La Ronda de Noche o La Compañía militar de del Capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem - Rembrandt

Nos encontramos ante una obra pictórica de la pintura barroca. Esta obra la llamamos La Ronda de Noche o La Compañía militar de del Capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem y esta hecha por el pintor holandés Rembrandt en 1642. Fue un encargo de los Arcabuceros de Amsterdam para decorar el cuartel general de la Guardia Cívica. Con motivo de su traslado se recortaron sus cuatro lados en 1719. El origen del título de la obra (Ronda de noche), surge de una equivocación ya que la obra estaba tan oscurecida por su deterioro que cuando la restauraron el título estaba equivocado ya que no era de noche sino de día. El cuadro esta pintado sobre un lienzo de 359 x 438 cm y la técnica que utiliza para pintarlo es la del óleo. El dibujo pierde importancia frente al color, ya que, los contornos están diluidos y no se aprecia claramente donde termina la línea que delimita los diferentes personajes. El dibujo esta muy poco esbozado, por tanto, los contornos están diluidos. Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro. El color Rembrandt lo aplica con pinceladas espontaneas y anchas, es muy rico en tonalidades y destacan el amarillo del traje del teniente con el negro del traje del capitán. Hay también graduación tonal hacia el negro, esto quiere decir que que los colores al final se cambian hacia el negro. 

La luz en esta obra es muy importante porque la técnica de nuestro autor es tenebrista, por ello crea sitios de penumbra en la obra, dicha luz viene de la zona izquierda de la obra y no actúa uniformemente, ya que, destaca a algunos personajes y a otros los deja en la oscuridad como si no fueran importantes. La niña y el teniente parece que tienen luz propia. En esquema compositivo de la obra no produce serenidad si no más bien lo contrario un poco de agitación. En esta obra el autor representa una acción, la de los soldados para embarcarse en una misión. La composición aparece desordenada y compleja, se nota que hay mucho ruido, ajetreo o animación. En el centro de la obra delante encontramos al capitán que le esta dando una orden a su subordinado, tras estos personajes nos encontramos con quienes pagaron una media de 100 florines por aparecer en este lienzo que son 18 integrantes de la compañía. Unas figuras son visibles como la del capitán y la del teniente, pero otras como la de los que pagaron desaparecen en la penumbra. Los personajes estan situados en cuatro puntos diferentes de profundidad. Los personajes aparecen en el cuadro como el autor del mismo los veía a diario en la compañía. También aparecen tres niños corriendo y un perro los cuales dan animación a la escena del lienzo. El estilo que utiliza Rembrandt en esta obra es el barroco con todas sus características generales. El significado de la obra es un acontecimiento normal que convierte en un hecho grandioso. El tema de esta obra es el momento en que la compañía se pone en marcha dirigida por el capitán Coqs y el teniente Van Ruytenburch. Aparecen 16 soldados llevando varias cosas y varios personajes más como el perro o las tres niñas. Otras de las obras importantes de Rembrandt son: Autorretrato con la paleta y pinceles, La lección de anatomíadel doctor Nicolaes Tulp y Aristóteles contemplando el busto deHomero.  

Enlaces: http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/57.htm

http://www.selectividad.tv/S_A_1_2_2_S_la_ronda_de_noche_de_rembrandt.html

http://es.wikipedia.org/wiki/La_ronda_de_noche         

Bóveda de la Capilla Farnesio

 Nos encontramos ante una obra pictórica del barroco italiano. La obra se titula La bóveda de la Galería Farnesio y su autor es Annibale Carracci. Este palacio en el que se encuentra inserta la obra se construyo en 1517. La obra que vemos mide unos 140m2 de superficie. La obra de dicha bóveda comenzó en 1597 y no se terminó hasta 1608. El tema que propone la obra es el triunfo del amor representado por las escenas de la Metamorfosis de Ovidio. En la obra vemos como estan separada las escenas por un armazón arquitectónico fingido que continua la arquitectura de los muros. La escena central mide 18 x 6 metros y muestra el triunfo de Baco y Ariadna. Las figuras son minuciosamentes estudiadas y llenas de corporeidad (Cuerpos miguelangelescos). Las escenas de esta obra pictórica son cuadros trasladados a una arquitectura pintada. En la obra podemos observar como se imita a la naturaleza, a la arquitectura, a la escultura, y se imita a si misma al igual que a la poesía de la época.

