miércoles, 12 de marzo de 2014

Sainte-Chapelle.

Estamos ante una obra arquitectónica, perteneciente al arte gótico.
Esta obra arquitectónica es denominada como Sainte-Chapelle y data del siglo XIII, en concreto del año 1248. En este relicario translúcido se muestran resumidas todas las posibilidades estructurales y estéticas del gótico, especialmente muestra un sistema estructural que parece desafiar la gravedad debido a su gran complejidad. Los maestros que construyeron esta obra tan sorprendente fueron conscientes de su preparación científica en beneficio propio viajando por toda Europa para prepararses. Este relicario anticipa con su delgado armazón y su piel acristalada varias de las soluciones dadas por los arquitectos de Chicago al rascacielo comtemporáneo.
En cuanto al contexto, podemos decir que esta obra arquitectónica fue mandada a construir por San Luis de Francia en el Palacio Real de París, para custodiar la corona de espinas de Cristo que había adquirido en Tierra Santa.

martes, 11 de marzo de 2014

DESCENDIMIENTO DE CRISTO Y QUINTA ANGUSTIA DE MARÍA.



Esta obra es considerada la obra maestra del pintor flamenco Roger van der Weyden, pintada al óleo sobre tabla hacia 1436.
Fue el pintor mas brillante de la escuela flamenca. También fue conocido como Roger de la Pasture o Rogier de le Pasture. Nació en Tournai, y allí realiza su primera formación en el taller de Robert Campin hacia 1427, y se hace maestro en 1432. 
La obra fue encargada para la capilla de los Ballesteros de Lovaina(capilla de Notre-Dame). Felipe II, admirador del arte flamenco, trató de comprarla y encargó a Michel Coxcie que le hiciera una copia para colgar en El Escorial. Años más tarde, María de Hungría, consiguió adquirirlo para la colección real española. Se encuentra actualmente en el Museo del Prado de Madrid.
El autor utilizó la técnica del óleo, en la que los pigmentos se machacan y aglutinan con aceites vegetales. Esta técnica permite hacer correcciones. Para terminar la pintura al óleo, se da una capa de barniz que la protege y le da brillo.
A simple vista, las figuras dan sensación de volumen. Parece que todas (a excepción del desconocido) se agolpan en un primer plano, pero procurando que ninguna oculte a las demás. Los personajes son diez en total: Cristo muerto, la Virgen, San Juan, las “Marías”, José de Arimatea, Nicodemo, María Magdalena, el ángel, y un hombre en un plano posterior que es desconocido.

http://artebonitaspalabras.blogspot.com.es/2012/02/el-descendimiento-de-la-cruz-roger-van.html
CATEDRAL DE GERONA.


La catedral de Santa María de Girona ha sufrido un largo proceso constructivo. Debió existir un templo visigótico en su solar y más tarde uno prerrománico.


En el siglo XIV se decidió sustituir el viejo templo románico por otro con nuevos aires.
Varias décadas después, Guillermo Bofil fue encargado de desarrollar el proyecto que solucionó construyendo una gran bóveda que englobase una única nave de la misma anchura que las tres proyectadas y correspondientes a los tres ábsides citados.
El resultado es que la actual Catedral de Girona, es de una monumental espaciosidad. De la primitiva fábrica románica queda la "Torre de Carlomagno" y el claustro. El claustro de la Catedral de Girona se puede fechar en la segunda mitad del siglo XII y es de los más interesantes y bellos de Cataluña.

Los arcos de de medio punto embellecidos con guardapolvos son soportados por parejas de columnas completamente exentas. Siempre ha llamado la atención, por lo infrecuente del tema la aparición de escenas descriptivas del trabajo de los propios maestros de obra trabajando la piedra.







http://www.arteguias.com/catedral/girona.htm

Nos encontramos ante una obra pictórica de arte gótico, esta obra es perteneciente a Simone Martini representa al condotiero Guidoriccio da Fogliano a caballo, por lo que la obra es ecuestre,en concreto la primera obra ecuestre del gótico italiano.
Esta obra es representada en honor a Guidoriccio da Fogliano debido a que habia salvado la independencia de la républica sienesa reprimiendo la invasión del pueblo vecino.
En cuanto al contexto, Simone Martini nació a finales del siglo XII y murió a mediados del siglo XIV.
También hay que decir que Simone Martini tiene obras de gran importancia además del Guidoriccio da Fogliano, en concreto la más importante es la de la Anunciación, pintada en temple sobre tabla, donde es representado este pasaje de la Anunciación donde representa una mezcla de arte bizantino y arte gótico.
Hay que decir que Simone Martini fue pintor de la época del llamado trecento del siglo XIV.


