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sábado, 17 de mayo de 2014

Las Tres Gracias. Pedro Pablo Rubens



Realizada entre 1630-1635 es una obra de Pedro Pablo Rubens, pintada al óleo. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor, subastados tras su fallecimiento -el 30 de mayo de 1640- pasando a decorar alguna de las salas del Alcázar de Madrid. Pertenece a la etapa de la pintura barroca de la escuela flamenca. Actualmente, la podemos encontrar en el Museo del Prado de Madrid.

En la imagen aparecen las tres hijas de Zeus, Aglaya, Talía y Eufrosine, las tres gracias de la mitología griega. Se representan a dos de ellas de perfil y la del medio, de espaldas con la cabeza vuelta, estando las tres con el cuerpo desnudo. Simbolizan el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

El trío está enmarcado con un árbol a la izquierda que se tuerce y quiebra con contraste cromático y el color de una gasa en la rama y a la derecha hay un cupido con una cornucopia dorada de la que cae agua y arriba del cuadro una guirnalda de flores. A esto se le une un gran colorido y luz, con un fondo en el que se representa un paisaje en el que hay una seria de animales.

Las tres gracias están representadas con un peinado de la época, desnudas y reunidas, pero conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente y las miradas, parecen iniciar una danza al tener todas una actitud delicada y un pie retrasado. Se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos.

La composición es elegante y las carnaciones claras irradian luz a la obra, con seguida con la fusión de los tres colores primarios. El colorido es muy brillante y predomina el color sobre el dibujo. Hay movimiento en los escorzos y posturas de ellas, además del círculo que forman.

Se dice que Rubens pintó el retrato de su segunda mujer Helena Fourment, o variaciones del rostro de su esposa Isabella Brant. Otros dicen que aparece el rostro de las dos, siendo el de Helena la mujer más rubia que se sitúa a la izquierda del cuadro, y el de Isabella, el que aparece más a la derecha del cuadro.





La originalidad de los primitivos flamencos se perdió en el siglo XVI por la influencia italiana, pero en el XVII Rubens otorga de nuevo un carácter peculiar a la pintura flamenca. El catolicismo imperante en la zona contribuyó a mantener la importancia de los temas religiosos, pero estos no se caracterizan por la emoción, sino que la pintura de Flandes destaca por su optimismo y carácter alegre, inclinada a los aspectos más placenteros de la vida.

El autor revela una evidente admiración por Tiziano en el desnudo femenino como podemos observar en esta obra. Otras obras del autor son: "El juicio de Paris" y "El descendimiento". Otros autores de la época son Rembrandt de la escuela holandesa y Velazquez como ejemplo de la pintura del barroco español.



https://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/obra/las-tres-gracias/

viernes, 16 de mayo de 2014

Tumba del Papa Urbano VIII



Diseñada en 1628 por el escultor Gian Lorenzo Bernini para situarla en un nicho de la Basílica de San Pedro, la tumba de Urbano VIII, presenta al pontífice sentado como emperador y acompañado de dos figuras alegóricas. Una obra maravillosa del artista más característico del periodo barroco.

La tumba de Urbano VIII no sigue el modelo tradicional del sepulcro papal en cuanto a que no se trata de un conjunto arquitectónico parietal sobre el cual se insertan las figuras, como el caso de la tumba de Leonardo Bruni. Bernini no introduce tipologías nuevas pero si revoluciona los elementos tradicionales. Esta obra suya se ubica en un nicho semicircular y consta de un grupo escultórico de composición piramidal que sitúa la figura del pontífice en el centro, elevado, sentado y bendiciendo. Dos figuras alegóricas flanquean el sarcófago: la Caridad y la Justicia.

El tema de la muerte también es importante para el mundo de la memoria, pues se abre camino en la idea de vida eterna. Sobre el sarcófago vemos un esqueleto que escribe el nombre del difunto en la cartela. Por supuesto este representa la muerte, pero a la vez representa la Fama, pues es un esqueleto alado, una figura común en este tipo de obras de Bernini.

