Le Beau Dieu (El bello Dios) 1230.

   

Beau Dieu de la Catedral de Amiens .     

 

Se trata de un relieve alto, de carácter plástico. El material utilizado para realizar la escultura es la piedra, que como hay que recordar, crea un aspecto compacto de solidez y permite una vida más duradera a la obra. El tema es claramente religioso.

El Beau Dieu es un Cristo humanizado, que apareció en 1230 en Amiens y que el historiador Pijoán alabó como la "representación más excelsa de un gentil hombre del norte de Francia, culto y civilizado". Aunque el Beau Dieu suplantara al Pantocrátor, tienen detalles en común bastante apreciables: la biblia en la mano izquierda y la mano derecha bendiciendo, son estos detalles.

Esta escultura, se trata de Le Beau Dieu ( El bello Dios), esculpido en el parteluz de la portada occidental de la Catedral de Amiens, en Francia. La fecha en la que la obra se enmarca es 1230 .                                                

Portal del Juicio Final

                                                                                                                                                                          

El gran portal central o del Juicio Final tiene a sus lados otros dos portales más pequeños: el de la Virgen, a la derecha del espectador, y el de San Fermín, a la izquierda.

El tímpano por encima de la puerta principal está decorado con una representación del Juicio Final, cuando, según la tradición cristiana, los muertos resucitarán y serán juzgados por Cristo. Este tímpano está dividido en tres registros. En el nivel inferior, los resucitados salen de sus tumbas al sonido de las trompetas. El arcángel San Miguel y su balanza se encuentran en medio de ellos para hacer el pesaje de las ánimas. En la parte inferior de la escena, un demonio intenta provocar un engaño haciendo que la balanza se incline a su favor. En el registro intermedio, los condenados están separados de los escogidos y desnudos, son arrastrados por los demonios y dirigidos a la boca del monstruo, el Leviatan. En el registro superior, se encuentra Cristo en su trono, con las manos levantadas y el torso desnudo mostrando sus heridas. Está rodeado por la Virgen María y San Juan, que arrodillados interceden por la salvación de las almas; también hay ángeles que portan los símbolos de la Pasión.

La representación del infierno y el cielo está en las dovelas de las arquivoltas inferiores al tímpano. En el cielo, primero se ven las almas reunidas al lado de Abraham. Después se dirigen hacia una ciudad que representa la Jerusalén celestial. La representación del infierno, como se muestra, es muy similar a la de Notre-Dame de París. Se ven jinetes desnudos sobre caballos, evocando el Apocalipsis.         

En el centro del pórtico central ,sobre el parteluz ,se encuentra la escultura de Cristo Salvador ,El Bello Dios de Amiens .En ambos lados de la doble puerta se hallan las grandes estatuas de los doce apóstoles y los cuatro profetas mayores. De izquierda a derecha sucesivamente: los profetas Daniel y Ezequiel, seguidos por Simón o Judas, Felipe, Mateo, Tomás, Jaime el Menor y Pablo. En la siguiente secuencia: Pedro, Andrés, Jaime el Mayor, Juan, Simón o Judas, Bartolomé, y los profetas Isaías y Jeremías.         

Parte lateral izquierda    

Parte lateral derecha               

                              

Virgen del Canónigo Van Der Paele - Jan Van Eyck

Nos encontramos ante una obra pictórica del arte gótico, de la pintura flamenca llamada La Virgen Del Canónigo Van Der Paele con una técnica en la que expresa un realismo increíble para una obra pictórica y utiliza pintura al oleó. El dibujo representa a la Virgen con el niño junto con dos, representados como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana, y junto a ellos los donantes de la obra, en una posición subordinada, como orantes y el canónigo. El canónigo, envejecido, vistiendo de blanco, se arrodilla a la izquierda del trono de María. Ha abierto un libro de oraciones y lleva un instrumento óptico, signo de riqueza, en sus manos. Al otro lado está el arzobispo Donaciano. Jorge y Donaciano actúan como intermediarios entre el canónigo y la Virgen. El niño tiene en sus manos una especie de Loro o pájaro exótico.  La obra tiene unos colores fuertes, llamativos que dan sensación de frió y alejamiento al usar esos colores azules pero con el rojo da ha su vez una sensación cálida y de acercamiento de la virgen. 

