manto de la Virgen hasta el azul del ángel y los violáceos del horizonte. Como hemos comentado cabe destacar la calidades obtenidas tanto en la riqueza de los ropajes, que caen en amplios y angulosos pliegues que parecen acartonados, como en todos los objetos que forman la escena. Así mismo, el enlosado del suelo y los elementos arquitectónicos contribuyen a acentuar la perspectiva lineal que compone en el cuadro y que contribuye a dotar a éste de profundidad espacial.

CONCLUSIÓN: La escuela de los conocidos como "primitivos flamencos", de la que Jan Van Eyck es uno de sus mejores representantes, alcanza una de las más altas cimas de la Historia de la pintura tanto por su extraordinaria ejecución en el detalle como por la luminosidad de sus colores y la exquisitez de su temática, en ocasiones plagadas de alegoría y símbolos, bajo una apariencia de cotidianeidad.

http://blogarteehistoria.blogspot.com.es/2010/02/comentario-virgen-canciller-rollin.html

Palazzo del Comune

El Palazzo Pubblico, Palacio Comunal, se encuentra en la ciudad italiana de Siena. Es el edificio principal de esta ciudad, el Ayuntamiento, su elemento más importante y visitado, es su torre de Mangia. Este Palazzo se encuentra en la Plaza del Campo, una de las plazas más visitadas de Siena.

Este edificio de gran belleza con un estilo claramente gótico, se construyó en el siglo XIII, aunque fue terminado en el siglo XVII, por los nueve gremios de Siena. El edificio de planta ligeramente curvada, se compone de tres partes importantes:

• La parte inferior: aquí se encuentra la entrada, construida en mármol blanco, con decoraciones geométricas sobre las ventanas.

• El cuerpo central: es el primer piso de este edificio, donde se encuentran unos diminutos campanarios en los laterales. En él se sitúa el Museo Civil, el cual alberga muchas pinturas importantes de la historia de Siena. Este piso y el segundo están construidos en ladrillo con amplios ventanales.

• La torre del Mangia: se sitúa en unos de los extremos del Palazzo, fue construida en el año 1848 y posee una altura de 102 metros, coronados por una preciosa piedra blanca. El nombre de la torre proviene del primer campanero que tuvo en ella, Giovanni di Duccio y cuyo apodo fue el Mangia. El diseño de la torre está diseñado por los arquitectos Perugia Muccio y Francesco Di Rinaldo. Además, esta torre la podréis visitar y desde ella observareis unas bonitas vistas de la ciudad de Siena.

En el interior, encontrareis también diversas salas importantes que poder visitar, como una capilla, una famosa sillería, la Sale della Pace (sala de la paz) con preciosos frescos medievales obra del artista Ambrosio Lorenzetti y su famosa sala del Mapamundi, la cual contiene excelentes frescos.

http://sobreitalia.com/2010/01/28/el-palazzo-pubblico-el-ayuntamiento-de-siena/

http://www.guiarte.com/siena/que-ver/palazzo-pubblico.html

Maqsura de la mezquita de Córdoba

Ante el mihrab se encuentra la zona de la maqsura, el lugar  reservado al califa. Es de suponer que los dos últimos tramos del sur pertenecen a las cinco naves centrales de la mezquita. La zona de la maqsura está separada de la sala de realización del salat por una arcada poli lobulada transversal, que discurre paralelamente a la pared de la quibla, para destacar la zona del califa respecto de la del pueblo. Los arcos poli lobulados sustituyen a la celosía tradicional, que originariamente separaba al soberano del pueblo; dichos arcos eran además portadores de decoración, de manera que pudiera destacarse la importancia de la maqsura y el mihrab. La arcada poli lobulada, que discurría junto a la zona central de la maqsura, se derribó al construir posteriormente en esta zona capillas cristianas y tumbas.