Esta obra es un eco del sepulcro de Paulo III Farnesio realizada por Guglielmo della Porta cincuenta años antes, aunque Della Porta no utilizó sarcófago, idea claramente tomada de la Capilla Medicea de Miguel Ángel. La policromía se hace presente en el uso de diferentes materiales como el bronce patinado y dorado, el  mármol blanco y el veteado, creando un juego vital y dinámico.

Urbano VIII era un gran erudito y afamado coleccionista. Por esta razón no ha de sorprendernos que su sepulcro haya sido concebido como un monumento de auto glorificación que exalta las virtudes que lo acompañan (Caridad y Justicia). La destreza técnica de Bernini se hace presente en cada detalle, dotando a las figuras de un naturalismo y actitudes humanistas propias de la cultura barroca.

BIOGRAFÍA URBANO VIII:

Urbano VIII [Maffeo Barberini].(Florencia, 1568 - Roma, 1664) Papa (1623 - 1644). Urbano VIII fue célebre por su actividad diplomática, sus reformas eclesiásticas, obras públicas y patronazgo artístico.
Nació en Florencia en el seno de una familia noble, se doctoró en derecho y empezó a trabajar en la administración papal en 1589. Fue delegado del papa en Francia en 1601, en 1604 arzobispo titular de Nazaret además de nuncio en Francia, en 1606 cardenal y en 1608 arzobispo de Spoleto.
Al ser elegido papa, temiendo la dominación de los Habsburgo en Italia, adoptó una política de neutralidad entre el Sacro Imperio de los Habsburgo y Francia, que se había aliado con las fuerzas protestantes en la Guerra de los Treinta Años. Estapolítica debilitó la causa católica en Alemania.
Se ocupó con intensidad de los asuntos eclesiásticos. Aprobó varias órdenes religiosas nuevas. En 1627 fundó el Colegio Urbano de Roma, dedicado a la preparación de misioneros, en 1631 autorizó la revisión del breviario y en 1642 condenó el jansenismo. Su mayor defecto fue el nepotismo (nombramiento de familiares en lucrativos cargos eclesiásticos).
Gastó enormes sumas de dinero en diversas construcciones, entre las que destaca el Palazzo Barberini en Roma y la villa papal (hoy residencia veraniega del Papa) en Castel Gandolfo, y fue mecenas y amigo íntimo del pintor y arquitecto italiano Gian Lorenzo Bernini.
También invirtió mucho en armamento, en parte por haber emprendido una guerra contra el duque de Parma. En 1639 prohibió la esclavitud de los indígenas de Brasil, Paraguay y las Antillas. Le sucedió Inocencio X.

lunes, 10 de marzo de 2014

Frescos de la Basílica de San Francisco, Asís. Giotto

La Basílica de San Francisco está situada en Asís, en la región italiana de Umbría.Lugar de la glorificación de San Francisco de Asís, se distinguen en ella dos partes fundamentales: la Basílica inferior, baja y oscura, y la Basílica superior, espaciosa y luminosa.

Cuando estaban terminando los trabajos de la construcción de la iglesia superior se iniciaron también las decoraciones al fresco. En ambas basílicas, esta decoración corresponde a una serie de programas, destruidos en parte en algún caso, que fueron pensados dentro de un plan integral que tenía la finalidad de exaltar la figura de San Francisco.
Cronológicamente, los frescos parten desde el presbiterio en el cual se representan Historias de María al centro e Historias del Apocalipsis y de los Apóstoles en los brazos. Las figuras por las cuales Francisco sentía máxima veneración están ampliamente representadas: el Cristo crucificado, la Virgen María, los Apóstoles (sobre todo, Pedro y Pablo) y los Ángeles (en particular, el Arcángel Miguel).
El ciclo pictórico comenzó entre 1267 y 1270 cuando, según las fuentes, un “maestro de escuela gótica” y un “maestro de escuela romana” estaban trabajando en la pared derecha del transepto en las escenas de la vida de los apóstoles Pedro y Pablo. La decoración continuó en las paredes con ventanales desde 1270 a 1280 gracias a la obra de un “maestro romano”.
A lo largo de las paredes de la nave se articulan, en la parte superior, las Historias del Viejo y del Nuevo Testamento, y en la inferior, las Historias de la vida de San Francisco. La obra, en la que se comprometieron los mayores artistas de Italia central, como Cimabue y Giotto, se realizó en el arco de los últimos veinte años del siglo XIII.