Las obras de Giotto


                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                      Nos encontramos ante dos obras pictóricas del Gótico mas concretamente pertenecen a Giotto que es de la escuela florentina.
       En la imagen de la izquierda nos encontramos representado el momento en que los sacerdotes expulsan de la iglesia a San Joaquin por no tener descendencia.Esta obra la podemos encontrar en la capilla de Enrico Scrovegni. En esta obra podemos apreciar un fondo azul para que así pueda resaltar la figura de los personajes. Podemos ver a San Joaquin con una túnica roja que es empujado por un sacerdote con una túnica verde.

   En la imagen de la derecha nos encontramos a San Francisco de Asís en posición de bendecir a los pájaros y esta acompañado de un monje franciscano. El fondo de esta obra es gris y verdes y aparecen algunos árboles. Esta obra se conoce con el nombre de San Francisco predicando a los pájaros, y la podemos encontrar en la Basílica alta de San Francisco, Asís.

    En ambas obras podemos apreciar los gestos de los personajes y un naturalismo mas idealizado de que épocas anteriores. Giotto se convertirá en el pintor mas famoso de su época y gracia a la fama cogida por las pinturas en mural de Francisco de Asís la burguesía requerirá su trabajo para decorar sus capillas funerarias.






lunes, 10 de marzo de 2014

POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO

El retablo la Adoración del Cordero Místico, también conocido como Altar de Gante, es un políptico de doce tablasal óleo realizado por los hermanos Hubert y Jan van Eyck, por encargo de Joos Vyd y su esposa, Elisabeth Borluut. Fue pensado para la iglesia de San Juan de Gante (actual Catedral de San Bavón), donde aún permanece.
Abierto mide 340 x 440 cm, siendo uno de los retablos de mayores dimensiones del norte de Europa en el siglo XV.1
El tema central es la narración bíblica sobre la redención del hombre por el sacrificio de Jesús, ofreciendo una lectura de la Teología cristiana desde la Anunciación (en su exterior) hasta la Adoración del Cordero (en su interior).2
Normalmente se mostraba cerrado, pero en las festividades se abría, dejando a la vista los colores vibrantes del interior.
Una serie de referencias esotéricas que llenan el retablo de simbolismo escondido, muy del gusto de los pintores flamencos junto a referencias cultas a la pintura italiana del Trecento, a Giotto e incluso a su contemporáneo, el pintor renacentista Masaccio, confieren al cuadro un notable interés, ya que los autores fueron capaces de reelaborar los elementos simbólicos dentro de los elementos visibles. Pero es su aporte innovador a la representación de la realidad y al desarrollo del espacio pictórico lo que sitúa este retablo como un hito en la historia del arte ya que marca la transición de la pintura gótica a la del Renacimiento.
El retablo de Gante tiene una historia material muy compleja, donde las diferentes tablas han sido desmontadas en varias ocasiones, y separadas unas de otras por largos periodos de tiempo.1 En el año 1566 se desmontó el retablo para esconderlo de las revueltas calvinistas; en 1794, las cuatros tablas centrales fueron enviadas al Louvre por las tropas de Napoleón, regresando a Gante en 1816; las alas laterales se vendieron ese mismo año y fueron devueltas en 1919; y en la Segunda Guerra Mundial, el ejército nazi trasladó el retablo, junto a otras siete mil obras de arte, a una mina de sal.
Actualmente una de las tablas sigue perdida. Se trata de Los Jueces Justos (extremo inferior izquierdo) que fue robado en el año 1934. El que actualmente se contempla es una copia realizada por el pintor belga Vanderveken en el año 1945
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ANUNCIACION:
Los paneles del segundo nivel muestran el episodio de la Anunciación. A la izquierda se observa alarcángel Gabriel y a la derecha a la Vírgen María.
A través de un examen con rayos X se descubrió que en principio no estaba previsto el techo de madera, sino unos nichos pintados como las figuras inferiores, con ejecución en monocromo, lo que explicaría su «insólita blancura».6

