Maison Carrée

Nombre: Maison Carrée

Arquitecto: Desconocido

Cronología: 16 a.C.

Localización: Nimes (Francia)

Estilo: Romano imperial

Materiales utilizados: Piedra calcaría blanca

Sistema constructivo: Arquitrabado

Este edificio que ha resistido de manera admirable el paso del tiempo ha sido empleado como sede del ayuntamiento, mansión particular, iglesia católica, sala de reuniones, almacén y tienda, museo local y, actualmente, sala de exposiciones. Este uso continuado y diverso es el que ha permitido que tras algo más de dos mil años de existencia siga en pie y no sea una pura ruina, haciendo evidente el destino al que originariamente fue dedicado: un edificio del culto romano.

Estamos hablando de la Maison Carrée de Nimes (Francia), la casa cuadrada, aunque su planta sea obviamente rectangular. Situado en lo que debió ser el foro de la ciudad, su construcción, llevada a cabo entre los años 16 y 12 a.C. fue ordenada por Marco Agripa y debe enmarcarse en el amplio proceso de organización y romanización del territorio de las Galias que se desarrolló en el último momento de la República Romana y durante los primeros años del principado de Augusto, a cuyos nietos Lucio y Cayo fue dedicado.

Podemos considerar este edificio como uno de los prototipos del templo romano, inspirado en los modelos griegos de época clásica y helenística. De dimensiones medianas (mide 26 metros de longitud por 15 de anchura), se trata de un templo próstilo y hexástilo, levantado en orden corintio. Es también pseudoperíptero, ya que aunque observamos columnas en todos sus lados, éstas se hallan embutidas en un muro perimetral, salvo en el caso de las de la única fachada del templo.

Por otra parte, el edificio muestra algunos rasgos propios de la arquitectura templaria romana. Destacan entre ellos la sustitución del estilóbato característico del templo griego por un elevado pódium de paredes verticales, que sólo presenta una escalinata de acceso en el lado de la fachada principal. Tras ella, se accede a un pórtico que a su vez da paso a la cella o capilla, en este caso un espacio único, sin compartimentación en naves. Toda la obra es de mármol y hemos de lamentar que no haya quedado ningún rastro de la decoración de los dos frontones del templo.

Sin embargo, se conserva en excelente estado la decoración de carácter vegetal que embellecía el edificio. No se trata sólo de las de hojas de acanto finamente labradas de los capiteles corintios, sino de los elementos de tipo floral que encontramos en el friso, en la parte inferior de la cornisa y en los casetones del pórtico. Toda este repertorio guarda claros paralelismos con el que, por la misma época se estaba colocando en el Ara Pacis de Roma.

Fuente: http://aprendersociales.blogspot.com.es/2008/10/maison-carre.html

Matrimonio Arnolfini

TIPO DE OBRA: Pintura.

TÍTULO: Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa.

AUTOR: Jan van Eyck (1390-1441).

FECHA: 1434.

LOCALIZACIÓN: National Gallery. Londres.

ESTILO: Gótico. Primitivos flamencos

FORMA: Pintura sobre tabla de roble. 82x60 cm.

MÉTODO: Obra realizada al óleo, mediante pincel.

DESCRIPCIÓN GENERAL

El famoso cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matrimonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan van Eyck estuvo aquí, 1434).

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.

Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.

 

ANÁLISIS SIMBÓLICO

El cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia entre los historiadores del arte, por la gran cantidad de elementos simbólicos que incluye y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de que los especialistas debaten si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta del mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. Entre los elementos simbólicos, destacan los siguientes:

 Algunos de los objetos que figuran en el cuadro, así como la propia ambientación de la escena, aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV.

Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos con el hogar y el hecho de que los supongamos descalzos alude a una idea de fertilidad, muy común en la época en la que el cuadro fue pintado.

 Los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.

 El perro es una alusión evidente a la idea de fidelidad dentro del matrimonio.

 La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara referencia a Jesucristo y, al mismo tiempo, viene a representar también la llama del amor, que puede consumirse.

 Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración.

 El espejo, de forma circular, y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Vía crucis, muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: un enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor.

Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece una figura femenina que podría ser Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta (patrona del hogar).

Sobre las manos de la pareja aparece una gárgola en actitud sonriente. Algunos autores consideran que este elemento es básico para comprender el significado del cuadro: un exorcismo mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la pareja: la falta de descendencia.

http://aprendersociales.blogspot.com.es/2007/01/el-matrimonio-arnolfini.html

Tríada de Mykerinos.