Centrándonos en los frescos del autor de la escuela florentina, Giotto, se encarga de la parte inferior de la basílica superior, ocupada por los frescos sobre la Vida de San Francisco. Se trata de veintiocho escenas sacadas de la Leyenda Mayor de San Buenaventura que, a finales del siglo XIII, constituía la biografía oficial del santo.

Destacan las siguientes secuencias narrativas de La Vida de San Francisco:

7.-El Papa aprueba la Regla

8.- Expulsión de los demonios de Arezzo


15.- El sermón a las aves 

También destaca la Bóveda de los Doctores de la Iglesia atribuida a Giotto:

Catedral de Notre-Dame de Laon, Francia



Nos encontramos ante una obra arquitectónica perteneciente al arte gótico en Francia. Se trata de un edificio construido a mediados del s. XII, siendo cronológicamente, una de las primeras catedrales góticas.

La catedral de Laon se considera un edificio de transición al gótico, conservando algunos rasgos propios de la arquitectura románica.
Es de planta cruciforme, con unas dimensiones de 110 por 30 metros de planta en la nave principal y un transepto de 56 metros. La altura de la nave es de 26 metros y la altura máxima de las torres es de 60 metros. Tiene la particularidad de carecer de una girola radial como la mayoría de las catedrales construidas en este periodo, la cabecera del coro es una nave rectangular de traza similar a la nave principal y acabada en una fachada con un rosetón y tres ventanales. El proyecto original, sin embargo, preveía un coro con tres secciones de nave y una girola semicircular sin capillas radiales.

La fachada principal sigue un esquema normando que sería imitado posteriormente en muchas otras iglesias góticas: un pórtico con tres profundos vanos, ventanales y rosetón y arquerías sobre estos. Dos torres cuadradas acaban en un cuerpo octogonal con torrecillas en las ochavas. La catedral posee otras dos torres similares, una en cada fachada del transepto, aunque el proyecto original preveía otras dos en esta ubicación que quedaron sin construirse. Sobre el crucero hay un alto cimborrio.

La nave es triple y consta de cuatro cuerpos en su alzado: la arquería sostenida por columnas cilíndricas, la tribuna, el triforio y los ventanales. La bóveda es sexapartita de sección cuadrada (salvo la primera sección), lo cual causa una alternancia en los soportes de los nervios, siendo los capiteles de las columnas débiles octogonales, de los cuales parten columnillas triples que se unen a los nervios perpendiculares de la bóveda y a la arquería de los ventanales superiores. Los capiteles de los apoyos fuertes son cuadrados con columnillas quíntuples que conforman los nervios oblicuos y las arquerías de su sección correspondiente. Las columnas fuertes próximas al crucero están reforzadas por cinco columnillas adosadas y su capitel es rectangular.
La galería está formada por amplias arquerías dobles y está iluminada por ventanales en su exterior. Las naves laterales están cubiertas por bóvedas cuatripartitas. El triforio está compuesto por secciones de tres pequeños arcos, tras los cuales dejando un estrecho espacio se alza un muro ciego.



La fachada oeste alberga la entrada principal, con un triple pórtico con las portadas muy profundas y coronadas por gabletes. Entre éstas hay dos contrafuertes con forma de torreón y coronados por pináculos hexagonales. Tras ellos una hilera de ventanales bajos y poco visibles desde el exterior. Sobre éstas hay un cuerpo que alberga dos ventanales con numerosas arquivoltas en el espacio de las torres y un gran rosetón central enmarcado en un arco de medio punto. Para dejar más espacio al rosetón los contrafuertes se retraen a su altura y la galería que esta sección está elevada encima de éste. Por encima de ésta galería una cortina une las dos torres.
A ambos lados arrancan las dos torres que suman 52 metros de altura. Tras un cuerpo con vanos dobles está el campanario dotado de una sordina que oculta las campanas. Éste es octogonal con torreones en los ángulos que imitan el esquema de la torre, siendo cuadrados en su base y octogonales en su sección superior. En estos torreones se encuentran unas célebres estatuas de bueyes a tamaño natural. Ésta representación, muy inusual en la imaginería religiosa, se debe a la leyenda de la aparición milagrosa de un buey para tirar de los carros que transportaban la piedra, o tal vez sea simplemente un homenaje a la colaboración de estos animales. La torre acaba en un tejado plano y está coronada por una balaustrada.