Sabemos que hay volumen porque nos podemos fijar en en el trono y en el paisaje como con una graduación tonal correcta da mucha sensación de estar al fondo del escenario de la obra. La representación de la luz en esta obra esta en la graduación tonal que tiene dicha obra ya que da la sensación de estar por ejemplo entrando luz por la ventana de al fondo de la obra o las sombras que hace la luz que entra por la ventana. La composición de la obra produce equilibrio, serenidad y naturalismo. La virgen se encuentra entronizada, la rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refieren a un milagro de su juventud, pues le salvó de perecer ahogado. En su otra mano lleva una cruz. Se transmite un mensaje de Cristo está entre nosotros El tema de la obra se ve claramente que es religioso. 

Van Eyck fue el pintor oficial de la corte de Felipe el Bueno de Borgoña. En 1428 realizó un viaje a España dónde la influencia de la pintura flamenca fue enorme ya que surgirá el estilo Hispano-flamenco. También en Francia o Alemania veremos como los pintores de esto países incorporarán los procedimientos pictóricos y tratamientos de la imagen flamencos en su pintura. Además, también en la Italia renacentista veremos como se introducirá el empleo del óleo.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_can%C3%B3nigo_Van_der_Paele

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/5045.htm

http://aldapetarte.blogspot.com.es/2009/11/la-virgen-del-canciller-rolin-de-jan.html

LAS JAMBAS DE LA CATEDRAL DE CHARTRES

Nos encontramos ante una obra escultórica de Arte Gótico que se encuentra en la Catedral de Chartres en Francia, se trata de las jambas que se construyeron en la década de 1140.

 las Jambas se encuentran en distintos pórticos, en el pótico Real, las jambas están decoradas por altas figuras de reyes y personajes del Antiguo Testamento, se cree que los antepasados de Cristo, ya que las figuras son básicamente simbólicas. Las estatuas muestran una expresión serena, distinta a la severidad habitual en el románico precedente. Las figuras reales tienen una estatura menor, pero aun así casi igual que las figuras bíblicas, simbolizando una relación de parentesco entre la realeza y la divinidad.

En la fachada norte,  En las jambas hay estatuas que se corresponden con las de los doce apóstoles del lado sur. Muestran profetas del Antiguo Testamento que dan testimonio del compromiso entre Cristo y su iglesia: Melquisedec, Abraham, Moisés, Samuel, David, Isaías Jeremías, Simeón, San Juan Bautista y San Pedro. Las estatuas tienen rostros ovalados y son más realistas que en la entrada oeste.

En el pórtico sur, que es un regalo del conde Pierre Maurlec, de la familia real. Este pórtico introduce nueva iconografía al estilo de Chartres. El portal central muestra el Juicio Final con esculturas de los apóstoles en las jambas.

En el dintel sobre la puerta hay un friso con una visión del Apocalipsis, con el Cielo y el Infierno. Es la primera vez en la iconografía religiosa que se narran el Juicio Final y el Apocalipsis conjuntamente. Hasta entonces ambos temas habían sido tratados siempre de forma independiente pese a estar estrechamente relacionados.

http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Chartres

El matrimonio Arnolfini

TIPO DE OBRA: Pintura.

 TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.

 AUTOR: Jan van Eyck (1390-1441).

 FECHA: 1434.

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 LOCALIZACIÓN: National Gallery. Londres.

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 ESTILO: Primitivos flamencos.

FORMA: Pintura sobre tabla de roble. 82x60 cm.

 MÉTODO: Obra realizada al óleo, mediante pincel.

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  El famoso cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434"

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.

Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:

Esta ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini, también lo que nos produce la sensación de esa riqueza son las naranjas junto la ventana.