Encuadre:

Obra: Tríada de Mikerinos (Mikerinos con la diosa Hathor y el nomo de Kynópolis).

Género: Escultura de bulto redondo adosada o Altorrelieve casi exento. Grupo.

Material: Roca de diorita.

92,5 cm. Museo Egipcio. El Cairo.

Estilo: Arte egipcio.

Cronología: Imperio Antiguo (2.532-2.504 a.C.).

Otras obras: de la misma época: Estatua del Faraón Mikerinos y su esposa, El Faraón Kefrén entronizado, El Alcalde del pueblo...

Análisis de la obra:

FORMA: estela de piedra (pizarra de color gris), que forma un único bloque con forma de L, en cuya pared vertical encontramos adosadas tres figuras talladas mediante altorrelieve de gran profundidad, mientras la base que da estabilidad al conjunto y muestra algunas inscripciones jeroglíficas. Mide 92 cm de altura.

MÉTODO: obra realizada mediante talla directa sobre la piedra, con pulimentado posterior.

DESCRIPCIÓN GENERAL: la obra muestra al faraón Mikerinos entre dos divinidades femeninas. El monarca aparece representado con la corona blanca del Alto Egipto, viste con un faldellín plisado que deja al descubierto su torso, brazos y piernas. Lleva también la típica barba postiza característica de la realeza egipcia. Mikerinos se encuentra en actitud de avanzar, para lo que adelanta su pierna izquierda, mientras su musculatura queda muy marcada.

Las dos divinidades femeninas que acompañan al faraón muestran entre sí algunos rasgos semejantes: ambas se visten con sencillas túnicas casi transparentes que dejan entrever diversos rasgos anatómicos y poseen melenas que caen por delante del cuello para llegar casi hasta los pechos.

 A la derecha de Mikerinos se halla la diosa Hathor, cuya cabeza se remata con cuernos de vaca, entre los cuales se muestra el disco solar. A la izquierda del rey encontramos a la diosa protectora del nomo de Cinópolist, sobre cuya cabeza se coloca su emblema característico. Existe además otra pequeña diferencia entre las dos diosas: mientras Hathor avanza levemente su pie izquierdo, en actitud de inicio de la marcha, la otra diosa se mantiene por completo estática, con los pies juntos.

En el análisis de conjunto podemos encontrar las características propias de la escultura egipcia: -Hieratismo, es decir, la rigidez con la que aparecen los personajes.

-Ley de la frontalidad: que consiste en representar el conjunto para ser contemplado de frente, preferentemente. En este caso es un grupo en altorrelieve, no siendo figuras de bulto redondo.

-Canon: Las figuras están bien proporcionadas mostrando gran armonía entre sus partes, siendo el canon de la figura de 18 puños, distribuidos de la siguiente manera: dos para el rostro, diez desde los hombros hasta la altura de las rodillas y los seis restantes para piernas y pies.

-La indumentaria es de gran sencillez.

-Geometría. Las tres figuras muestran evidentes rasgos geométricos: los brazos, pegados al cuerpo y los puños cerrados.

Análisis Iconográfico.

Los elementos simbólicos presentes en este grupo resultan bastante evidentes. En primer lugar, la posición central del faraón entre dos diosas nos remite a la concepción del monarca egipcio como otra divinidad más.

Mikerinos, cuyo reinado se sitúa a mediados del III milenio a.C., es el último de los grandes faraones de la IV Dinastía, que supone tanto la consolidación del Imperio Antiguo egipcio como el incremento del poder real en el país, del cual son prueba evidente las colosales pirámides de Giza.

La tríada forma parte de un amplio conjunto de obras semejantes en las que el mismo faraón aparece acompañado siempre de dos divinidades, que varían en los distintos ejemplares, aunque la representación dela diosa Hathor junto al faraón es prácticamente constante. 

enlaces: http://www.slideshare.net/jpem0001/comentario-2-triada-mikerinos

http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/10/comentario-de-la-triada-de-mikerinos.html

Cacería de ciervos.

 Estamos ante la representación de una cacería de cérvidos realizada sobre roca. Es una pintura rupestre del Mesolítico (3500-2000 a. C.), realizada por las tribus de la zona levantina y se trata de la Cacería de Ciervos, en el Abrigo de los Caballos, ubicado en el Barranco de La Valltorta (Castellón).

