martes, 26 de mayo de 2015

Modelos de Pruebas de Historia del Arte en Selectividad

Vamos con la Selectividad, ¿no? Ha sido un largo curso que toca a su fin y estamos a las puertas de preparar la Selectividad. vamos a ir subiendo materiales que os puedan resultar interesantes por si decidís realizar el examen de Arte. Reconozcamos la extraordinaria valía de la página que enlazamos. "Lyceo_Hispanico" es un álbum fotográfico del Departamento de Geografía e Historia del Instituto de Enseñanza Secundaria "Luis Vélez de Guevara" de Écija (Provincia de Sevilla, España). Su sentido es reunir una serie de materiales útiles para la enseñanza y compartirlo con toda la comunidad 'flickr'. Enrique Viola es uno de los profesores de este Departamento y 'Webmaster' de este álbum. Desde aquí nuestro más sincero agradecimiento.

domingo, 17 de mayo de 2015

La muerte de la Virgen.

Estamos ante una obra pictórica, perteneciente al arte Barroco, concretamente con La muerte de la Virgen de il Caravaggio; este cuadro fue realizado en 1606 para la iglesia romana de Santa María, y podemos encontrarlo actualmente en el Museo de Louvre, París.


Nos encontramos ante un cuadro pintado con óleo sobre lienzo con una dimensiones de 369 x 245 cm.

En el cuadro encontramos la escena de la Virgen tumbada sobre una mesa preparada como un lecho provisional para colocar el cuerpo sin vida. Destaca sin duda el color rojo llamativo del vestido de la virgen. La Virgen reposa la cabeza de lado, con el brazo izquierdo estirado y el derecho posado sobre el vientre que se encuentra hinchado. En la parte superior de la cabeza de la Virgen encontramos la representación de un fino Nimbo coronando a esta, único elemento que nos indica la trascendencia del acontecimiento representado. A su lado, sentada en un taburete encontramos a María Magdalena llorando por la muerte de la Virgen. Justo delante de ella encontramos una palangana posiblemente para lavar el cadáver. Detrás del cuerpo encontramos un grupo de apóstoles que velan el cuerpo de María.

La escena aparece en penumbra alumbra con un foco de luz que proviene de la parte superior izquierda del cuadro y que ilumina de manera directa a la Virgen así como a los personajes situados más cerca de esta mientras que el resto quedan en una semipenumbra, creando efectos de claroscuros tan del gusto del Caravaggio. Predominan colores oscuros y cálidos como marrones, ocres, naranjas y verdes oscuros, destacando el rojo intenso del vestido de la Virgen.

Esta obra pertenece a la época de su estilo maduro, a partir de 1600, en el que funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. En esta fase intermedia de su producción se dan cita los grandes encargos para las iglesias romanas. Actualmente, se conservan in situ los lienzos monumentales que pintó para la capilla Cerasi, en Santa María del Popolo, con los asuntos de La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo; y para la capilla Contarelli, en San Luis de los Franceses, con los temas de San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo. De esta serie el más interesante es La vocación de San Mateo: Cristo y San Pedro entran en la oficina de recaudación de impuestos y, con ellos, un plano de luz oblicua que corta la oscuridad, simulando la voz de Jesús convocando al apóstol, que se interroga con el dedo en el pecho ante la inesperada llamada.




domingo, 26 de abril de 2015

Niño Jesús de Pasión de Alonso Cano

Alonso Cano. Niño Jesús de Pasión
(1650). Madera policromada. 80 cm.
Congregación de San Fermín de los Navarros.
Madrid.

   Nos encontramos frente a una imagen de bulto redondo y talla completa, se trata del Niño Jesús de Pasión de Alonso Cano, la imagen está tallada en madera y policromada, Presenta un gran dinamismo además de una gran suavidad en sus acabados, además su tamaño pequeño y su posición sobre cabezas de querubines y bolas del mundo suponen una sensación de ligereza.

   Su emplazamiento original es un altar en la sede de la congregación de San Fermín de los Navarros,  con lo cual recibe poca luz natural y está debe reforzarse de forma artificial, además al no ser pensada como talla procesional sino de culto interno, recibe una contemplación frontal únicamente.