Encontramos dos pares de zuecos que en este caso son de ella ya que los de él los vemos ilustrados justo en la parte izquierda del cuadro, el hecho de que estuviesen descalzos en aquella época simbolizaba la fertilidad,  además el color verde era simbolizaba la fertilidad y el color rojo la pasión.

El perro simbolizaba la fidelidad de la pareja dentro del matrimonio. El hecho de que la lámpara tuviese tan solo una vela encendida era una clara referencia a Jesucristo. 

En el espejo se muestra la misma imagen pero a la inversa, en esta imagen podemos apreciar la presencia de dos personas más que suponemos que son los testigos del matrimonio. Por último, Arnolfini fue un rico mercader italiano procedente de Lucca , que se hizo famoso gracias al cuadro que hemos comentado, El matrimonio Arnolfini. 

Catedral de Burgos

Nos encontramos ante una obra arquitectónica posiblemente del arte gótico. La catedral de Santa María de Burgos es un templo católico dedicado a la Virgen María situado en la cuidad española de Burgos. Su nombre oficial es Santa Iglesia Catedral Metropolitana de Santa María de Burgos, su construcción comenzó en 1221  siguiendo patrones góticos franceses. Tuvo importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI: las agujas de la fachada principal, la Capilla del Condestable y el cimborrio del crucero, elementos del gótico avanzado que dotan al templo de su perfil inconfundible. Las últimas obras de importancia  pertenecen ya al siglo XVIII, siglo en el que también se modificaron las portadas góticas de la fachada principal. El estilo de la catedral es el gótico, aunque posee, en su interior, varios elementos decorativos renacentistas y barrocos. La construcción y las remodelaciones se realizaron con piedra caliza extraída de las canteras de la cercana localidad burgalesa de Hontoria de la Cantera.



Esta obra arquitectónica está basada en las catedrales de París y Reims.En el cuerpo inferior se abre la Portada de Santa María, formada por tres arcos apuntados y abocinados que cobijan la Puerta Real, o del Perdón, el central, y las de la Asunción y la Inmaculada, los laterales. Esta portada era obra del siglo XIII y, con su iconografía dedicada a la Virgen, estaba considerada como la más importante manifestación escultórica de estilo gótico en Castilla, pero su grave deterioro obligó a reconstruir  las puertas laterales, en 1663 por Juan de Pobes, y la central, en estilo neoclásico, con vano adintelado y frontón triangular, en 1790; en los tímpanos de las laterales se colocaron los relieves de la Concepción y la Coronación, salidos de la mano de Juan de Pobes, y , dos arquillos laterales dobles que cobijan sendas estatuillas.
También encontramos un rosetón de aire cisterciense, en el tercer cuerpo se abre una galería, en las puertas de los laterales vemos dos torres casi gemelas y sobre estas torres hay chapiteles.





El interior de la catedral consta de un cimborrio, en esta obra podemos ver claramente que la planta es de cruz latina, en la cual hay tres naves siendo la central más ancha y las laterales están en la cabecera mediante una girola o deambulatorio. Estas naves son cortadas debido al transepto, vemos que la cabecera es pentagonal. Las cubiertas se solucionan con bóvedas de crucería, además, es muy característico el triforio. Por último,  la catedral consta de tres rosetones que se encuentran uno en la fachada principal y los dos restantes se encuentran en el trasepto.

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLINE.

Autor: Jan Van Eyck

Fecha: 1435
Museo: Museo Nacional del Louvre
Características: 66 x 62 cm.
Estilo: Pintura Flamenca
Material: Oleo sobre tabla

Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, pero como aparece el comitente, también puede ser considerado un retrato. La pintura fue encargada por Nicolás Rolin, canciller de Felipe el Bueno, un importante funcionario de la corte de Borgoña. Van Eyck no sólo plasmó su apariencia física, sino también su temperamento. Se trataba de un político muy arrogante, lo que explica, por ejemplo, que se atreva a mirar de frente a frente a la Virgen y que tenga el mismo tamaño que ella. Hasta entonces, los cuadros con donante se caracterizaban por ser el comitente de menor tamaño que las figuras sagradas de la Virgen o Jesús y, en segundo lugar, por la presencia de un santo, generalmente el del nombre del donante, que hiciera de intermediario ante la Virgen. A ello se une la ostentación de lujo que describe la posición social del donante.