El soporte en el que se encuentra nuestra obra es la bóveda de la galería Farnesio y es una pintura que su autor la pinta con la técnica del fresco. El dibujo de la obra es minucioso, cuidado, naturalista, realista y muy bien definido, ya que se observa una obra con muchos detalles y el color son fríos como azules, carnes, etc por lo tanto dan sensación de de serenidad y de alejamiento. Nuestro autor utiliza también graduación tonal para dar sensación de volumen lo podemos ver en el marco arquitectónico simulado o en la propia escena. Por el propio dibujo también sabemos que el artista a dado prioridad e interés en transmitir una idea. La luz esta inmersa en la obra y contribuye a crear sensación de volumen. El esquema compositivo de esta obra es en secciones ya que la arquitectura simulada reparte la bóveda en escenas, los efectos producen agitación, la composición es centrípeta y la línea del horizonte esta alta por lo tanto tiene bastante campo de visión disponible. Las figuras humanas tienen aspecto miguelangesteco, ya que su musculatura es notable. La escena central ocupa el primer plano central y las demás se disponen alrededor. Claramente Annibale Carraci utiliza una tridimensionalidad para que sea vista desde abajo ya que es una bóveda. 

Fuentes: http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc68a.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Annibale_Carracci

Virgen del Canónigo Van Der Paele - Jan Van Eyck

Nos encontramos ante una obra pictórica del arte gótico, de la pintura flamenca llamada La Virgen Del Canónigo Van Der Paele con una técnica en la que expresa un realismo increíble para una obra pictórica y utiliza pintura al oleó. El dibujo representa a la Virgen con el niño junto con dos, representados como si estuvieran manteniendo una conversación cotidiana, y junto a ellos los donantes de la obra, en una posición subordinada, como orantes y el canónigo. El canónigo, envejecido, vistiendo de blanco, se arrodilla a la izquierda del trono de María. Ha abierto un libro de oraciones y lleva un instrumento óptico, signo de riqueza, en sus manos. Al otro lado está el arzobispo Donaciano. Jorge y Donaciano actúan como intermediarios entre el canónigo y la Virgen. El niño tiene en sus manos una especie de Loro o pájaro exótico.  La obra tiene unos colores fuertes, llamativos que dan sensación de frió y alejamiento al usar esos colores azules pero con el rojo da ha su vez una sensación cálida y de acercamiento de la virgen. 

Sabemos que hay volumen porque nos podemos fijar en en el trono y en el paisaje como con una graduación tonal correcta da mucha sensación de estar al fondo del escenario de la obra. La representación de la luz en esta obra esta en la graduación tonal que tiene dicha obra ya que da la sensación de estar por ejemplo entrando luz por la ventana de al fondo de la obra o las sombras que hace la luz que entra por la ventana. La composición de la obra produce equilibrio, serenidad y naturalismo. La virgen se encuentra entronizada, la rueda con las velas encendidas que lleva san Donaciano se refieren a un milagro de su juventud, pues le salvó de perecer ahogado. En su otra mano lleva una cruz. Se transmite un mensaje de Cristo está entre nosotros El tema de la obra se ve claramente que es religioso. 