   La imagen está realizada a tamaño académico, midiendo 80 cm, con lo cual sus dimensiones son bastante pequeñas, llegando solo a la medida que hemos indicado por la peana y las cabezas de querubines. En cuanto a la iconografía representa al Divino Infante, portando premonitoriamente  la cruz como si de un nazareno se tratase.

   Las imágenes de Alonso Cano, son por lo general tallas de pequeño formato y gran detallismo, destinadas a la devoción particular de las personas que las encargan. Entre estas imágenes destacan el San Antonio, la Virgen de Belén y la Purísima de la Catedral de Granada.

Jesús del Gran Poder de Juan de Mesa.

Juan de Mesa. Jesús del Gran Poder (1620). Cedro en la cabeza manos y pies;
pino en el resto del cuerpo. Precio: 1100 reales. La policromía corrió a cargo
de Francisco Fernández de Llera, alcalde de la Cofradía. Basílica Menor del
Gran Poder, Plaza de San Lorenzo. Sevilla.


   Nos encontramos ante una obra escultórica de bulto redondo, que aunque se encuentra parcialmente anatomizada, es una talla pensada para ser vestida con túnica bordada y luciendo potencias. Se trata de Nuestro Padre Jesús del Gran Poder, realizado por Juan de Mesa para la hermandad del Gran Poder de Sevilla.

  La imagen fue tallada en madera y posteriormente policromada, con calidades táctiles suaves en la encarnadura, mientras las barbas y el cabello son rugosos. La imagen parece ser muy pesada por sus dimensiones y fisonomía. Además, aunque está pensada para recibir culto en un altar durante todo el año, se trata de una imagen procesional, con lo cual presenta un punto de vista de 360 º. Además la imagen suele recibir en su basílica la luz artificial, al igual que en la estación de penitencia al salir el viernes santo de madrugada, si bien el efecto de la primera luz de la mañana cuando ya está en la plaza de San Lorenzo es espectacular.

Portentosa zancada de Jesús del Gran Poder.

Como ya hemos comentado antes el Gran Poder es de una dimensiones considerables, resultando además portentoso por su zancada imposible, esa zancada que representa el Gran Poder de Dios, que a la vez es manso y humilde postrado bajo el peso del madero. Además en la imagen del Gran Poder podemos observar otros detalles como la cabeza de Serpiente en la corona de espinas, que simboliza el pecado vencido pos Dios o la espinas que le atraviesan la ceja y las orejas.

Detalle de la espina en la ceja del Señor.

Detalle de la cabeza de serpiente de la
corona del Señor.
   Desde el punto de vista iconográfico, la imagen representa a Jesús Nazareno, con la cruz a cuestas, pero además como antes mencionábamos, también quiere hacer referencia a su advocación, "el que todos lo puede". Por otro lado la iconografía del Gran Poder se cierra con sus atributos como Mesías, que son las potencias y las túnicas bordas, de las que el Señor posee varios juegos. Entre sus túnicas destacan la túnica persa, la de las coronas de espinas y la de los cardos.

Túnica persa del Gran Poder.

Gran Poder en besamanos con la túnica de los cardos.

   Como conclusión diremos que la imagen es una de las de mayor valía de Juan de Mesa, aunque de el también destacan otras como el Cristo de la Conversación del Buen Ladrón, de gran parecido a esta; los crucificados del Amor y la Buena Muerte o la Magnífica Piedad cordobesa bajo la advocación de las angustias.



martes, 21 de abril de 2015

Tumba de el Papa Urbano VIII.