Se conoce esta obra por dos nombres: la Virgen de Autun, porque estaba en la catedral de Autun, y la Virgen del Canciller Rolin, porque éste es el personaje que aparece rezando ante María. Rolin era natural de Autun y se piensa que encargó la obra para donarla a la catedral de su ciudad.

El estilo en el que está realizada la Virgen es propio de Van Eyck, con un ángel coronándola y mostrando al Niño como si se identificara a la Virgen como el trono de Dios.

En los capiteles de las columnas podemos reconocer diversas escenas del Antiguo Testamento: Adán y Eva expulsados del Paraíso, Caín y Abel, la Borrachera de Noé.

El paisaje urbano que se aprecia a través del ventanal, posiblemente sea Lieja, aunque se ha sugerido también que podría ser Maastricht, Utrecht o Autun. Van Eyck visitó todos estos lugares en misiones secretas para el duque Felipe el Bueno y por ello, pudo realizar su "ciudad ideal" a partir de sus recuerdos de todas ellas. 

LA VIRGEN BLANCA

 CONTEXTO

La Virgen Blanca, es una escultura de estilo gótico y de origen francés. Fue realizada en el siglo XIV y desde entonces está situada en el interior del coro de la catedral de Toledo. Se encuentra el «altar de prima», llamado así por ser donde se oficiaba la misa durante esa hora canónica, a la salida del sol. Sobre su altar la imagen conocida como «La Virgen Blanca», es una obra en alabastro blanco que presenta policromía dorada.

Puede identificarse con la blancura del material con el que se hizo.Es muy habitual identificarla con un milagro de la Virgen que se asocia con el color blanco: el que da origen a la advocación de Nuestra Señora de las Nieves, que se celebra el 5 de agosto (conmemorando una nevada insólita en Roma, que señaló el lugar donde se levantó la iglesia de Santa Maria Maggiore).

 Teológicamente, el blanco indica la pureza de la Virgen, que puede asociarse al concepto de virginidad o al de la Inmaculada Concepción. Entre los colores de las vestiduras de la virgen en las representaciones pictóricas suele utilizarse el blanco para la túnica, y el azul o el rojo para el manto. El lirio blanco es la flor que se utiliza como símbolo iconográfico de la Virgen, especialmente en la representación de la escena de la Anunciación. También tiene relación con la blancura la asociación simbólica de la Virgen con la luna o las estrellas o con la paloma.

DESCRIPCIÓN

 Destaca por mostrar una tierna y alegre imagen de maternidad. La madre de rostro oval, sostiene el hijo en su brazo derecho y lo está mirando con una sonrisa característica de las imágenes de este periodo del gótico; presenta un ligero contraposto con el peso del cuerpo sobre una pierna. Mientras, el niño acaricia con la mano izquierda la barbilla de su madre y con la derecha sostiene un fruto redondo que suple al antiguo atributo del globo terráqueo de las imágenes románicas. Está pintado con oro la corona, el pelo y las franjas de los vestidos; los rostros se dejaron en color natural, que el tiempo ha dejado una pátina en color más oscuro que el blanco del material con que estaba hecha. Su conservación ha permanecido perfecta sin repintes ni rupturas, seguramente debido a la protección que le ha supuesto la costumbre de vestir las imágenes, pues así estuvo, con ropajes hasta entrado el siglo XX. Parece que esta imagen fue donada a la catedral por Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz, alcalde de Toledo y notario mayor del reino de Castilla. 
Nos encontramos ante una de la esculturas más hermosas del gótico europeo que muestra los cambios en la sensibilidad religiosa y artística producidos en la Europa bajomedieval (siglos XIII-XV) así como el avance en el naturalismo que se mostrará imparable hasta culminar en el estilo renacentista.