En medio, hay una ventana con arcos geminados; se cree que pudo representar la vista de Gante desde el estudio de los Van Eyck. Y, además, un nicho con una palangana, un jarro metálico y un paño, alusivos a la virginidad de María.6El ángel lleva un lirio, símbolo de la virginidad, y le dice «Dios te salve, María, llena eres de gracia», a lo que ella le responde «He aquí la esclava del Señor»; la inscripción está en latín, en letras doradas, estando al revés el «Ecce Ancilla Domini» de la Virgen, como ocurre en la Anunciación, de Jan van Eyck. Las palabras de María se dirigirían de esta forma al cielo o a la paloma del Espíritu Santo que hay sobre su cabeza.7
El techo de la habitación parece demasiado bajo en comparación con las dimensiones de los personajes. La escala grande de la Virgen y del arcángel responde a una convención con la que se representaban las apariciones de los santos, y en especial de la Virgen. Puede apreciarse este efecto, de forma más acentuada, en la tabla de Jan van Eyck la Virgen en una iglesia, (hacia 1438).
POLIPTICO ABIERTO:
La representación iconográfica de la Deesis incorporaba desde el siglo IX la tradición de mostrar a la Virgen y a San Juan como intercesores de las almas ante Dios en el día del Juicio Final.12 Sin embargo, el retablo se aleja de la representación tradicional al renunciar al motivo de la intercesión de la Virgen y San Juan. Aquí en lugar rogar a Cristo por las almas de los difuntos, aparecen estudiando las escrituras.7 Igualmente, Juan el Bautista difiere de la tradición iconográfica al señalar a Dios en lugar de al Cordero —motivo que ya aparece en el panel inferior—.7 La corona situada sobre el suelo, evoca el dominio del mundo por Dios.7
Suele considerarse que es Hubert van Eyck el autor de estas figuras entronizadas, más estáticas y monumentales que todas las demás.6

Ángeles cantores y músicos

Detalle de los Ángeles cantores.
A los lados de las tres figuras hay ángeles cantores y músicos, vestidos con ropas de liturgia. Los ángeles cantores se sitúan en la tabla izquierda, mientras los músicos aparecen en la tabla de la derecha. Los ropajes, instrumentos y suelo están reflejados con gran detalle.
En el facistol de los ángeles cantores se representan figuras talladas de san Miguel venciendo al demonio y dos profetas sentados en las aristas del hueco portalibros. En el pavimento —con baldosas de mayólica importadas entonces desde Valencia—, se muestra repetida la figura del Cordero y otras alusiones a la divinidad.7 Los ángeles tienen diferentes expresiones y según algunos autores es posible distinguir el registro de las diferentes voces atendiendo a los gestos.13

Adán y Eva

Los protagonistas están separados, cada uno en un extremo del retablo, y la escena no presenta los elementos iconográficos tradicionales como el árbol, la serpiente, u otras plantas y animales del jardín.15Han sido pintados con su púdica hoja, y Eva sostiene la fruta por la que fueron expulsados del Jardín del Edén.
Se trata de los primeros desnudos monumentales en la pintura flamenca.14Los paneles superiores de los extremos representan a Adán y Eva, a la izquierda y derecha respectivamente. Están desnudos, no idealizados, sino con cuerpos extremadamente reales; el vientre hinchado de Eva hace referencia a su papel como madre de toda la Humanidad.
Adán parece como si anduviera, dotando a la pintura de mayor perspectiva tridimensional.
Los paneles de Adán y Eva están rematados con La ofrenda de Caín y Abel (sobre Adán), y el asesinato deAbel en manos de su hermano Caín (sobre Eva). A diferencia de otras figuras, estas escenas fueron pintadas para dar la apariencia de ser bajorrelieves.
Cuando en 1781 el emperador José II de Habsburgo visitó la catedral de San Bavón, encontró las figuras de Adán y Eva de un naturalismo desagradable, lejano a los desnudos idealizados del arte clásico. Con este motivo se separaron estas tablas y fueron depositadas en los archivos de la catedral.16
En el siglo XIX, las representaciones desnudas de Adán y Eva volvieron a sufrir la censura, y los paneles fueron sustituidos por reproducciones vestidas realizadas por el pintor belga Victor Lagye. Estas reproducciones aún se conservan en la catedral de Gante.

