Autorretrato de Rubens con su esposa

Estamos ante una obra de arte pictórico, posiblemente del arte barroco, cuyo autor es Rubens.Autorretrato con Isabella Brandt  es un cuadro del pintor flamenco Rubens realizado mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 1,78 metros  de alto por 1,36 metros de ancho. 
  En esta obra Rubens se autorretratará con su primera esposa, Isabella Brandt  hija de un noble de Amberes. Esta datada en 1609 durante el primer año de matrimonio y pone de manifiesto el bienestar de la pareja. Rubens e Isabella se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes.   En el año en que realizó este cuadro, 1609, el pintor fue contratado como pintor de la corte del archiduque Alberto y su esposa, gobernadores españoles en los Países Bajos.   En el cuadro aparecen referencias al amor como la planta de madreselva que se halla en frente de la pareja y que simbolizaba la fidelidad. Sus manos derechas aparecen unidas e indican que están casados. La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de ambas figuras en el que se cuida al máximo el detalle de las calidades de las telas y de todos los objetos representados.   El cuadro va a  poner de manifiesto la influencia de la pintura veneciana, y en concreto de la pintura de Tiziano. Las influencia del artista italiano podrá verse en el colorido intenso de los ropajes (las medias de Rubens) y en el lujoso tratamiento de las telas.   Esta representación detallada de las telas y las cualidades de los vestidos se traduce en su intención de alardear de la riqueza material que poseía. La luz es un elemento importante en la composición. Este cuadro tiene una luz dorada, que recuerda al otoño, y va a caer principalmente en los rostros del matrimonio.   

David

Estamos  ante una obra escultórico posiblemente del arte barroco cuyo creador es 
Gian Lorenzo Bernini, además se trata de una obra hecha de mármol.
En esta escultura se autorretrató Bernini, y el escritor florentino Filippo Baldinucci y el hijo del escultor Domenico Bernini, refieren que el artista se autorretrató en esta obra y que el cardenal Maffeo Barberini, futuro papa con el nombre Urbano VIII, le sostenía en algunas ocasiones el espejo para que pudiera copiarse mientras trabajaba.
El David se realizó entre 1623 y 1624, tiene el tamaño real, más concretamente 1,70m . Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.
A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kurí.Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.

En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.

Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.

Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige modelos mucho más jóvenes y delicados.

El David de Donatello  es una representación del héroe victorioso, que se yergue con confianza. En términos políticos, se trata de una metáfora de la Florencia que se vio a sí misma como el centro del apogeo artístico Italiano del Renacimiento. El David de Miguel Ángel representa el momento de la planificación, la tensión mental de la toma de una decisión: pasividad externa, pero una gran lucha interior. La obra de Bernini, por otra parte, irradia un espíritu de batalla contrarreformista, y tal vez también la lucha de un joven artista por hacerse un hueco no sólo entre los escultores de su época, sino tratando de culminar la historia de la escultura renacentista.

El matrimonio Arnolfini

TIPO DE OBRA: Pintura.

 TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.

 AUTOR: Jan van Eyck (1390-1441).

 FECHA: 1434.

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 LOCALIZACIÓN: National Gallery. Londres.

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 ESTILO: Primitivos flamencos.

FORMA: Pintura sobre tabla de roble. 82x60 cm.

 MÉTODO: Obra realizada al óleo, mediante pincel.

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  El famoso cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434"

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.

Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:

Esta ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini, también lo que nos produce la sensación de esa riqueza son las naranjas junto la ventana.

Encontramos dos pares de zuecos que en este caso son de ella ya que los de él los vemos ilustrados justo en la parte izquierda del cuadro, el hecho de que estuviesen descalzos en aquella época simbolizaba la fertilidad,  además el color verde era simbolizaba la fertilidad y el color rojo la pasión.

El perro simbolizaba la fidelidad de la pareja dentro del matrimonio. El hecho de que la lámpara tuviese tan solo una vela encendida era una clara referencia a Jesucristo. 

En el espejo se muestra la misma imagen pero a la inversa, en esta imagen podemos apreciar la presencia de dos personas más que suponemos que son los testigos del matrimonio. Por último, Arnolfini fue un rico mercader italiano procedente de Lucca , que se hizo famoso gracias al cuadro que hemos comentado, El matrimonio Arnolfini. 