El pórtico principal alberga notables esculturas que muestran la transición de estilo entre el románico y el gótico. El portal central está dedicado a la Coronación de la Virgen, la cual está representada con el Niño tanto en el parteluz como en el gablete. El tímpano está dividido en su mitad, en la sección superior se representa la Coronación mientras que en el inferior constan la Asunción y la Dormición, inspirados en el tímpano de la catedral de Senlis. Las arquivoltas tercera y cuarta se dedican al árbol de Jesé. En las jambas están representados en estatuas modernas, los profetas Abraham, Moisés, Samuel, David, Isaías, Jeremías,Simeón y Juan Bautista.

El transepto tiene la misma elevación y sigue la misma estructura de tribuna, triforio y ventanales de la nave salvo en las fachadas norte y sur donde se suprime el triforio y la galería es descubierta. En el lado oriental de ambos transeptos hay sendos ábsides semicirculares con grandes contrafuertes que albergan capillas en su interior.

En la cabecera, el particular coro rectangular tiene una estructura similar a la nave, si bien los ventanales laterales son más apuntados que en ésta. Se construyó hacia principios del siglo XIII, cuando se decidió ampliar el primitivo coro semicircular. Se realizó siguiendo la misma estructura de bóveda sexapartita de la nave para no romper la unidad del edificio, pese a que este tipo de bóveda ya había caído en desuso en esta época, en favor del esquema cutripartito rectangular. Debido a las considerables dimensiones del coro, que se extiende diez arcadas, el crucero queda casi en el centro del edificio. Un detalle que es poco evidente es que el coro está ligeramente desalineado respecto de la nave. La fachada oriental consta de un gran ventanal triple y un rosetón sobre este. La fachada está coronada por una galería flanqueada por dos torreones calados acabados en altos pináculos.

Los vitrales de los tres ventanales de esta fachada relatan escenas de la infancia de Cristo y la vida de la Virgen el derecho, el central la entrada en Jerusalén y la Ascensión y el izquierdo el martirio de San Esteban y el milagro de Teófilo. El rosetón se dedica a la glorificación de la Virgen, los doce apóstoles y los veinticuatro patriarcas del Apocalipsis.

martes, 11 de febrero de 2014

Bóvedas del Románico



La bóveda es una obra de fábrica curvada que sirve para cubrir el espacio comprendido entre dos muros o entre varios pilares.

En el periodo del románico pleno la bóveda más empleada para cubrir la nave principal del templo es la de cañón (bóveda de directriz continua semicircular) con arcos transversales de refuerzo o fajones, cabalgando sobre las arquerías inferiores. Esas enormes bóvedas ejercían una fuerza no sólo vertical sino transversal que tenía que ser contrarrestada con otras naves laterales o la presencia en el exterior de los muros de poderosos y macizos contrafuertes.


Aunque la bóveda de cañón longitudinal fue la más ampliamente usada para la nave principal, no se dejaron de inventar, durante el período románico, nuevas e ingeniosas formas de cubrición.
Por ejemplo, en lugares del sur y oeste de Francia como Angulema, Périgueux, Cahors, Solignac, Souillac, etc., durante las primeras décadas del siglo XII, se construyeron edificios de una sola y amplia nave, que se cubría con una serie de cúpulas semiesféricas sobre pechinas. Esta solución arquitectónica tuvo una limitada difusión.

Por otro lado, en las naves laterales de los edificios del románico pleno se emplea principalmente la llamada bóveda de arista, construida sobre un espacio cuadrado y formada por el cruce de dos bóvedas de cañón de igual anchura. Esta bóveda, cuando se genera por el cruce de arcos apuntados y se refuerza con nervaduras da lugar a la bóveda de crucería.
Para abovedar el crucero, espacio cuadrado de intersección de nave y transepto, se emplea la cúpula, o bóveda con forma de media esfera u otra forma aproximada. Para pasar del cuadrado del crucero al círculo de la base de la cúpula semiesférica se emplearon las pechinas (soportes en forma de triángulo curvilíneo). También se usaron las trompas (soportes de forma cónica) que convertían el cuadrado en octógono como transición al círculo.
En los ábsides de planta semicircular se usó de manera invariable la bóveda de horno o de cuarto de esfera que se engarzaba a la de medio cañón correspondiente al tramo presbiterial.