La cubierta consiste en una cúpula formada por una bóveda de 8 nervios, que se cruzan dejando en el medio un hueco cuadrado y alrededor otros triangulares y rectangulares. Estos huecos se decoran con bovedillas agallonadas o nervadas. La luz penetra mediante una corona de ventanas de arcos lobulados, que se abren en el muro entre los citados nervios. Caben destacar las riquísimas teselas, obra de artesanos bizantinos, que adornan los nervios de la cubierta. Las teselas, hechas de pasta vítrea, están cubiertas de oro o tratadas con brillantes coloraciones que alternan con otras de mármol.

http://www.musulmanesandaluces.org/hemeroteca/30/mezquita.htm

http://www.artencordoba.com/MEZQUITA-CATEDRAL/Mezquita-Catedral-Cordoba-Alhaken-II.html

Santa María de Tahull- Epifanía

María, sentada en un trono decorado con gemas y rodeada de una mandorla perfilada con círculos concéntricos, sostiene al niño Jesús en su regazo. Viste una ancha túnica y casulla sacerdotal, y lleva también un velo corto que cae sobre sus espaldas bajo un nimbo amarillo. 
El niño, con ricos vestidos y nimbo crucífero, tiene un rótulo en la mano izquierda y levanta la otra en señal de bendición. María tiene la mirada fija al modo hierático hacia el espectador, mientras que Jesús dirige la suya hacia el rey Melchor. 
Los reyes magos están de pie en actitud de acercarse para la presentación de las ofrendas al niño Jesús y se disponen de la siguiente manera: a la izquierda Melchor (MEL.HIOR) y a la derecha Gaspar (GASPAS) y Baltasar (BALDASAR).
Ricamente vestidos y portando coronas en las cabezas, aparecen figurados según la tradición literaria como representantes de las tres edades de la vida del hombre, de manera que uno de ellos es imberbe, el otro parece una persona madura y el último a modo de un anciano. Dos estrellas (ESTELA) se sitúan en la parte superior, quizá representando la dualidad del Antiguo y el Nuevo testamento.

http://www.romanicocatalan.com/02a-Lleida/Ribagorca/Taull-SantaMaria/Taull-SantaMaria.htm
http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/monumentos/248.htm

Santa Fe de Conques

La abadía está dedicada a santa Fe, una joven mártir de Agen (Lot y Garona) que habría de situar a principios del siglo IV.

Entre los siglos XI y XII, y especialmente bajo la abadía de Begon III, se conoce el máximo esplendor de la abadía, con la construcción de la iglesia, el claustro y otras dependencias monásticas.

Se trata de un edificio de 3 naves con crucero. Las naves laterales están comunicadas por detrás del presbiterio formando un deambulatorio, con 3 capillas absidiales. El crucero también tiene 3 naves, de factura similar a la del cuerpo central del edificio.

La nave central está cubierta por una bóveda de medio punto y las laterales, más bajas, disponen de una amplia tribuna con ventanales que se abren sobre la nave central. Esta misma estructura se repite en el crucero.

En el exterior encontramos la maciza fachada, que está flanqueada por dos torres campanarios, con contrafuertes poco evidentes.

Se conserva una de las alas del claustro con una galería de columnas dobles con capiteles, fruto de una reconstrucción. Adosado a la iglesia se encuentra un arcosolio con el sepulcro del abad Begon III, también parte de la reconstrucción.

Esta abadía guarda un tesoro de orfebrería medieval.

http://www.monestirs.cat/monst/annex/fran/migdp/cconque.htm

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/9299.htm

Basílica de Santa Sabina

Se dice que hacia el año 125 una matrona romana (Sabina) y su esclava, ambas convertidas al cristianismo, murieron por la persecución de los cristianos a manos  del emperador Adriano, pero que antes de morir la matrona donó su vivienda a los cristianos de Roma.

Como un homenaje a tal mártir se levanta en el aventino una basílica consagrada a ella.

Es uno de los escasos templos de la cristiandad primitiva que han llegado hasta nosotros en un estado de conservación bastante fiel a como fue originalmente.