En cuanto a la técnica se debieron utilizar pinceles de pelo, plumas u otros materiales orgánicos, llevando a cabo una pincelada acabada. Los contornos de las figuras están bien delimitados, no existe modelado y los colores son planos, también vemos que hay un par de figuras que no están totalmente rellenas de color, lo que se podría interpretar como un alarde de un cierto realismo (moteado de las pieles de los animales). Podemos apreciar que carece de perspectiva, todas las figuras están en primer plano. En realidad es una representación plana, lineal y sin volumen.

                En cuanto a su iluminación, son pinturas realizadas para ser contempladas bajo la luz solar dentro de abrigos naturales.

                La composición es sencilla, enfrenta a los arqueros  con los animales, basándose en la combinación de líneas horizontales, las flechas, arcos y brazos, con las verticales que forman las patas de los animales.

                Finalmente, podemos decir que es una representación  figurativa, más naturalista con relación a los animales que a la figura humana. Vemos que los cazadores están representados de una manera esquemática, se muestran gestos y no anatomías, con una gran estilización que pretende mostrar el ímpetu de una cacería, si nos fijamos veremos que los cuerpos acaban siendo un elemento más de los arcos en tensión. Incluso para aumentar el movimiento, los animales abren extremadamente sus patas y se ubican en forma diagonal.

A finales de la última glaciación, en torno al 9000-8000 a.C. se produce un cambio importante en las formas de vidas de los humanos y este hecho va a repercutir en su arte. El artista deja las cuevas del Paleolítico de la zona franco-cantábrica y se decantará por los abrigos naturales ubicándose en la zona mediterránea.

                Sus características serán distintas a las del periodo anterior, el Paleolítico. En primer lugar, se

realizaron para ser contempladas no bajo la luz del fuego sino bajo la luz solar. Se representarán escenas, en las que junto a los animales ahora va a aparecer la figura humana, normalmente pequeñas, estilizadas y recurriendo a formas estereotipadas, en las que el movimiento va a ser muy importante, recurriendo a efectos expresionistas: piernas abiertas, músculos exagerados y la utilización de la diagonal, como podemos contemplar en la imagen que estamos comentando.

                Los animales más representados serán ciervos, como en esta pintura, cabras montesas, jabalíes, toros, caballos, insectos… Entre las figuras humanas destacan las masculinas, armadas con arcos y flechas y en segundo plano las femeninas, más escasas, vestidas con faldas largas y el torso descubierto.

  Predomina la monocromía, silueteando las imágenes en blanco, negro o rojo.

  En cuanto a los temas nos encontramos con tres grandes bloques: actividades económicas (caza, recolección, ganadería…), aquí podíamos ubicar nuestra pintura; escenas de guerra; y escenas lúdico-religiosas (danzas, hechicería…).

                Con relación a su significado, también podemos pensar que  pudiera ser de tipo religioso o propiciatorio, similar a las del Paleolítico, aunque sabemos que su intención sigue siendo muy discutida. En este caso la temática es más amplia y en ocasiones pudiera ser que su finalidad fuera meramente narrativa.

                Otros ejemplos pueden ser “Mujeres danzando en el abrigo de Cogull, Lérida”, “Recolección de miel, cueva de La Araña, en Bicopr, Valencia”…

                Las pinturas rupestres levantina superarán el Mesolítico y  se adentrarán en el Neolítico y en la Edad de los Metales.

fuente: https://www.google.es/url...6,d.ZWU

El Partenón Comentario Selectividad

Una de las obras que salen recurrentemente es el Partenón de la Acrópolis de Atenas. Las pruebas de Selectividad han demandado sistemáticamente un análisis de este monumento. Ya se subió una entrada en este blog. ¡Gracias José María!

Cronología: 438 a.C
Estilo: Dórico.
Materiales: Mármol.
Dimensiones: (69,5m x 30,9m)


Es un templo dórico, ideado por Itkinos junto con Kallíkrates y Karpion. Respecto al canon dórico de Olimpia se observa que la ampliación de la perístasis (8 x 17) y la ampliación considerable de la cella van en detrimento de la anchura del pasillo existente entre ambas y denotan un nuevo sentido del espacio, pues el conjunto resulta más grandioso y unitario. De hecho, la amplitud y la espaciosidad del Partenón se perciben desde fuera y desde dentro, dada la perfecta conjunción e interdependencia de exterior e interior. Por su arte, el nuevo sentido del espacio, que modifica sensiblemente las proporciones de la cella, es una novedad importantísima, cuya causa primordial es la colosalidad de la estatua de Atenea Partenos, que tiene absorto a Fidias durante el proceso constructivo.