Paneles inferiores

Panel inferior central

El panel inferior central muestra la escena principal, la Adoración del Cordero Místico, representando al Hijo de Dios y su Eucaristía. Se trata de una obra fundamental en la historia de la pintura ya que ofrece un nuevo campo de visión naturalista, resultado de ampliar sobre una tabla escenas y representaciones que hasta entonces solo fueron accesibles a los conocedores de las miniaturas. La composición está basada en un pasaje del Apocalipsis de San Juan:
Después de esto vi una grande muchedumbre, que nadie podía contar, de todas naciones, y tribus, y pueblos, y lenguas, que estaban ante el trono y delante del Cordero, revestidos de un ropaje blanco, con palmas en sus manos

La sangre de Jesús es recogida en la copa, lo que se relaciona con el mito del Santo Grial. En el cielo surge la paloma, símbolo del Espíritu Santo, que ilumina la escena. El Cordero está rodeado por catorce ángeles, algunos de ellos con los símbolos de la Pasión (la cruz, la columna, la corona de espinas, la lanza, la esponja).6 Delante, la fuente de la vida de la que nace un arroyo, cubierto de joyas.
En la escena se observa una campiña con una ciudad al fondo. Esta campiña presidida por el trono del Cordero es un espacio que alberga un despliegue de numerosas figuras y detalles prodigiosamente concretos. Una ola de luz penetra toda la naturaleza, liga sin brusquedad todos los ambientes y une armoniosamente todas las materias, desde las telas de los ropajes y los metales de las hebillas y coronas hasta la piel de los rostros, las hojas de los árboles y los edificios del fondo.
Los cuatro grupos que adoran al Cordero son:
  • Un grupo de judíos, sosteniendo el Libro Sagrado. Junto a ellos, los paganos, representado por sus caras orientalizantes y diversidad de sombreros y tocados. Dentro de este grupo, destaca la figura de blanco que pudiera ser probablemente el poeta romano Virgilio.
  • La iglesia católica, donde figuran los doce Apóstoles en primer término y detrás santos y papas. Se reconoce entre los santos a San Esteban portando las rocas con que fue martirizado.
  • Mártires masculinos, portando palmas.
  • Mártires femeninos, que también portan palmas.
El paisaje representa el Jerusalén celestial. Hay plantas parecidas a las mediterráneas. En el horizonte se ven colinas, montañas y ciudades, creyéndose reconocer en la torre que queda detrás del altar el campanario de Utrecht.

JEAN LE LOUP Y GAUCHER DE REIMS

La Catedral de Nuestra Señora de Reims (en francésCathédrale Notre-Dame de Reims), es una catedral de culto católico romano bajo la advocación de Nuestra Señora, la Virgen María en la ciudad de Reims, en el departamento de Marne, en Francia, al noreste del país, a unos 160 km de la capital estatal, París, es la cabeza de la diócesis de Reims.
Construida en el siglo XIII, después de las catedrales de París y de Chartres, pero antes de las catedrales de EstrasburgoAmiens y Beauvais. Es uno de los edificios góticos de mayor importancia en Francia, tanto por su extraordinaria arquitectura como por su riquísima estatuaria. En 1991, fue incluida en la lista del Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.
La Catedral de Reims era, en el Antiguo Régimen, el lugar de la consagración de los monarcas de Francia. El último Rey coronado fue Carlos X, el28 de mayo de 1825.
EL INTERIOR:
El edificio destaca por su unidad de estilo, a pesar de una construcción en la cual no duró más de dos siglos (pero principalmente en el siglo XIII).
La altura de la nave es de 38 metros en el centro (Amiens: 42,30 m; Beauvais: 46,77 m). La nave mide 138,75 metros de largo y unos 30 de ancho. Comprende una nave central y dos laterales, los transeptos también tienen naces, un coro con doble pasillo y un ábside con girola y capillas radiales.
Posee la catedral tapices, entre ellos una serie presentada por Robert de Lenoncourt, arzobispo con Francisco I, representando la vida de la Virgen. Actualmente se pueden ver en el anterior palacio del obispo, el Palacio de Tau. El transepto norte contiene un órgano en una llamativa cajagótica. El reloj del coro está adornado con curiosas figuras mecánicas. Conserva vidrieras que van desde elsiglo XIII al XXMarc Chagall diseñó la vidriera instalada en 1974 en el eje del ábside.
El tesoro, conservado en el Palacio de Tau, incluye muchos objetos preciosos, entre ellos la Sainte Ampoule, o Santa Ampolla, sucesora de la antigua que contenía el aceite con el que los reyes franceses eran ungidos, que se rompió durante la Revolución francesa, un fragmento de la cual contiene la actual Ampoule.
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EXTERIOR:
Los tres pórticos están cargados de estatuas y estatuillas; entre las catedrales europeas, sólo Chartres tiene más figuras esculpidas.
El Pórtico Mayor, dedicado a la Virgen María, tiene por encima un rosetón enmarcado en un arco en sí mismo decorado también con estatuas, en lugar del habitual tímpano esculpido. Destacan los grupos de las jambas, donde se encuentra el tema de la Anunciación. Se puede ver la búsqueda de una nueva expresión donde los personajes parecen querer argumentar entre ellos, con gestos y expresiones individualizadas. El Ángel de la Sonrisa, el Arcángel Gabriel en el tema, es el paradigma de esta nueva escultura gótica.
La «galería de los reyes» por encima muestra el bautismo de Clodoveo en el centro flanqueado por estatuas de sus sucesores.
Las fachadas del transepto están también decoradas con esculturas. La del norte tiene estatuas de los obispos de Reims, una representación delJuicio Final y una figura de Jesús (le Beau Dieu), mientras que en el lado meridional tiene un bello rosetón moderno con los profetas y losapóstoles. Un incendio destruyó el tejado y las agujas en 1481: de las cuatro torres que flanqueaban los transeptos, nada queda por encima de la altura del tejado. Sobre el coro se alza un elegante campanario de madera cubierto de plomo que tiene 18 metros de alto, reconstruido en el siglo XV y en los años 1920
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Frescos de la Basílica de San Francisco, Asís. Giotto