Van Eyck fue el pintor oficial de la corte de Felipe el Bueno de Borgoña. En 1428 realizó un viaje a España dónde la influencia de la pintura flamenca fue enorme ya que surgirá el estilo Hispano-flamenco. También en Francia o Alemania veremos como los pintores de esto países incorporarán los procedimientos pictóricos y tratamientos de la imagen flamencos en su pintura. Además, también en la Italia renacentista veremos como se introducirá el empleo del óleo.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Virgen_del_can%C3%B3nigo_Van_der_Paele

http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/5045.htm

http://aldapetarte.blogspot.com.es/2009/11/la-virgen-del-canciller-rolin-de-jan.html

Catedral de León

 Nos encontramos ante una obra arquitectónica del arte gótico más concretamente esta obra se denomina Catedral de Burgos. El edificio se trata de una catedral que recoge ritos religiosos. La planta de esta obra arquitectónica es una planta como la de Reims pero con una dimensión menor dividida en tres naves de la entrada al transepto y en cinco naves del transepto al altar mayor. 

Sus partes mas destacadas en el exterior es el ábside y en el interior las partes más destacadas son el coro, el trascoro, el altar mayor, las diferentes capillas y girolas, el claustro y por último las vidrieras. Los muros son cada vez menos sustentantes porque cada vez se habren más vanos y por lo tanto lo que de verdad sustenta el edificio son los pilares que hay por toda la planta de la catedral. La cubierta de esta obra es abovedada ya que tiene varias cúpulas en el interior y en el exterior varios minaretes acabados en punta. Esta obra como todas las de su época es muy características en tener muchísimos vanos en los muros más concretamente esta obra tiene 125 ventanales con más de 1800 metros cuadrados. 

La fachada de esta obra arquitectónica es una fachada en H con dos torres a los laterales acabadas en punta, también tiene un gran rosetón con una estructura de piedra, más abajo se divide en tres puertas en las que las jambas están decoradas al igual que las puertas, los parteluz, los tímpanos y los pilares son lisos. El exterior del edificio consta con contrafuertes por alrededor del edificio. 

Los elementos decorativos más característicos de esta obra son las vidrieras en los vanos que representan alguna escena de la biblia, otras de los elementos decorativos son las jambas y los tímpanos que representan en algunas ocasiones a los apóstoles o representan también como las vidrieras escenas bíblicas y religiosas. Esta obra se encuentra en el camino de Santiago por lo tanto tienen muchos peregrinos al año y es una de las más importantes góticas. La dimensión exacta de esta catedral es de 90m de larga, 30m de alta y 29m de ancha. 

El espacio interior de esta obra se divide en diferentes características, a continuación pasamos a describir algunas de sus características. El espacio interior es yuxtapuesto ya que se divide en diferentes naves, es cerrado porque tiene una gran cubierta y simétrico. Esta concebido el espacio interior para ser recorrido por personas como pueden ser los peregrinos del camino de Santiago y sus partes más visitadas son el altar mayor, el retablo y el deambulatorio (Por el que pasan los visitantes de la catedral). La luz en esta obra es muy importante ya que mucha luz entra por las vidrieras policromadas y esto hace que este espacio interior tenga mucha luminosidad y sensación de espacio abierto. El espacio interior es muy similar al espacio exterior en las formas tan complejas de su decoración y en su riqueza de formas. La catedral se encuentra en León en la plaza de regla por donde pasa el camino de Santiago. 

Fuentes: http://www.arteguias.com/catedral/leon.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Le%C3%B3n_(Espa%C3%B1a)

    

Mezquita : Planta y transformaciones.

La Mezquita de Córdoba ha sufrido grandes transformaciones a los largo de los siglos, las cuales vamos a hablar a continuación al igual que hablaremos también de su planta actual.

Tras la llegada de los musulmanes en el 711 a.c. Abd al-Rahman I decidió construir la mezquita encima de la Basílica de San Vicente. Fue iniciada su construcción en el 786 constaba de 11 naves con 12 tramos cada una de estas mismas, la central un poco más ancha que las demás. Luego Mohamed I construyo la puerta de San Esteban y Hisam construyó el primer alminar de la mezquita.