Catedral de Burgos

Nos encontramos ante una obra arquitectónica posiblemente del arte gótico. La catedral de Santa María de Burgos es un templo católico dedicado a la Virgen María situado en la cuidad española de Burgos. Su nombre oficial es Santa Iglesia Catedral Metropolitana de Santa María de Burgos, su construcción comenzó en 1221  siguiendo patrones góticos franceses. Tuvo importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI: las agujas de la fachada principal, la Capilla del Condestable y el cimborrio del crucero, elementos del gótico avanzado que dotan al templo de su perfil inconfundible. Las últimas obras de importancia  pertenecen ya al siglo XVIII, siglo en el que también se modificaron las portadas góticas de la fachada principal. El estilo de la catedral es el gótico, aunque posee, en su interior, varios elementos decorativos renacentistas y barrocos. La construcción y las remodelaciones se realizaron con piedra caliza extraída de las canteras de la cercana localidad burgalesa de Hontoria de la Cantera.



Esta obra arquitectónica está basada en las catedrales de París y Reims.En el cuerpo inferior se abre la Portada de Santa María, formada por tres arcos apuntados y abocinados que cobijan la Puerta Real, o del Perdón, el central, y las de la Asunción y la Inmaculada, los laterales. Esta portada era obra del siglo XIII y, con su iconografía dedicada a la Virgen, estaba considerada como la más importante manifestación escultórica de estilo gótico en Castilla, pero su grave deterioro obligó a reconstruir  las puertas laterales, en 1663 por Juan de Pobes, y la central, en estilo neoclásico, con vano adintelado y frontón triangular, en 1790; en los tímpanos de las laterales se colocaron los relieves de la Concepción y la Coronación, salidos de la mano de Juan de Pobes, y , dos arquillos laterales dobles que cobijan sendas estatuillas.
También encontramos un rosetón de aire cisterciense, en el tercer cuerpo se abre una galería, en las puertas de los laterales vemos dos torres casi gemelas y sobre estas torres hay chapiteles.





El interior de la catedral consta de un cimborrio, en esta obra podemos ver claramente que la planta es de cruz latina, en la cual hay tres naves siendo la central más ancha y las laterales están en la cabecera mediante una girola o deambulatorio. Estas naves son cortadas debido al transepto, vemos que la cabecera es pentagonal. Las cubiertas se solucionan con bóvedas de crucería, además, es muy característico el triforio. Por último,  la catedral consta de tres rosetones que se encuentran uno en la fachada principal y los dos restantes se encuentran en el trasepto.

Monasterio de Santo Domingo de Silos

           


Estamos ante una obra arquitectónica, posiblemente del arte románico. La planta baja fue construida en tiempos del abad Fortunio y el repertorio iconográfico que muestra consta ocho escenas de la vida de Cristo,situadas en los machones de lo ángulos, y una riquísima secuencia de monstruos y animales fantásticos decorando los capiteles pareados. Marfiles y códices ilustrados con miniaturas debieron de servir de inspiración a los tallistas. Este monasterio es una abadía  benedictina ubicada en la parte oriental  de un pequeño valle, que el primer documento del Archivo de  Silos del año 954, ya lo denomina Valle de Tapadillo perteneciente al municipio de Santo Domingo de Silos, en la provincia de Burgos. El monasterio aunque no es actual configuración, se remota a la época visigótica, si bien se desvanece durante la ocupación musulmana. En el siglo X, llamda aún San Sebastián de Silos, y en especial durante el periodo en que el conde Fernán González gobierna en Castilla, vuelve a resurgir la comunidad monástica alcanzando un pujante actividad que nuevamente decae bajo las razias de Almanzor. El claustro de Silos es de doble planta, siendo la inferior la más antigua y la de mayor mérito. Los lados norte y sur constan de 16 arcos, mientras que los lados este y oeste solo 14, los arcos son de medio punto y descansan sobre capiteles que a su vez, lo hacen sobre columnas de doble fuste monolítico de 1,15 metros de longitud,  solo los soportes centrales de cada galería están formados por fustes quíntuples, salvo uno de ellos, el del lado norte que es cuádruple y torsado. Toda la arquería va montada sobre un podio corrido con una abertura para acceder al jardín interior. En el plano artístico lo más destacable es la colección de los 64 capiteles de que consta el claustro bajo y los relieves que ornamentan las caras interiores de las cuatro pilastras que forman los ángulos de la galería. Al primer maestro serían asignables seis de los relieves con las siguientes escenas:

• La ascensión y Pentecostés.
• Ángulo noreste: El sepulcro y El descendimiento.
• Ángulo noroeste: Los discípulos de Emaús y La duda de Santo Tomás.

El segundo maestro sería el autor de los dos relieves restantes:

• Ángulo sudoeste: La anunciación a María y El árbol de Jessé.

decoración islámica

Estamos ante una obra pictórica, posiblemente del arte islámico, conocido como ornamento geométrico, ya que intenta embellecer a los objetos u obras arquitectónicas puede distribuirse en dos clases simples o compuestos, los simples consisten en un solo motivo ya aislado, mientras que, los compuestos son una combinación de los elementales. 