El basamento de la estatua, que se conserva in situ, es monumental. El diseño del Partenón estuvo condicionado inicialmente para albergar la imagen de oro y marfil de Atenea Parthenos, esculpida por Fidias. La colosal estatua de doce metros de altura precisaba de una inmensa cella de más de 18 metros de anchura, dividida en tres naves mediante una doble columnata conformada por dos órdenes superpuestos de estilo dórico. La nave central medía diez metros de anchura. Dentro de la cella del lado este, la columnata se dispuso en forma de "U" y estaba compuesta por nueve columnas con un entrepaño entre cada una de ellas, en los lados largos de la "U". Tres columnas con dos entrepaños formaban el lado corto.

La cella del este estaba dedicada a Atenea Polías (protectora de la ciudad), y la cella del oeste estaba dedicada a Atenea Párthenos, "la virgen", por lo cual todo el edificio acabó siendo conocido como el Partenón. La decoración del Paretenón es una combinación única formada por metopas. tímpanos y un friso. Esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber en geometría por parte de los matemáticos y arquitectos griegos.

Enlaces de interés:

http://es.wikipedia.org/wiki/Parten%C3%B3n
http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/obras/7927.htm

PERO HAY MUCHÍSIMOS ENLACES DE INETRÉS PARA ESTA OBRA. pONGAMOS ALGUNOS DE ELLOS:

- Análisis del profesor Valdearcos

- En ENSEÑ-ARTE

- En blogarte

- En Torreherberos

Piedad del Vaticano Comentario Selectividad

"Es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en el dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol (...) En verdad causa pasmo y maravilla, que mano de artífice haya podido hacer en poquísimo tiempo cosa tan divina y admirable, pues ciertamente es un milagro que una piedra, al principio sin forma ninguna, haya podido ser reducida a la misma perfección que la Naturaleza". Palabras de Vasari describiendo La Piedad (1498-1499) de Miguel Ángel. Mármol. 174x195 cm. Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma.

Ya contamos con una entrada en el blog sobre la Piedad del Vaticano, subida por Aurora. ¡Gracias!

Esta obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

La Virgen María, joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene a Cristo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen María es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una madre eternamente joven y bella.

Vasari dice de ella «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, ni en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

Fue la primera vez que el artista aborda este tema iconográfico, luego repetido a lo largo de su vida con diversos tratamientos, que ponen de manifiesto su evolución artística y espiritual. La última de esta serie de Piedades sería la denominada Piedad Rondanini, que dejó inacabada al caer enfermo y morir, y cuyo patetismo, que anticipa el barroco, nada tiene que ver con la serenidad clásicamente renacentista de esta obra de juventud.

El artista contaba entonces veinticuatro años, había trabajado los dos últimos años en la realización de las figuras de la Virgen con el cuerpo de Cristo en las rodillas y el pulimentado de todos los detalles. Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra, en este caso el dolor de una madre que tiene sobre sus rodillas a un hijo asesinado, lo demás es cuestión de técnica y paciencia hasta descubrir las formas concretas.

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

• Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
• Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
• Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

Representa, como mencionamos anteriormente, el ideal de belleza del renacimiento

Aquí os dejo un video que hace una perspectiva de toda la escultura de la Piedad.

PERO HAY MUCHOS MÁS ENLACES:

- Múltiples enlaces para esta obra. Por ejemplo, ENSEÑ-ARTE

- Las "piedades" de Miguel Ángel

- El comentario del grupo CREHA

- Y otras muchos: 1 2, 3

Pirámides de Giza Comentario Selectividad

En una ocasión reciente cayó en Selectividad una imagen de las pirámides de Giza. Como sabéis las pirámides regulares de Keops, Kefrén y Mykerinos se hallan en la meseta de Giza. La de Keops mide 230 m de base por 146 m de altura. La de Kefrén 215x143 m, y la Mykerinos 108x66 m. Los textos de las pirámides indican que "el faraón es una estrella que ilumina el cielo". También expresan que el astro que guía al faraón hasta el firmamento es Sirio, donde el rey difunto resucita, transformado en la constelación Orión. Para la mitología egipcia, Sirio es Isis y Orión es Osiris, de cuya resurrección periódica, al iniciarse el año agrícola, dependía la germinación de la tierra. La pirámide, por lo tanto, además de acoger el cuerpo del rey, debía facilitarle su fin último: ascender al cielo junto a Isis y Osiris para realizar eternamente las funciones que ya venía cumpliendo en vida: regular el paso de las estaciones y garantizar la fertlidad anual de los campos.