En el 833 Abd al-Rahman II inicia la primera ampliación de la mezquita porque le hacia falta más aforo y lo hizo tirando el muro de la qibla y ampliando las 11 naves iniciales con ocho tramos más cada una. En el interior hace una superposición de arcos de herradurasobre columnas con capital de pencas que soportan arcos de medio punto sobre pilares. Con esta técnica se eleva el techo y con la elevación del techo entra mucha más iluminación. También cerró el patio. Abd al-Rahman III amplió el patio, derribo el minareteantiguo y construyó uno nuevo en su lugar.

AlhakénII tira el muro de la qibla de Abd al-Rahman II y contruye uno con doble muro, construye otras 11 naves con doce tramos y también construye los cuatro lucenarios con cúpulas. Aparecen nuevos arcospolilobulados y entrecruzados. Los materiales empiezan a ser labrados con capiteles de penca, en el mihrab se abre una habitación con una cúpula en forma de concha. El mosaico aparece en las cúpulas y laportada del mihrad.

Almanzor hizo la ampliación más extensa de todas. No pudo seguir ampliando hacia el rió Guadalquivir y tubo que seguir ampliando hacia el otro lado. Amplió hacia al este 8 naves que descentra el mihrab. El la única del mundo que lo tiene. En los arcos las dovelas son solo cromáticas y no de materiales ya que todas son de piedra caliza. Esta reforma es la actual, por lo tanto la planta consta de 19 naves, con el mihrab descentralizado, con varias cúpulas y una planta basilical. Por último levantaran una construcción gótica en la sala de oración para convertirla en catedral.

En 1236 con la conquista de Fernando III se convertirá en catedral levantando una construcción gótica en el centro del la sala de oración.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Mezquita-catedral_de_C%C3%B3rdoba

          http://quhist.com/ampliaciones-cambios-mezquita-de-cordoba-en-la-historia/

Caminos de peregrinación hacia Santiago De Compostela

Los caminos de peregrinación hacia Santiago De Compostela están por toda Europa. Para entender estas peregrinaciones tenemos que ir mucho tiempo atrás con las acciones evangelizadoras del apóstol Santiago. Se tratan de rutas cada una distinta y única, con diferentes paisajes y ambientes.

Las peregrinaciones se debían a que se cree que allí estaba enterrado el apóstol Santiago. Pero, a partir del año 813 se cree encontrar los restos del apóstol Santiago pero nadie ha comprobado que sean los verdaderos. Por tanto Compostela de convirtió en un centro de peregrinaje y los reyes hacen todo lo posible para constituir una serie de monasterios en el norte. Los primero peregrinos fueron musicos de Europa. Por la ruta jacobea se fue enseñando las antiguas ceremonias y costumbres para aquellos que venían de lejos entendieran el culto. Se construyen puentes y hospitales en estos caminos para facilitar las cosas a los peregrinos. La iglesia hace de la peregrinación la forma de devoción más difundida. Más tarde se convirtió la catedral de Santiago en una sede de arzobispado.

En 1993 fue incluido la catedral de Santiago de Compostela como patrimonio mundial de la humanidad por la Hunesco y por tanto algunos de sus caminos con ella.

Fuentes: http://www.arteguias.com/camino-santiago-historia.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Caminos_de_Santiago_en_Espa%C3%B1a

http://es.wikipedia.org/wiki/Camino_de_Santiago

Estatua Barberini

Nos encontramos ante una obra escultórica llamada la Estatua Barberini hecha sobre el año 40 a.C, en la que actualmente se conserva en el Palacio de los Conservadores (Roma). Esta escultura es exenta, su representación es de cuerpo entero (El patricio romano) por una parte y este tiene en cada mano un busto de un familiar suyo que ha fallecido. 

La posición de la obra es de pie. El material del que esta hecha esta escultura es el mármol y no es una copia. La técnica principal que utilizan es la talla. Esta escultura no ha estado policromada en ningún momento, tiene una superficie suave y curva, con un acabado y una textura suave. Esta escultura ocupa un espacio cerrado y no contiene espacio interior, por lo tanto da sensación de pesadez al ser de mármol completamente y medir 1,65 metros de alto (No era muy grande, ya que se crearon mucho más grandes). 