La Basílica de San Francisco está situada en Asís, en la región italiana de Umbría.Lugar de la glorificación de San Francisco de Asís, se distinguen en ella dos partes fundamentales: la Basílica inferior, baja y oscura, y la Basílica superior, espaciosa y luminosa.

Cuando estaban terminando los trabajos de la construcción de la iglesia superior se iniciaron también las decoraciones al fresco. En ambas basílicas, esta decoración corresponde a una serie de programas, destruidos en parte en algún caso, que fueron pensados dentro de un plan integral que tenía la finalidad de exaltar la figura de San Francisco.
Cronológicamente, los frescos parten desde el presbiterio en el cual se representan Historias de María al centro e Historias del Apocalipsis y de los Apóstoles en los brazos. Las figuras por las cuales Francisco sentía máxima veneración están ampliamente representadas: el Cristo crucificado, la Virgen María, los Apóstoles (sobre todo, Pedro y Pablo) y los Ángeles (en particular, el Arcángel Miguel).
El ciclo pictórico comenzó entre 1267 y 1270 cuando, según las fuentes, un “maestro de escuela gótica” y un “maestro de escuela romana” estaban trabajando en la pared derecha del transepto en las escenas de la vida de los apóstoles Pedro y Pablo. La decoración continuó en las paredes con ventanales desde 1270 a 1280 gracias a la obra de un “maestro romano”.
A lo largo de las paredes de la nave se articulan, en la parte superior, las Historias del Viejo y del Nuevo Testamento, y en la inferior, las Historias de la vida de San Francisco. La obra, en la que se comprometieron los mayores artistas de Italia central, como Cimabue y Giotto, se realizó en el arco de los últimos veinte años del siglo XIII.

Centrándonos en los frescos del autor de la escuela florentina, Giotto, se encarga de la parte inferior de la basílica superior, ocupada por los frescos sobre la Vida de San Francisco. Se trata de veintiocho escenas sacadas de la Leyenda Mayor de San Buenaventura que, a finales del siglo XIII, constituía la biografía oficial del santo.