Fue construida entre los años 422 y 432, bajo la dirección del sacerdote Pedro de Iliria. Responde al modelo que se difundió en la arquitectura cristiana primitiva tras la publicación del Edicto de Milán (313), es un edificio basilical, con un eje longitudinal claramente marcado, con una cabecera absidada que enmarca el altar y con un nártex adosado a los pies del templo. Está dividida en 3 naves (siendo la central la más alta y ancha), que están separas unas de otras mediante arcos de medio punto sostenidos sobre columnas de estilo corintio.

La menor altura de las naves laterales permite colocar sobre ellas una hilera de ventanales que junto con los del ábside iluminan el interior de la iglesia.

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/monumentos/994.htm

http://www.artecreha.com/Miradas_CREHA/iglesia-de-santa-sabina-roma.html

Segóbriga

Historia de la ciudad

 Su nombre es céltico, Sego-briga, por lo que debió ser fundada y habitada por poblaciones celtibéricas de estas altas tierra de la Meseta.

   En tiempos de Augusto, unos años antes del cambio de Era, dejó de ser una ciudad estipendiaria, que pagaba tributo a Roma, y se convirtió en municipium latino, habitada por un número creciente de ciudadanos romanos. Entonces se produjo su auge económico como cruce de comunicaciones y centro minero de lapis specularis o yeso traslúcido para ventanas, por lo que inicia un admirable programa de construcciones monumentales que finaliza hacia el 80 d.C., fecha en que la ciudad debió alcanzar su mayor desarrollo, plenamente integrada en el Imperio Romano.

El urbanismo

Se llevó a cabo una intensa actividad constructiva, que se prolongó todo el siglo I d.C., dirigida a dotar a la ciudad de una muralla de una red de calles con sus cloacas y de todos los edificios públicos de carácter administrativo, de espectáculos y de baños que necesitaba una ciudad y cuyo carácter monumental era el símbolo político de los nuevos tiempos.

http://www.cervantesvirtual.com/bib/portal/antigua/segobriga.shtml

Coliseo de Roma

Su verdadero nombre era Anfiteatro Flavio, sin embargo, se le conoce como Coliseo gracias a la colosal estatua de Nerón que estaba en sus cercanías. El Coliseo es claramente la imagen de la ciudad de Roma, representando además, la grandeza del imperio romano y su arte.

Esta antigua construcción comenzó a edificarse en el año 72 después de Cristo y fue inaugurada seis años después durante el reinado del emperador Tito. En sus comienzos se trató de un anfiteatro enorme que cobijaba más de 109.000 espectadores, sin embargo, a lo largo de su historia sufrió de varias modificaciones y ampliaciones.

El Coliseo posee las enormes medidas de 188 metros de radio mayor y 156 metros de radio menor, configurándose así una planta de forma elíptica, mientras que su altura alcanza los 57 metros. En su interior, y bajo las gradas, el Coliseo romano cuenta con grandes pasillos que permitían a los asistentes entrar y salir con facilidad. Además, los palcos poseían una antesala y eran usados según la posición social del espectador.

http://www.slideshare.net/jpem0001/coliseo-romano-10049238

http://arte.laguia2000.com/arquitectura/el-coliseo-de-roma

Laoconte y sus hijos

Título: Grupo del Laoconte y sus hijos. Museos Vaticanos. Roma

Género: Escultura. Bulto redondo. Grupo. 

Estilo: Arte Griego.
Autor: (otras obras): Polidoro, Agesandro y Atenodoro; no se conocen otras obras de estos autores, ya que lo nornal en el helenismo son las escuelas y no los autores individuales.

Cronología: Es una obra del período helenístico (S.IV- I. a.C.); En concreto, esta copia del Museo Vaticano es del Siglo I a.C., copia de un original probablemente de los siglos III o IV a.C.

Otras obras: no de los autores, pero sí de las misma escuela son: Victoria de Samotracia o Grupo del Toro Farnesio.

ANÁLISIS

– Tipología: La obra que comentamos es una escultura de bulto redondo, en concreto un grupo escultórico.

– Material: Está hecha en mármol, pero se trata de una copia romana; el original era de bronce.