Esta estatua como he dicho anteriormente esta exenta por lo tanto de puede ver desde varios puntos de vista. La escultura en su época recibiría luz natural porque artificial no había hoy en día donde esta colocada recibe luz artificial. Produce sensación de serenidad debido a sus formas curvas y suaves. El autor utiliza en esta obra la técnica de los paños mojados.

El esquema compositivo de esta obra es piramidal por lo tanto trasmiten equilibrio y serenidad. Representa el reposo ya que tiene a sus dos antepasados en las manos, no presenta rasgos en los músculos y los gestos de movimiento y el momento escogido de la acción parece estar quieto.

El tratamiento de las figuras es realista, las cara del patricio al igual que las de los antepasados tienen expresión seria, calvicie, pómulos ensanchados y mirada al frente (Los ojos estaban tallados). El el cuerpo del patricio existe rigidez. Esta escultura tiene una perspectiva desde todas partes que crea profundidad y realismo. 

El tema de esta escultura creo que es el recuerdo a los antepasados por parte de una persona, es una escena llamativa y peculiar que hacían las personas que tenían alto poder adquisitivo. El significado de hacer esta escultura es que una persona anónima esta interesada es que en ese viaje le acompañen algunos antepasados.

Fuentes: http://aprendersociales.blogspot.com.es/2007/10/el-togado-barberini.html

http://www.miguelgual.com/lasimagenes/comentarios/24roma/grupo%20barberini.htm

Panteón De Agripa

Nos encontramos ante una de las obras arquitectónicas más importantes de todos los tiempos: El Panteón de Agripa, que se encuentra en Roma, exactamente en la ciudad de La Rotonda y fue construido en el AÑO 27 A.C pero a lo largo de los años a recibido varias reformas, la última y más importante la del emperador Adriano. Se trataba de un templo para todos los dioses, pero a partir del S.VII se utilizo como iglesia. En la fachada de esta obra esta escrita la frase: 

M·AGRIPPA·L·F·COS·TERTIVM·FECIT (Marco Agrippa, hijo de Lucio, cónsul por tercera vez, (lo) hizo).

La planta de esta obra es una gran sala redonda de 43 metros a la que se le une el pórtico de un templo clásico. El espacio redondo estaba techado por una semiesfera perfecta hecha entera de hormigón en la que se encuentra un gran espacio redondo abierto de un enorme tamaño para que entre la luz del sol. Los muros cumplen una función sustentante pero en los nichos usa la función de cierre porque hay dos columnas que sustentan esa parte del edificio. Estos muros estaban construidos con ladrillo y hormigón a modo de anillos, pero la esfera estaba construida de hormigón y piedra pómez. Fue construida mediante sucesivos anillos de hormigón, resultando una estructura autoportante, ya que al fraguar cada anillo, se puede desmontar el andamiaje y proceder a hormigonar el siguiente anillo. Los materiales de relleno se van aligerando de peso de abajo haciaa arriba. Es un templo con un pronaos octáctilo, los fustes tienen un diámetro de 1,48 metros y son de orden corintio. Dentro del templo hay tanto columnas sustentantes como de decoración, las primeras que nombramos son las que se encuentran en los huecos de las capillas y las otras son las que se encuentran adosadas en la pared. El frontón debía estar decorado con estatuas de bronce, hoy perdidas. La cubierta de este edificio es peculiar porque tiene una parte arquitrabada y la otra es abovedada ya que es una gran semiesfera de 43 metros con un óculo de 9 metros de diámetro, el cual dicen que estaba rodeado de bronce. 

Este edificio solo tenía una puerta de entrada y varias ventana, la más destacada es el óculo del techo pero también hay otras como la de las habitaciones que dan a la sala redonda. La fachada refleja la ordenación interior del edificio. 