Destacan las siguientes secuencias narrativas de La Vida de San Francisco:

7.-El Papa aprueba la Regla

8.- Expulsión de los demonios de Arezzo


15.- El sermón a las aves 

También destaca la Bóveda de los Doctores de la Iglesia atribuida a Giotto:

Pere Serra. Retablo de la Cofradía del Espíritu Santo




                                        




 Es una pintura sobre tabla de Pere Serra que fue realizada entre 1393 y 1394 para el gremio del cuero de la ciudad de Manresa, en cuya catedral albergada. Constituye, junto aotras obras de Pere Serra y de su hermano Jaume, la obra maestra de quienes son considerados máximos exponentes del llamado "Trececento catalán".
Faltan a la obra tres tablas que, posteriormente, fueron suplidas por un "Entierro de Cristo" (1411), extraído del retablo de San Antonio, realizado por el gremio de zapateros manrresanos. A diferencia de Castilla y León, a donde se trasladaban los artistas flamencos, los artistas catalanes parecen muy preocupados por todo lo que acontece en el llamado gótico internacional. En el caso de Pere Serra, es evidente el conocimiento de la pintura sienesa.
El retablo, de carácter marcadamente popular, se aparta del criterio de valoración idéntica para apóstoles y Virgen, muy propio de las representaciones italianas. Aquí se consigue una gran exaltación de la Virgen acompañada por unos aqpóstoles que parecen tocados por la gracia divina. El resto del retablo nos aproxima a diferentes capítulos bíblicos, tales como la creación del mundo.
También muestra, el retablo, la "Anunciación de la Virgen", el "Nacimiento de Cristo" y la "Epifanía".
El retablo no ha querido descuidar la "Resurrección de Cristo". Este completo programa iconográfico, junto al tratamiento armónico y vivo del color, convierte el retablo del "Espíritu Santo" en uno de los mejores ejemplos de la pintura gótica europea.
El pintor Pere Serra se fija muy bien a la hora de pintar esta obra, pues observa los detalles y los representa con gran minuciosidad. Como ya he dicho anteriormente en esta época se utiliza como matrial para pintar las obras la tabla. También hay que decir que cada imagen está coronada por un marco arquitectónico, pues hace la forma de un arco con entrantes y salientes que forman un lóbulo (podríamos decir que esta forma de arco se utiliza también pero con otra estética en el arte islámico, el cual tiene su nombre: arco polilobulado). También cabe comentar que este retablo tiene mucha decoración arquitectónica como por ejemplo los pináculos que presenta en los laterales de cada calle; además encontramos arcos de medio punto, arcos conopiales y decoración vegetal que rodea todo el retablo. La parte del medio es más ancha y larga porque en ella se encuentra la imagen más importante en la cual se observa una paloma que es símbolo del Espirítu Santo.
En este retablo cabe decir que esta dividido en calles y cuerpos y que la mayoría de las imágenes pintadas tienen como fondo el color dorado que es símbolo de la divinidad. En otras imágenes aparece como fondo un interior arquitectónico o también un fondo arqitectónico exterior como la fachada de alguna iglesia, por ejemplo; también hay otras con fondos dedicados exclusivamente a la naturaleza, es decir, podemos encontrar árboles, matorrales, e incluso algunos animales; todo esto nos acercaría más a la realidad porque el pintor ya representa sus obras con un carácter diferente al de la época del románico español porque en esta época solamente se trataba de expresar el poder de Dios de forma más directa, es decir, creando un antinaturalismo que se llegaba a deducir la ausencia del paisaje, la expresión psicológica de los personajes respecto a la de la época del gótico. En el románico se utilizaba sobre todo un trazao del dibujo bastante grueso y sin embargo en el arte gótico ya el pintor intentar crear unos contornos claros, marcados pero con un trazo suave y delicado. Además respecto al color hay que decir que en el arte románico se utilizaban solamente los colores puros como el rojo, el azul y sobre todo el dorado y sin embargo en el arte gótico podemos observar, concretamente en el "Retablo de la Pentecostés", como el pintor ya utiliza colores como el verde, el gris (en algunas vestimentas), etc. En el arte románico, podemos observar la obra "El frontal del Maestro Aviá), las figuras se disponen en posturas paralelas, tienen un fondo monócromo o con franjas horizontales de diversos colores planos; además carecen de profundidad y luz lo que nos indica que contribuyen a resaltar la geometría de las formas. Tienen un movimiento antinatural, pues las figuras adoptan unas posturas que parecen muy antirrealistas. Cabe decir que las figuras no se relacionan entre sí, pero en el arte gótico ya se puede observar, por ejemplo, a una virgen mirando a Dios. En esta época románica el pintor solo representa vivencias religiosas sin más, solamente le interesa expresar una idea en concreto, sin importarle la belleza, pero en el gótico es todo lo contrario, pues se intenta expresar una idea pero teniendo en cuenta la reproducción de las figuras, es decir, su posición que sea más realista, los colores que podría utilizar, etc.
Ahora bien refiriéndonos al arte románico cabe destacar obra de arte como es el "Frontal del Maestro de Aviá", pues esta pintura pertenece a la época del arte románico, cabe destacar que ese aire hierático y la síntesis de la figura mediante gruesas rayas provienen del mosáico bizantino. De esta pintura cabe destacar que podemos observar las características principales del arte románico como por ejemplo, el dibujo grueso que contornea enérgicamente la figura y separa con un trazo negro cada superficie cromática; también observamos la utilización del color puro, pues es un color sin mezclas, en esta época se prefería el color plano y amplio y para hacer las formas se utilizaba el trazo grueso negro, con estos colores se obtienen efectos violentos y con el que se expresa algún simbolismo medieval; además la composición presenta una carencia clara de profundidad con lo cual las figuras están puesras una al lado de otra sin tener encuenta los planos ni la perspectiva (pues no tiene); además la luz no influye con lo cual le da un cierto aire a las figuras de una simple y clara geometridad; muy clara se ve también la yuxtaposición de las figuras, pues el pintor se olvida de las figuras secundarias y en su lugar pinta un fondo monocromático; las figuras no se relacionan entre sí como en el arte gótico que se puede apreciar en la obra "El Retablo de la Pentecostés" que hay comunicación entre los personajes; en esta obra podemos apreciar como permanece el color dorado como fondo pues es símbolo de divinidad, además los personajes llevan aureola que es símbolo de divinidad. Presenta una jerarquización de espacio con un contenido religioso. Hay una gran ausencia de realismo, pues no hay perspectiva, son fondos planos al igual que los colores expresivos. Se aprecia también un estudio de pliegues claro.