A partir de finales del siglo XI se comienzan a ensayar las primeras bóvedas de crucería en Inglaterra y Normandía (Francia), como en la catedral de Durham.

La gran utilidad de estas bóvedas es que los empujes que generan sobre las estructuras inferiores son más verticales y localizadas lo que permite un mejor contrarresto.
A lo largo del siglo XII se suceden iglesias con planta y soportes plenamente románicos (el habitual pilar cruciforme con cuatro semicolumnas en sus caras) que sin embargo, al transcurrir el tiempo de su construcción, se modificó el plan incicial para establecer un abovedamiento de crucería. Ello obligó en algunos casos a improvisar ménsulas para las nervaduras de la bóveda.


domingo, 9 de febrero de 2014

Mihrab de la Mezquita de Córdoba




Se trata de una obra perteneciente al arte islámico. Se encuentra en la Mezquita de Córdoba, obra de marmolería  labrada por Bedr, Nasr, Fatah y Taric, concluida en el año 965, y decorada en el año 966 con mosaicos bizantinos, en la etapa del califa al-Hakam II. Las cuatro columnas que embocan el arco de herradura proceden del anterior mihrab de Abd al-Rahman II.

El mihrab es un nicho o hornacina, una pequeña habitación, que marca en las mezquitas el sitio donde tienen que mirar los que oran. El mihrab se encuentra en el muro de la quibla, orientado hacia La Meca.

La característica hornacina labrada en el muro de la quibla para hacer de mihrab toma en la Mezquita de Córdoba forma de octógono cubierto por una pequeña cúpula en forma de concha, sujetada con seis arcos polilobulados. Al mihrab se accede a través de un gran arco de herradura con su correspondiente alfiz, sobre el que se observan una serie de arcos polilobulados que encuadran una decoración vegetal, realizada en mosaico sobre fondo de oro. El alfiz y la serie de arcos tienen entre sí una amplia franja con inscripciones en letras cúficas, donde se pueden leer citas tomadas del Corán. Las jambas del arco de herradura se revisten de dos grandes losas de mármol decoradas con ataurique. Para la realización del programa decorativo, se hizo venir de Constantinopla un grupo de expertos artesanos. Ante el mihrab encontramos una de las características cúpulas califales que decoran la maksura de la mezquita.


viernes, 6 de diciembre de 2013

Cómodo heroizado como Hércules


Tratamos una obra escultórica perteneciente a la escultura romana. Se trata de un retrato del emperador Cómodo, realizada en el año 190 d.C., en el período de la dinastía Antonina (96-193). Se encuentra en el Palacio de los Conservadores, Roma.

Esta obra escultórica es de bulto redondo, está representada en busto de medio cuerpo. El material del que está tallado es sobre mármol, probablemente no estaba policromado, tiene un tratamiento suave con la superfice pulida. La escultura mide 1'18 metros, y según su aspecto y material , da una sensación de pesadez.
Nos encontramos ante una escultura que no trata de dar movimiento, es una imagen divinizada del emperador, aunque fijandonos en el rostro se da una imagen naturalista con rasgos que dan sensación de serenidad.
El tema de la escultura es un retrato heroizado del emperador Cómodo como Hércules. La escultura tiene un significado simbólico, ya que porta los atributos del héroe griego: sobre la cabeza tiene la piel del león de Nemea, en la mano derecha tiene la maza y en la mano izquierda las tres manzanas de la inmortalidad que recolectó en el jardín de las Hespérides.

En cuanto nos referimos al emperador podemos decir lo siguiente: Lucio Aurelio Cómodo Antonino (31 de agosto de 161 – 31 de diciembre de 192), comúnmente conocido como Cómodo, fue emperador del Imperio romano entre los años 177 y 192. Hijo de Marco Aurelio y de Faustina la Menor, nació en Lanuvium y fue el último miembro de la dinastía Antonina.
Su gobierno puede dividirse en dos fases:
-177 – 180. Reinado conjunto con su padre, Marco Aurelio. En esta etapa las acciones de Cómodo se pueden definir como moderadas. Entre otras cosas, Cómodo luchó con los ejércitos del Danubio.
-180 – 192. Gobierno en solitario. El modo de reinar del joven fue degenerando en una paranoia incontrolable que llevó al Imperio romano a una de sus mayores crisis desde los gobiernos de Calígula, Nerón o Domiciano.
A su muerte, el Imperio se sumió en una época de guerras civiles conocida como el Año de los cinco emperadores. Al término de este conflicto asumió el trono Septimio Severo, quien instauró la Dinastía de los Severos.
Cómodo mostró durante toda su vida un gran orgullo por su físico. Todas las fuentes antiguas dictaminan que era hombre muy bien parecido y que por ello ordenó que se erigieran estatuas suyas vestidas de Hércules por todo el Imperio. Cómodo creía realmente que era la reencarnación del semidiós hijo de Júpiter y por ello trató de emular sus hazañas realizando apariciones en la arena en las que se enfrentó a diversos animales silvestres.

Enlaces:http://es.wikipedia.org/wiki/Cómodo#Cenit_de_Cleandro_y_ca.C3.ADda_.28185.E2.80.93190.29

domingo, 24 de noviembre de 2013

Laoconte y sus hijos


Se trata de un grupo escultórico perteneciente al arte griego, probablemente realizada en el siglo I d.C. , en el período helenístico, por Agesandro, Polydoro y Athenodoro, pertenecientes a la escuela de Rodas , se trata de una copia que se encuentra en el Museo Vaticano de Roma, la original pertenecía probablemente a los siglos III-II a.C. Es uno de los grupos escultóricos mas impresionantes de la Historia del Arte. En un principio, la obra era conocida por descripciones antiguas pero se creía perdido, hasta que en el año 1506 se descubrió oculta bajo tierra en la ciudad de Roma, identificada por el famoso escultor Miguel Ángel.
 
 La obra que tratamos es un grupo escultórico de bulto redondo, representada en cuerpo entero y encontrandose las figuras de pie. Está tallada sobre mármol, pero como se trata de una copia romana, el original era de bronce. En un principio es posible que la escultura estuviese policromada, aunque en la actualidad se ha perdido. En esta escultura predomina las curvas en sus figuras, con un acabado pulido. La escultura mide 2'45 m de altura y ocupa un gran volumen, dando sensación de gran pesadez. El grupo escultórico esta diseñado para ser visto de frente, se desconoce el emplazamiento original del grupo escultórico. 
 
 La composición de la obra se puede decir que es piramídal en la que destaca la figura de Laoconte sobre sus hijos. Los hijos de Laoconte rompen la verticalidad generando un desequilibrio compositivo, el movimiento forzado y la tensión del conjunto se asientan con las serpientes que cierran el entramado.
El tratamiento de la figura humana en Laoconte trata un perfecto estudio anatómico de la musculatura muy desarrollada, con un cuerpo de atleta. Sin embargo, el cuerpo de los hijos son menos expresivos y con la musculatura menos marcada.
 
El rostro de Laoconte representa un gran dramatismo, expresando dolor y agonía, con los rasgos muy marcados. El rostro de Laoconte adquiere gran importancia y sirve como modelo para la representación del dolor de Cristo. Dentro del grupo escultórico las dos serpientes sirven como unión de las figuras para formar una composición visual del grupo, hecho que ayuda a mostrar la dinámica que se desprende del grupo. Hay voluntad, por parte del autor, de exagerar el efecto teatral de la anatomía y se añade el dolor moral de Laoconte al presenciar la muerte de sus hijos.
 
El tema de la escultura es la representación mitológica de la muerte de Laoconte y sus hijos. El grupo representa a Laoconte, sacerdote troyano de Apolo, en el momento de ser devorado por dos grandes serpientes marinas. Laoconte había prevenido en vano a sus compatriotas contra el caballo de madera que los griegos les habían regalado, haciéndolo pasar como una ofrenda votiva a la diosa Atenea, cuando en realidad era un ardid para ocultar a los soldados que luego abrirían las puertas de la ciudad. Mientras los troyanos decidían si debían arriesgarse a introducir el caballo en la ciudad, Poseidón, enemigo de Troya, envió a las serpientes para que castigasen a los hijos de Laocoonte. Las serpientes se enroscaron en el cuerpo de los niños y Laocoonte luchó por soltarlas, pero ellas le estrangularon a él y a los niños. Los troyanos se convencieron de que aquello era una señal de los dioses para ignorar las advertencias del sacerdote y finalmente llevaron el caballo dentro de las murallas de la ciudad. De esta forma provocaron inconscientemente su propia destrucción. El mito está recogido en la Eneida de Virgilio y ha sido un tema de inspiración muy repetido para artistas y escritores de todas las épocas.
-Influencia posterior de la obra: La obra ya tuvo gran influencia en la época de su descubrimiento debido a su grado de perfección. Los artistas del Renacimiento se vieron altamente influidos. Así, Miguel Ángel se inspiró en ella para realizar varias de sus obras, como algunas de las figuras del techo de la capilla Sixtina, particularmente la postura de Amán en la pareja Ester y Amán y La Serpiente de Bronce, dos de los esclavos realizados en la tumba de Julio II, y en los esbozos de La Batalla de Cascina. Juan de Bolonia se inspiró en ella para su grupo escultórico El rapto de la Sabina (1581-1583). En El Parnaso, pintura de Rafael, también se advierte la similitud con la cabeza de Laoconte en la figura que representa a Homero. Tiziano, Rubens, El Greco, William Blake y Max Ernst realizaron interpretaciones del grupo escultórico.

                      http://historiarte-bach.blogspot.com.es/2012/10/laocoonte-y-sus-hijos.html

sábado, 23 de noviembre de 2013

Metopas Partenón

Nos encontramos ante una obra de decoración escultórica perteneneciente al arte griego. Esta obra está atribuida al escultor griego Fideas y sus discípulos, se encuentra en las metopas del Partenón de  Atenas, creadas alrededor del año 445 a.c.
Se trata de una obra decorativa de alto relieve, de tallas hechas sobre mármol, probablemente policromadas, de aspecto suave y con formas curvas de supercies pulidas. Miden aproximadamente entre 120 x 125 cm, con sensación de pesadez.
Esta obra está diseñada para ser vista desde un punto de vista frontal, recibiendo luz natural. Trata de sugerir una imagen en movimiento, en nuestro caso una lucha entre centauros y lapitas. Este tema mitológico, representa el cruel enfrentamiento entre dos grupos, los lapitas que figuran desnudos (aunque algunos visten una clámide), y los centauros, seres mitológicos con la mitad del cuerpo de humano (desde la cabeza hasta el vientre) y la otra mitad caballo. Es una escultura cerrada, ya que se centra la atención en las dos figuras centrales. Las figuras tratan una imagen realista y marcan la expresiones de lucha en la cara.
El tema tratado es la centauromaquia, con un significado narrativo, en el que se muestran escenas de mitos legendarios que realzaran la virtud y el heroísmo del pueblo, por eso Fideas diseña metopas con temas instaurados en la iconografía griega. Aparte de la centauromaquia, en las metopas del Partenón se representa la gigantomaquia, que relata mitos primigenios como el origen del cosmos y el linaje de los dioses, y también se representa la amazonomaquia, que relata el enfrentamiento entre amazonas.
Ubicación de las metopas: Para las metopas se utilizaron temas distintos en cada uno de los cuatro lados; en el este la Gigantomaquia, en el oeste la Amazonomaquia, en el norte la Iliupersis o destrucción de Troya y en el sur la centauromaquia. Se conservaban bastante bien en 1674, aun cuando las del lado norte, sobre todo, habían sufrido graves daños causados por fanáticos cristianos; las del lado sur, en cambio, resultaron protegidas por unas casas que se adosaron.



 Fuentes: http://sobregrecia.com/2009/04/01/la-decoracion-del-partenon-las-metopas/
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/10/centauromaquia.html