En el edificio hay diferentes elementos decorativos entre ellos están que cada una de las paredes estaban revestidas de mármoles incrustados, de una fastuosa policromía, sobresalen edículas rematadas por frontones triangulares o de segmento de círculo. Las dimensiones de la obra en si no son muy grandes comparadas con otras obras, lo que verdaderamente la hace que sea gigante y única es esa gran cúpula de 43 metros que durante muchos años ha sido la más grande que se ha construido. El tipo de espacio de esta obra es abierto y se divide en diferentes partes: La sala redonda, los nichos, las habitaciones y el pórtico. Los que más destaca del edificio es esa cúpula perfecta con ese óculo enorme en medio. Esta obra arquitectónica tenia la función de templo hacia todos los dioses. En esta época no había electricidad por lo tanto la luz entraba por el óculo del techo al igual que también entraba cuando llovía pero esta era dirigida a través de una pequeña pendiente del suelo. Estaba policromada. 

 

En cuanto a su relación con el entorno, es el centro de la plaza de la rotonda que es como se llamaba el panteón, y ya lo era cuando se creó por lo tanto todo se organiza a su alrededor. El Panteón ha sido de enorme importancia en la arquitectura en el Renacimiento, Brunelleschi estudió el Panteón para la construcción de la cúpula del Duomo de Florencia. Bramante y Miguel Ángel lo recrearon en obras como el Templete de San Pietro in Montorio o la Basílica de San Pedro. Antonio Canova proyectó un templo en Possagno, su ciudad natal, basándose en el diseño del Panteón. 

Aquí os dejo un vídeo que hemos visto en clase y lo explica bastante bien: 
  

Fuentes: http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/monumentos/898.htm

http://www.slideshare.net/HistoriaMJ/comentarios-1arte2-1eva

http://es.wikipedia.org/wiki/Pante%C3%B3n_de_Agripa

Apoxyómeno de Lisipo

Nos encontramos ante una obra escultórica Griega, realizada por el escultor Griego Lisipo sobre el año 325 a.C. (Se le atribuyen 1500 esculturas). Esta obra escultórica se llama apoxyómeno que se traduce como ``El raspador´´. 

Esta obra se encuentra muy bien conservada en los museos Vaticanos.

El resalte de la escultura es exenta, la parte que representa es el cuerpo entero por lo tanto es una estatua y la posición en la que se encuentra es de pie. 

El material del que esta hecha esta copia es de mármol, estaban polícromadas, esta escultura la hicieron con la técnica de la talla sobre mármol presentando asín una talla suave y curvada. Mide un poco más de lo natural 2,05 metros, no contiene espacio interior y da sensación de mucha pesadez al ser de mármol. Las originarias eran de bronce. 

Como he comentado anteriormente esta escultura está exenta por lo tanto ofrecerá todos los puntos de vista posible, esto quiere decir que también la puedes ver de lado o de espaldas. Su composición nos únicamente frontal como el Discobolo. La figura utiliza el contrapostol porque se apoya en la pierna izquierda echando todo el peso sobre ella, esto junto a la cadera crea una sensación de movimiento al espectador y una sensación de naturalidad. También usa el principio de diartrosis porque tiene los brazos separados del cuerpo. La musculatura está menos marcada que en las obras de Polícleto. 

Representan a la figura con el canon de belleza que pasa de que la figura mida siete cabezas (Polícleto) a que mida ocho cabezas (Lisipo), por lo tanto la cabeza es pequeña respecto a la escultura, y esta representada como un retrato. 

El tema del apoxyómenos es una figura masculina desnuda que representa a un atleta que se limpia de aceite con el estrígil, se limpia el sudor.

Fuentes: http://unapizcadecmha.blogspot.com.es/2013/02/el-apoxiomeno-de-lisipo-y-otras.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Apoxiomeno_de_Lisipo

http://es.wikipedia.org/wiki/Apoxiomeno