Como hemos citado anteriormente esta obra es un ornamento geométrico, en el que encontramos dos tipos : el de la  que la línea continua que constituye  la moldura y el segundo tipo  el de la línea interrumpida o adorno geométrico simplemente dicho. Esta imagen como podemos apreciar es abstracta y produce una gran ilusión óptica, en la cual predominan colores muy llamativos , como por ejemplo el naranja y el rojo.

                               

Estamos ante una obra pictórica posiblemente de arte islámico, en esta imagen vemos representación vegetal o también conocido como ornamento de ataurique. Estas representaciones se denominan respectivamente fitaria y zodaria. Podemos encontrar adornos de fitaria  que pertenecen al reino vegetal llamados en su conjunto de flora. Se representan unas veces con sus formas orgánicas o de imitación más o menos natural y otras solo con sus rasgos característicos y en forma esquemática o casi geométrica, llamándose entonces flora estilizada. Los motivos más frecuentes que se producen entre una u otra lo podemos ver en esta imagen:

-Florón, flor grande y abierta.-

-Rosetón, flor de rosa abierta y de frente

-Artesón, florón pendiente del techo.

-Grumo macolla, grupo de hojas que suele ponerse como remate.

-Piña, un remate imitando el fruto del mismo nombre.

-Cornucopia, cuerno de la abundancia con hojas y frutos.

-Guirnaldas, grupos de hojas y frutos enlazados que figuran como pendientes de alguna cornisa, ménsula, etc.

-Palmetas, figuras de palmas.

-Rayos de corazón, hojas acuáticas con alguna forma de corazón.

-Caulículos o tallos.

-Follaje serpenteante, que forma róleos.

-Frondas u hojas salientes, más o menos encorvadas

Los motivos que se toman del reino animal para simple ornato suelen ser estilizados como se ha dicho de las plantas, y también quiméricos o fantásticos. De éstos se distinguen los principales:

-Atlantes y cariátides, figuras de hombre o de mujer, respectivamente que sostienen un cornisamento.

-Canecillos y mascarrones, cabezas caprichosas.

-Gárgolas, figuras de animales que se ponen para arrojar el agua de los canalones que van en los tejados o terrados.*bichas, animales fantásticos que terminan en follaje.

-Grifos y esfinges, bichas diferentes que se ponen a veces en las acroteras o antes las puertas de los edificios y son monstruos alados con cuerpo de león, teniendo el primero cabeza de águila y el segundo de persona.

-Ovos o huevos, figuras que tienen la forma de tales y que puestos en serie entre dardos, constituyen el ovario y suelen decorar varias molduras en el estilo greco-romano.

-Bucráneo, cráneo de buey con guirnaldas, que suelen adornar los frisos de los templos griegos y romanos.

-Grutescos, grupos fantásicos de bichas, sabandijas y follaje.

-Veneras, conchas de peregrino.

                                               

                                               

Estamos ante una piedra cuya escritura es procedente del arte islámico. esta decoración es una de las más singulares del arte islámico, ya que el islám no admite la representación ni veneración de figuras e imágenes, por ello la palabra fue el único símbolo posible de la divinidad, además de vehículo de la revelación islámica Al escribir el corán en/cúfiro este se convirtió en la escritura sacra del islám . El cúfico en Al-Andalus fue un ornamento utilizado como elemento decorativo complementario de la arquitectura musulmana, ya que el cúfico por sus caracteres geométricos, lineales y angulosos ofrecía una extraordinaria realización estética en todos los materiales, además de su significado evidente.Repetían el diseño mil veces en su deseo de perfección, cosa que ayudó a la mejor realización de sus formas, convirtiéndose en verdaderos idiogramas de carácter religioso y místico. La evolución de la escritura cúfica andalusí dio lugar a la aparición de varios estilos: antiguo, florido, simple, magrefí, entrelazado y geométrico puro. Por último, un ejemplo claro de estas repeticiones para llegar a la perfección es la Alhambra de Granada. Estas decoraciones constan de adornos que apenas tiene aplicación si no es en los códices y en la arquitectura arábiga y sus derivados. En los códices se emplean de muy caprichosas formas, llegándose hasta producir figuras humanas y de animales fantásticos con meros trazos de pluma. En las obras de arquitectura árabe y mudéjar estos adornos adoptan la forma de incripciones que se hallan en el arrabá o alfiz que es un semicuadro situado alrededor del arco de una puerta o ventana y en diferentes círculos o medallones intercalados en alguna composición ornamental de arabescos.

Prima Porta

Estamos ante una obra escultórica posiblemente del arte romano. Esta representación es Augusto arengando a sus tropas, estamos ante una escultura de bulto redondo, ya que representa la tercera dimensión en verdadera proporción, a veces a tamaño natural. En su originalidad se trata de una escultura de bronce, pero tras el fallecimiento de Augusto el 19 de agosto del año 14 d.C. se hizo la copia en mármol . Esta escultura recibe el nombre de Prima Porta por la situación de la villa , en las afueras de Roma, donde se retiró su viuda Livia, y en cuyas ruinas fue descubierto en 1863.

En sus orígenes la escultura estaba policromada, lo podemos suponer ya que en la estatua quedan restos de pintura, mide unos dos metros de altura y se muestra como un jefe militar que porta una coraza. Esta estatua consta de un manto consular recogido en amplios pliegues en torno a la cintura del personaje rematándose sobre su brazo izquierdo. La escultura muestra estabilidad, hace también alusiones a la  inmortalidad, muestra el verdadero retrato de personaje, esta estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto aunque se diferencian en una característica fundamental del retrato romano que es el Orador . Claramente su rostro es tranquilo y distante aunque también podemos apreciar la postura del contraposto y de las proporciones anatómicas.

Esta es la coraza de Augusto, en la que todos los relieves aluden a las glorias que el gobierno de Augusto ha deparado a Roma: el triunfo de sus legiones y la  Pax romana, ya que en el centro se encuentra el Dios Marte, a los lados se encuentran dos mujeres sentadas símbolos de las prvincias pacificadas de Hispania y Galia. Además hay unas representaciones del carro del Sol guiado pos la Aurora y de los dioses romanos, Apolo y Diana, abajo que flanquean  a una imagen de la tierra con el cuerno de la abundancia ya que para ellos la Tierra iniciaba una verdadera edad de oro.

Maison Carrée

Estamos ante una obra arquitectónica posiblemente del arte romano, denominado Maison Carrée  situado en Nimes, Francia, construido en al año 16 a.C. También se conoce como la " casa cuadrada " en francés que es un templo hexástilo debido a que tiene seis columnas en el frente menor, además es un templo pseudoperíptero ya que está rodeado de columnas las cuales en sus laterales se adosan a los muros isódomos de la cella, aunque se llame la casa cuadrada su planta es rectangular. Estamos ante un templo de orden corintio porque podemos destacar que el capitel de este templo consta de un ábaco y de hojas de acanto y la basa consta de un plinto. Este templo está edificado en el Foro de Nimes y consagrado al culto imperial. Fue patrocinado por Agripa en honor a su suegro Augusto, su esposa Livia y sus hijos Cayo y Lucio. El material de nuestro templo es el mármol, aunque no haya quedado ningún rastro de la decoración de los dos frontones. Este edificio ha sido empleado como sede del ayuntamiento, mansión particular, iglesia católica, sala de reuniones, almacén y tienda, museo local y actualmente sala de exposiciones. Este templo lo podemos considerar como uno de los prototipos del templo romano inspirado en los modelos griegos de la época clásica y helenística. El Maison Carrée mide 26 metros de longitud por 15 de anchura.

Lo que si conservamos son las hojas de acanto que se labran en los capiteles corintios y también hay decoración floral en el friso en la parte inferior de la cornisa y en los casetones del pórtico.

Doríforo

Estamos ante una obra de arte escultórica, que proviene del arte griego. Fue una destacada escultura de Policleto, realiza en los años 450-460 a.C. La figura que tenemos hoy día es de mármol , aunque la original es de bronce. Estamos ante una escultura de bulto redondo ya que tiene una verdadera proporción en función de su tamaño, por lo que encontramos que la medida de su cuerpo son siete cabezas, algo muy característico del arte griego, ya que representaba el canon de belleza de la época. La posición de la escultura es de pie y nos representa movimiento debido a su pierna derecha adelantada y su pierna izquierda más atrasada , en su mano izquierda, aunque en esta imagen no podemos apreciar llevaba una lanza. Además encontramos que es una clara escultura de un joven con un máximo desarrollo de su fuerza muscular aunque no representa ningún rasgo de niñez. Aunque esta obra esté considerada como clásica tiene algunos rasgos de arcaísmo ya que, se trata de una escultura tallada con cierta rudeza. También podemos encontrar otras características del arte griego como es la diartrosis, la posición del contraposto ya que vemos una cadera más elevada que la otra lo que nos indica el movimiento, hay que destacar que esta escultura estaba policromada. En esta escultura dejamos atrás la rigidez, la simetría, la frontalidad que era algo característico de épocas anteriores por lo tanto, en esta obra encontramos gran naturalismo, y en el gesto de su rostro encontramos una leve sonrisa, una mirada perdida  y distante. Por último estamos ante una obra de poco relieve.

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