– Volumen: la obra es de gran volumen, que es subrayado por el movimiento y la tensión de la escena. El grupo presenta una concepción bidimensional, está concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador de la vuelta en torno a él. Tiene unas dimensiones de 2,45 m. de altura.

– Técnica: Por la técnica de esta obra, podemos decir que la escultura griega ha alcanzado el grado de barroquismo, como se puede apreciar en la tensión y dramatismo de los rostros cuerpos y el movimiento y la inestabilidad de todo el grupo.

El personaje central, Laooconte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. Tiene postura semisedente, que parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes. Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión.

La composición más que piramidal, se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laoconte se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. Por lo tanto, nos encontramos ante un gran desequilibrio compositivo. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laoconte es un perfecto estudio anatómico, se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura hiperdesarrollada (muy propio del helenismo), que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos.

Las calidades táctiles están estudiadas con gran virtuosismo técnico: piel, cabellos, los escasos vestidos. Podemos apreciar las rugosidades y texturas de la piel, los rizos con abundante labor de trépano en barbas (presenta profundas incisiones para dar efecto de gran relieve de claroscuro), los cabellos que acentúan los efectos de luz y sombra y el acanalamiento rígido de los paños. Los rostros y gestos son tremendamente expresivos, reflejan miedo y dolor, pero lo gestual y emotivo no sólo están en los rostros, sino en los cuerpos en movimiento, en el dinamismo de la composición, en el ritmo marcado por brazos, piernas y serpientes: Lo dramático, el “Pathos” se ha impuesto definitivamente.

COMENTARIO

– Tema o asunto representado: El tema representado aquí es mitológico: el sacerdote troyano Laoconte (figura central y de mayor tamaño), es castigado por los dioses a morir junto a sus hijos por dos tremendas serpientes marinas.

– Explicación simbólica: Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los castigos crueles que éstos pueden poner a los pobres mortales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el sacerdote troyano de Apolo, es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos; los dioses al ver frustrados sus planes de destruir Troya, enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de Laoconte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes.

– Funcionalidad: Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística: en el mundo helenístico las obras se hacían por encargo de personajes poderosos: monarcas o sátrapas, generales, etc. También tiene una funcionalidad religiosa: ver los castigos que se podían recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.

La obra pertenece al Arte Griego (S. VIII-I a.C.), y más concretamente al período helenístico (323-S.I a.C.), que se caracteriza por la pérdida del equilibrio formal y psicológico, así como la atenuación del idealismo clásico y tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo, aunque éste resulte desagradable o deficiente (niños, ancianos, agonizantes...), se prefiere lo feo a la belleza formal, triunfa lo anecdótico, lo recargado, lo expresivo; se alcanza la perfección en el movimiento, con escorzos, composiciones en diagonal, desequilibrio en los cuerpos, dramatismo y tensión en los rostros. Se pierde parte de la independencia e individualismo de los artistas, al concentrarse estos en talleres o escuelas.

Pertenece a la Escuela de Rodas; esta escuela, junto con la de Pérgamo, se diferencia de la de Atenas, más clásica, y la de Alejandría, más cotidiana y alegórica por el movimiento exagerado, el sentido expresivo hasta lo agónico, complicación formal y dinámica; dramatismo y patetismo, la acentuación del sufrimiento y el dolor, el gusto por lo recargado y lo barroco. Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia, el grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas.