Ya fueron objeto de tratamiento en las entradas de Antonio y José María. ¡Gracias!

Realizadas como recinto funerario de tres de los faraones de la IV Dinastía, se han convertido en una de las siete maravillas del mundo. La de Keops es la más elevada con 146´59 m de altura mientras que la de Kefrén tiene 143´5 y la de Mykerinos sólo llega a los 100 metros. Las tres, junto a los templos correspondientes, la esfinge y las mastabas de reinas y funcionarios que las rodean, forman la necrópolis de Giza. Su construcción empleó a numerosos trabajadores que organizarían una ciudad alrededor de las edificaciones. 


Para más información véase:

http://www.artehistoria.jcyl.es/obrmaestras/obras/7400.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Pir%C3%A1mides_de_Egipto
http://sobreegipto.com/2008/04/11/las-piramides-de-giza/

La Pirámide de Keops es la más famosa y la que se queda con el título de La Gran Pirámide de Egipto, no sólo por ser la más grande de todas, sino también por ser la primera de las tres en construirse y no ser superada nunca.  

Fue construida durante el mandato de Jufu (o Keops según su nombre griego), de la cuarta dinastía en el siglo XXVI aC (se estima su finalización hacia el año 2570), para servirle como tumba, y fue la mayor de las pirámides construidas por la nación egipcia. De hecho, con sus más de 146 metros de altura original, se considera que fue el edificio más alto del mundo hasta entrado el siglo XIX.

La pirámide de Keops se ubica  en la meseta de Giza, se halla en la ribera izquierda del Nilo. El interior de la pirámide se compone de 3 cámaras, dos de ellas se encuentran dentro de la estructura de la pirámide (Cámara del Rey y cámara de la Reina). Mientras que la 3º, la cámara del Caos se sitúa dentro del suelo. 

La cámara del faraón construida con losas de granito presentaba en su interior un ataúd echo también en granito que se piensa que fue introducido antes de seguir con la construcción ya que seguramente no hubiera cabido por los pasajes. La cámara de la reina construida también en losas de granito carecía al igual que la otra cámara de decoración, habiendo sólo un nicho. 

De cada Cámara Real, parten dos conductos inclinados, que actualmente se conocen como conductos de ventilación, aunque en realidad no se conoce cual era su función original. Entre las diferentes hipótesis o teorías que se han formulado al respecto, la que más impacto ha tenido es la del ingeniero Robert Bauval, quien señala que tanto los conductos de ventilación, como la situación de la pirámide con respecto a las otras de la meseta, apuntan y se distribuyen sobre el desierto de la misma manera que lo hacen las estrellas del cinturón de Orión. Según esta teoría, la constelación de Orión sería para los egipcios un equivalente al dios Osiris, y su cinturón sería el Duat, una especie de puerta o pasadizo hacia el Amenti, o Más Allá, facilitando así el viaje del faraón.

La Cámara del Caos, es accesible desde el primer pasaje de la pirámide, y también se comunica con la Gran Galería, a través de un túnel casi vertical perforado en la roca. 

Unos cien mil hombres trabajaron en la construcción, durante veinte años, y que al menos diez años se emplearon en la construcción de la calzada que serviría para el arrastre de los bloques. No hace mucho se descubrió un conducto que partía de la cámara de la reina que conducía hacia una cámara secreta, el acceso a la cámara lo impiden 2 puertas o dos bloques de piedras. El 1º se ha conseguido perforar pero el 2º impide ver el interior de esta nueva cámara. 

Enlaces de interés:

http://www.civilopedia.com/historia/egipto/arquitectura/piramides/piramide-de-keops/

http://www.ikerjimenez.com/noticias/robot-Djedi-explora-misterioso-tunel-gran-piramide/index.html


PERO HAY MUCHOS ENLACES MÁS:
- Para el conocimiento de las pirámides en general (1) y la Keops en particular (2) la página de ENSEÑ-ARTE.

- Interesante, como siempre, la página de artehistoria

- Sucinto comentario de las pirámides

- Pequeña presentación en slideshare

-Exhaustiva información en pirámides.org