El pontífice Urbano VIII, gran erudito y afamado coleccionista, inicia en 1639 la construcción de su propio mausoleo, concebido como un monumento de autoglorificación.
Este diseño data de 1628, situándose el sepulcro en un nicho de San Pedro. En él el pontífice se encuentra sédente en su cátedra y bendiciendo sobre su tumba, mientras que a sus lados se sitúan las alegorías de la Caridad y la Justicia. Aquí no se sigue el modelo habitual de sepulcro papal, consistente en un arco triunfal en cuya parte central se sitúa la figura arrodillada del pontífice. La composición es piramidal, dentro de la cual el único motivo de carácter funerario es el sarcófago.
Esta obra se halla inspirada en el Sepulcro de Paulo III Farnesio (1534-1549), realizado por Guglielmo della Porta entre 1549 y 1575. Este grupo se estructura en una composición piramidal acompañada de alegorías, utilizándose en ella diversos materiales de diferentes colores. Sin embargo aquí no aparece el sarcófago, motivo éste que se halla tomado del Sepulcro de Julio Medici de Miguel Ángel.
Bernini sigue estos modelos, utilizando en la realización del sepulcro mármol blanco y de colores, jaspes, bronce y bronce sobredorado... No obstante la figura del pontífice la realiza en bronce, del mismo modo que el sepulcro en pórfido oscuro, colores estos de luto y duelo.
La figura de Urbano VIII se muestra al mundo orgulloso como un emperador, coronado por la tiara y con gesto arrogante. La composición es piramidal y espectacular. El propio papa sugiere éste como un monumento a la fama póstuma, surgiendo del sarcófago la figura de la Muerte que escriben en la cartela el título, alegoría esta de la Fama. Las figuras de la virtudes muestran una gran perfección técnica, encontrándOse llenas de verosimilitud y Estas representaciones corresponden a la cultura neohumanista dentro de la que se mueven tanto el papa como Bernini. Posadas dentro de la composición aparecen dos abejas en referencia al escudo de los Barberini.


Autorretrato de Rubens con su esposa Isabel Brant.



En 1609 Rubens contrae matrimonio en Amberes con Isabella Brandt, miembro de una familia pudiente y cultivada, que contaba con 18 años. El artista franqueaba la treintena pero la edad no supuso una barrera para el amor entre ambos cónyuges. La pareja tendrá tres hijos: Clara Serena, que murió siendo niña, Alberto y Nicolás. Isabella y Peter Paul aparecen al aire libre, junto a una madreselva que simboliza el amor, enlazando sus manos en señal de armonía y concordia. La felicidad de ambos se manifiesta a través de sus rostros mientras que por la riqueza de sus ropajes podemos advertir su elevada posición social -el pintor apoya su mano izquierda en la empuñadura de la espada como un caballero-. Ambas figuras ocupan la mayor parte del espacio pictórico al colocarse en primer plano, recibiendo una luz dorada que resbala por las ricas telas. La ejecución es detallada y cuidadosa, captando el maestro las calidades con precisión y exhibiendo buenas dotes como dibujante. El colorido empleado es intenso, ligeramente apagado por la hora del atardecer aunque de gran brillantez. El realismo de los personajes, la minuciosidad del estilo y el colorido hacen de Rubens uno de los legítimos herederos de la tradición flamenca.
Sacristia de la cartuja.


Ha sido atribuida esta obra a Francisco Hurtado aunque tal adscripción estilística no se sustenta en criterios sólidos ya que la línea proyectual del citado arquitecto presenta otro tipo de características. Pertenece al experimentalismo barroco andaluz con referencias, aunque sea con brevedad, a la tradición musulmana, entendida en su modelística lineal y abstracta. En el diseño del sagrario cartujano se manifiesta una idea renovadora del elemento y control geométrico y se consagra una opción, en la que la máscara ornamental desplaza a cualquier consideración estructuralista.

 El repertorio decorativo vino a ser una subversión del lenguaje clásico, y su exaltación supone un nuevo uso de las órdenes y de las proporciones, lo cual se entremezcla con una serie de citas de la cultura rococó del momento. En esta obra se permite la formulación de una interesante opción figurativa que enriquece la tradición barroca vernácula. Sobre un zócalo de mármol rojo veteado, parten las potentes pilastras con las que se articula el perímetro del recinto, recubierto por una sucesión de molduras mixtilíneas de ritmo quebrado y ascensional, sometido a un estudio meditado de la luz y la sombra en contraste.