Esta obra tendrá una gran trascendencia en la historia del arte. Se ocultó en Roma y se descubrió en el siglo XVI, causando un gran impacto. Miguel Ángel quedaría impresionado e influirá en su obra, así como en el Manierismo. También El Greco se sentiría atraído e influiría en su pintura. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laoconte como prototipo del mártir cristiano por la expresión del dolor.

http://www.arteiconografia.com/2010/09/laocoonte-y-sus-hijos.html
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/10/comentario-del-grupo-del-laoconte.html

Patronato del Ática. Frontón occidental del Partenón

El tema representado es la lucha de Atenea y Poseidón por el dominio del Ática y el momento elegido es aquel en que los contendientes se distancian, tras haber realizado los respectivos prodigios: Atenea hace brotar el olivo que le dará la victoria, y Poseidón un manantial. El grupo central es una composición en forma de V, que responde a un esquema típico de época clásica y que aquí incrementa su dinamismo. Junto a los protagonistas estaban colocados sus carros, aurigas y acompañantes; Hermes junto a Atenea, Anfitrite e Iris junto a Poseidón. Más difíciles de interpretar e identificar son los grupos de figuras sedentes que ocupaban las secciones laterales. En general cabe decir que representan a los daimones, genios y pobladores míticos de la Acrópolis, como Kekrops, Erecteo y sus hijas Herse, Aglauro y Pandrosos. 

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/contextos/2930.htm

Avenida de esfinges, obelisco, pilonos y estatuas sedentes del templo de Luxor

Es el monumento más destacable de la ciudad de Luxor. Se debe fundamentalmente a la obra de 2 faraones, grandes constructores, Amenhotep III y Ramsés II. El primero construyó la parte interior y Ramsés II el recinto exterior. No obstante, el templo tuvo tal importancia que muchos otros faraones contribuyeron al engrandecimiento del recinto, con la decoración, construcciones suplementarias, relieves o realizando diferentes cambios. Entre estos se encontraban Tutankamón - quien retomó el proyecto tras la muerte de Ajenatón (Amenhotep IV) que había impuesto el culto al disco solar Atón  y abandonado el culto a los dioses tradicionales -, Horemheb y mucho más tarde Alejandro Magno.

http://www.egiptologia.org/arte/templos/luxor/

Exteriores del templo hasta minuto 6:32.
https://www.youtube.com/watch?v=lAClu07ALIY&feature=related

Semiespeo de la reina Hatshepsut. Deir el-Bahari

En Deir el-Bahari se encuentra el singular templo de la reina Hatshepsut (XVIII dinastía), el más monumental de los construidos en el valle y único en su género en todo Egipto. La obra fue diseñada por el arquitecto Senemut (inicio de la construcción en el 1483 a.C.), construida en forma de amplias terrazas, con edificios porticados y patio de columnas, en perfecta armonía de proporciones que se integran magistralmente con la escarpada ladera de la montaña, situada tras el templo, logrando una espectacular escenografía.

http://www.egiptologia.org/arte/templos/deir-el-bahari_hatshepsut/

http://www.historiang.com/articulo.jsp?id=1502711

http://www.egiptologia.org/arte/templos/deir-el-bahari/recinto.htm

http://www.egiptologia.org/arte/templos/deir-el-bahari/plano.htm

Cueva de Lascaux

Junto con las famosas Cuevas de Altamira, la de Lascaux (que se encuentran en Montignac, Dordoña, Francia) representa el otro gran hito del arte rupestre que se ha descubierto hasta el día de hoy. No fue hallada hasta 1940, por Ravidat y Marsal, pues era casi imposible dar con ella debido a su difícil acceso ya que la entrada la bloqueaban dos grandes piedras. Luego fueron objeto de estudio del gran especialista, el abate francés H. Breuil. El apogeo del perigordiense pictórico se encuentra en Lascaux, donde triunfan el modelado, los hábiles difuminados, y los silueteados sobre el blanco de la roca. Las grandiosas figuras de la "Sala de los Toros" son auténticas obras maestras. 
Entre los diferentes espacios hallados, quizás los más significativos sean la Sala de los Toros ( por su calidad y cantidad de animales representados), en una de las primeras composiciones circulares, la galería axial, donde se puede contemplar el llamado 'caballito chino"; el camarín de los felinos; así como el "pozo", donde se halla una escena mágico-cinegética bien conocida, con la presencia de un chamán. 

http://www.historiadelarte.us/prehistoria/la-cueva-de-lascaux.html

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/7731.htm

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/7751.htm

http://www.lascaux.culture.fr/#/fr/00.xml