La obra que vamos a comentar es una obra que pertenece a la escultura gótica, en la escultura hay dos secciones, retablos y portadas, pues esta maravillosa obra escultórica pertenece a la portada. La obra se denomina: Retablo de Santa maría de la Sede, este retablo se comenzó en 1841 y se acabó de fabricar en 1564, la esculpió Pyeter Dancart, el material por el cual está compuesto la obra es la madera policromada, sus medidas son 25 metros con 80 cm de alto por 18 metros de ancho. Esta obra se encuentra esculpida en el altar mayor de la catedral de Sevilla. En él trabajaron de forma sucesiva diversos tallistas españoles y extranjeros que continuaron la labor de Dancart, como el maestro Marco, Pedro millánJorge fernández alemán,Roque balduqueJuan bautista Vázquez el Viejo y Pedro de heredia.
                                                                     



Esta obra perteneciente a la escultura gótica consta de tres partes independientes unas de otras, que se han ido juntando curante los siglos: el paño central, la vida de imaginería que lo corona y las alas laterales. Toda la obra en sí, se la debemos a Dancart, que estuvo al pie del cañón con la obra y fue quien la diseño, estuvo en la obra desde 1481 hasta 1488. Cuando murió, le sucedió Marco, y a este se le unieron unos hermanos llamados Alejo y Jorge Fernández. Ellos terminaron la parte central e instalaron la viga en el remate. Se decidió ampliarlo lateralmente, esta ampliación supuso la necesidad de tallar 16 nuevos relieves con escenas del antiguo y el nuevo testamento, por lo que el número de relieves principales ascendió a 44, esto se produjo en 1551 y se terminó definitivamente en 1564. La catedral de Santa maria la sede no solo está compuesto por el retablo, taambién esta compuesto por:
Plano de la Catedral de Sevilla
Color azul: Capillas del lado de Evangelio
Color rosa: Capillas del lado de la Epístola.

1-Portada de la Asunción
2-Portada del Bautismo
3-Portada de San Miguel
4-Puerta de San Cristóbal
5-Puerta de Campanillas
6-Puerta de Palos
7-Puerta del Lagarto
8-Puerta de la Concepción
9-Puerta del Sagrario
10-Puerta del Perdón
11-Capilla Real
12-Sala capitular
13-Sacristía mayor
14-Sacristía de los cálices
15-Iglesia del Sagrario


Actualmente se están realizando una seria de restauraciones en el retablo de santa maría la sede. Aquí os dejo un video mostrando como es el retablo de Santa maría la sede: