domingo, 22 de marzo de 2015

Sepulcro de Julio II

Nos encontramos ante una obra escultórica perteneciente al arte renacentista del Cinquecento de Miguel Ángel.

Esta obra fue un proyecto que realizó Miguel Ángel para el sepulcro de Julio II (1505). Este proyecto fue “la tragedia de su vida”, ya que no llegó a realizarse. El primer proyecto presentaba un túmulo exento con más de 40 esculturas de tamaño natural que superaba en dimensiones y riquezas cuantas tumbas se habían realizado.

Presentaba una estructura piramidal compuesta de: una base adornada con Victorias flanqueadas por esclavos; una planta media con relieves representando gestas del Pontífice, y cuatro grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, la Vida Activa y la Vida Contemplativa; y por último presentaba un ático en el que se mostraba a Julio II sentado en la silla gestatoria sostenida por dos ángeles.

El programa iconográfico escondía un sentido alegórico de raíz neoplatónica, que armonizaba la fama temporal con la salvación eterna del Papa. Debido a las disputas con Bramante nunca llegó a realizarse, y entre 1506 y 1542 sufrió varias modificaciones y reformas.

A partir de 1513, ya muerto Julio II, elabora un segundo proyecto. En este la composición ya no es exenta sino adosada a un muro de tamaño más reducido y con algunas variaciones iconográficas. El resultado final no satisfizo a nadie, empezando por su ubicación en San Pedro in Vincoli, en vez del Vaticano. De las 47 imágenes proyectadas solo se realizaron ocho: los dos esclavos de Louvre, los cuatro de la Academia de Florencia y el Moisés que es la única que se conserva en el mausoleo.

El Moisés y los Esclavos sirven para mostrar dos aspectos de la escultura de Miguel Ángel: la potencia dramática en estado puro o terribilitá y el inacabado o non finito.
cincelado le ayudaron en el taller dos jóvenes auxiliares: Pablo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista.

El tributo de la moneda

Nos encontramos ante una obra pictórica, perteneciente al arte renacentista del Quattrocento. Concretamente nos encontramos con El tributo de la moneda de Masaccio (1425), situado en la Capilla Branacci, Iglesia del Carmine. Florencia.



Esta obra está pintada al fresco sobre muro. Los colores empleados son colores llamativos, rojos fuertes, azules…

Distinguimos en la pintura tres escenas yuxtapuestas. En el centro, Cristo es requerido por el recaudador de impuestos de Cafarnaún para que pague el derecho de portazgo antes de entrar en la ciudad; entonces, el Señor le encarga a Pedro que pesque un pez en el lago de Genezaret, en cuyas entrañas hallará la moneda solicitada por el funcionario de hacienda. Este episodio aparece a la izquierda y el pago del impuesto, a la derecha. Vasari agrega que, entre los apóstoles que rodean a Jesús, el situado <<en último plano, es un autorretrato de Masaccio, pintado en el espejo tan bien, que parece vivo>>.
Junto a estos logros, Masaccio manifiesta también el conocimiento de la perspectiva de Brunelleschi. No en vano, el fresco de La Trinidad, pintado para la iglesia de Santa María Novella, de Florencia, constituye en la actualidad el primer   de la perspectiva, matemática aplicada a la pintura renacentista.
transmitido al bajorrelieve mediante la técnica del schiacciato o aplastado. Finalmente, en los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de flores, frutas y animales, muestra el respeto con el nuevo arte observaba la Antigüedad y la Naturaleza.



Anterior a estas puertas, Ghilberti hace la Segunda Puerta del Baptisterio, en 1401. Esta puerta está compuesta por 28 cuadrifolios con escenas del Nuevo Testamento. Durante su fundición cincelado le ayudaron en el taller dos jóvenes auxiliares: Pablo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista.

Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Nos encontramos ante una obra arquitectónica perteneciente a la arquitectura renacentista de Miguel Ángel del Cinquecento. Concretamente con la Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma (1558-1561).


Nos encontramos con una cúpula de 42 metros de altura que contiene ventanas ciegas. En la parte superior nos encontramos con una linterna.

La Basílica de San Pedro en uno de los edificios más grandes del mundo. Le encargaron la construcción de la Cúpula de este edificio a Miguel Ángel. Su estilo arquitectónico de Miguel Ángel en la Ciudad Eterna queda reflejada en a Porta Pia y en la reforma urbanística de la Plaza del Capitolio. Son obras tardías de su talante arquitectónico, que había comenzado a resplandecer de forma original en Florencia.

En 1520, el papa León X le encarga la construcción de la Sacristía Nueva en la basílica de San Lorenzo con la doble intención de que hiciera juego con la Sacristía Vieja, realizada por Brunelleschi, y sirviera de capilla funeraria a cuatro miembros de la familia Medici.
s prescinde de las pequeñas casillas lobuladas y opta por diez espacios cuadrados, que le permiten tratar con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento que le encargan. En la narración de estos episodios bíblicos adopta la perspectiva lineal de Uccello y los complejos efectos de profundidad que Donatello había transmitido al bajorrelieve mediante la técnica del schiacciato o aplastado. Finalmente, en los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de flores, frutas y animales, muestra el respeto con el nuevo arte observaba la Antigüedad y la Naturaleza.



Anterior a estas puertas, Ghilberti hace la Segunda Puerta del Baptisterio, en 1401. Esta puerta está compuesta por 28 cuadrifolios con escenas del Nuevo Testamento. Durante su fundición cincelado le ayudaron en el taller dos jóvenes auxiliares: Pablo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista.

Tercera Puerta del Baptisterio de Florencia.

Nos encontramos ante una obra escultórica, perteneciente al arte del renacimiento y concretamente con la escultura de Lorenzo Ghilberti.


Podemos observar que la puerta está fragmentada en 10 partes en las que se narran en cada una de estas partes 10 escenas del Antiguo Testamento. Estas 10 escenas están  rodeadas por imágenes de santos. El marco de la puerta está decorado con flores y animales.

La escultura es de relieve medio y está tallada en bronce sobredorado. El grosor de este bronce es de 2 cm.

La técnica empleada en las imágenes es la de los paños mojados.
Ghilberti ubica sus obras en zonas donde el ojo observa de manera directa.

En 1425 a Lorenzo Ghilberti le confían que haga la Tercera Puerta del Baptisterio de San Juan Bautista, en la Plaza del Duomo, Florencia. Estas puertas suponen ya una asimilación de planteamientos clásicos. Los cambios afectan al diseño, al tratamiento técnico del relieve y a las fuentes de inspiración. En la subdivisión de las hojas prescinde de las pequeñas casillas lobuladas y opta por diez espacios cuadrados, que le permiten tratar con mayor amplitud las escenas del Antiguo Testamento que le encargan. En la narración de estos episodios bíblicos adopta la perspectiva lineal de Uccello y los complejos efectos de profundidad que Donatello había transmitido al bajorrelieve mediante la técnica del schiacciato o aplastado. Finalmente, en los marcos con reproducciones de esculturas griegas y festones de flores, frutas y animales, muestra el respeto con el nuevo arte observaba la Antigüedad y la Naturaleza.


Anterior a estas puertas, Ghilberti hace la Segunda Puerta del Baptisterio, en 1401. Esta puerta está compuesta por 28 cuadrifolios con escenas del Nuevo Testamento. Durante su fundición cincelado le ayudaron en el taller dos jóvenes auxiliares: Pablo Uccello y Donatello, que mostrarían a su maestro el nuevo lenguaje artístico de la composición espacial renacentista.

sábado, 21 de marzo de 2015

Asunción de la Virgen de Tiziano

Este enorme lienzo (6,86 x 3,60 metros) lo pintó con la técnica del óleo Tiziano Vezellio entre los años 1516 y 1518 para la iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari de la ciudad italiana de Venecia.

Tiziano es el gran maestro veneciano de la pintura durante los años del Renacimiento italiano. Es famoso sobre todo por sus obras inspiradas en relatos mitológicos y también por los retratos que realizó a los personajes más célebres y poderosos de su época. Sin embargo, la amplia producción pictórica que nos ha legado gracias a su larga vida (1490 – 1576) también incluye portentosas obras de temática religiosa. Como ejemplo de ello se puede citar esta escena titulada la Asunción de la Virgen.

Tiziano, el gran protagonista visual de su obra es el extraordinario tratamiento del color. Si bien, el talento de este artista va más allá de su maestría para el color, también plasmó algunos elementos realmente revolucionarios en su momento. Como aquí, que nos presenta el ascensión de María a los cielos sustentada por toda un corta de angelotes por completo desnudos. Una iconografía totalmente innovadora y un tanto irreverente para el pensamiento del siglo XVI, que de hecho le valió que fuera condenada por las autoridades eclesiásticas de la época.
No obstante, el resultado es de una grandiosidad suprema. Divide la escena en tres ámbitos principales, todos ellos divididos y al mismo tiempo unidos entre sí, a partir de un triángulo alargado central. Un triángulo que queda configurado por los ropajes intensamente rojos de dos personajes en la base del cuadro y la propia Virgen en el ángulo superior de dicho triangulo.
Sobre la Virgen María todo el espacio del cuadro está dominado por el brillo y la luminosidad del cielo claro, en el que los dorados lo hacen resplandecer y todo queda enmarcado por una semiesfera en la que se representa el Paraíso, y por supuesto en el centro el propio Dios esperando la llegada de María.
La luminosidad del cielo contrasta de una forma rotunda con el centro del cuadro en su zona inferior, donde hay un espacio cónico que queda en sombra.
Asunción de la Virgen de Tiziano

La última cena de Leonardo

La última Cena" de Leonardo Da Vinci es un fresco de 4,60 x 8,80 metros pintado entre 1495 y 1498, en la pared del refectorio de la iglesia de Santa Maria delle Grazie (Milán), elegida por el duque Lodovico como capilla y mausoleo de familia, y cuyo tribuna y presbiterio había hecho renovar por Bramante en 1492.
Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron al deterioro de la obra. La incorporación de una puerta en la sala en 1652, cercenó los pies de varios personajes del mural.En 1797 un ejercito francés utilizó la sala como establo deteriorando la obra aún más. En 1943 los bombardeos aliados pusieron su grano de arena en el progresivo deterioro de la obra. En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante gran parte de la superficie original se ha perdido,

Usando la horizontalidad teatral pinta una gran mesa cuadrada, los apóstoles sentados alineados a ella con Jesucristo en el medio y detrás una sala grande con ventanas al exterior, viéndose un paisaje montañoso en ellas; todo bajo un techo de vigas de madera. Todo ello elaborado con formas cuadradas (las ventanas, la mesa, la caída del mantel en la mesa, el techo, los varales rectangulares).
Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia también; prescinde de la iluminación natural que suministrarían las ventanas traseras y solo la usa para difusamente aureolar la cabeza de Cristo durante este momento que anuncia la traición de Judas, para dar un contraluz. La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión hasta la lejanía por el paisaje que desde ellas se aprecia.

La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor, ira, miedo... Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo empezando por la izquierda como se puede ver en la imagen.

Basilica de Vicenza

Se podría decir que el edificio más imponente de la ciudad de Vicenza y el que mejor define la arquitectura urbana de Andrea Palladio es el Palazzo della Ragione. El proyecto y la construcción supusieron su reconocimiento como uno de los más importantes arquitectos de la época y el nacimiento de un nuevo estilo de arquitectura: laArquitectura Palladiana. 
A finales del siglo XV se levantó una logia doble circundando el antiguo Palazzo della Ragione. Pocos años después de la finalización de las obras colapsó parte de la construcción y, durante los siguientes 50 años, se debatió sobre la reconstrucción y se presentaron varios proyectos por parte de importantes arquitectos de la región. Finalmente se aprobó el proyecto de Palladio que, en aquel momento, solo era un joven arquitecto local.
La logia se compone de dos órdenes que circundan por completo el antiguo edificio. Se trata de una estructura en serie formada por tramos de arcos de medio punto, sustentados por columnas, flanqueados por huecos adintelados. Los arcos son todos iguales mientras que los huecos varían en dimensión, de forma que el conjunto se adapta a los huecos preexistentes pero apenas se hace perceptible en el conjunto.
El interior de la logia se distribuye y utiliza de forma que se asemeja a un conjunto de calles, donde los negocios y la vida de la ciudad se desarrollan con total normalidad. El edificio no es un  elemento sobre la ciudad, sino que se abre y permite que la ciudad se introduzca en él.
Los espacios interiores están cubiertos por bóvedas de arista de fábrica de ladrillo, en contraste con la piedra de la fachada exterior. Se trata de un material mucho más económico y muy utilizado en la región. Por otro lado, la utilización de estas pequeñas piezas permite la adaptación de las bóvedas a las diferencias de longitud entre los tramos.
Basílica Palladiana - Fachada Norte