La Trinidad de Masaccio Comentario Selectividad

En una ocasión pusieron esta obra en Selectividad. Otra más del Quattrocento italiano. En este caso, Masaccio. Ya se publicó una entrada en nuestro blog sobre esta obra, firmada por el compañero Adrián. ¡Gracias!

Nos encontramos ante una pintura de 667 x 317 cm. La obra se encuentra realizada en una pared utilizando la técnica del fresco.Predomina la línea sobre el color, aunque ésta sea apenas visible. El dibujo es sintético, con pocos detalles y una cierta tendencia a la geometría. Los rojos y azules se van alternando en el cuadro equilibrando la organización del cuadro. El autor ha creado con la luz y los colores unos claroscuros que refuerzan el carácter tridimensional de las figuras.En cuanto a la composición del cuadro, es típicamente renacentista. Como es típico en el Renacimiento se recurre a las formas geométricas para organizar todo el espacio. Se trata de utilizar la geometría como una forma de crear armonía, pues todas las medidas del cuadro se realizan en función de operaciones numéricas. En este cuadro, las figuras se inscriben en un triángulo equilátero que crea una movilidad pero sin generar tensiones,subrayando el eje central en el que se encuentra la Trinidad.Las Figuras presentan rasgos con escasa movilidad que refuerce el sentido divino de la imagen. Sus vestimentas, sin demasiado interés por las texturas, trazan formas geométricas.La perspectiva es una de las cosas más destacables de la obra. Para conseguir el espacio, el pintor ha utilizado la arquitectura, colocando a los personajes en distintos escalones que entran en el espacio. Además, todo el fondo está tratado por medio de una arquitectura clásica que permite realizar una serie de líneas de fuga por medio de sus casetones que coinciden en el punto de fuga y también eje de la composición: La Trinidad.En lugar de la delicadeza del gótico internacional,vemos pesadas y macizas figuras; en lugar de curvas suaves,sólidas formas angulares; y, en lugar de pequeños detalles como flores y piedras preciosas... Las figuras eran menos agradables a la vista que aquellas a las que estaban habituados,pero eran mucho más sinceras y emotivas.En el cuadro aparecen representados los personajes en distintos términos.En el primer término situó el clásico altar que se construía en las capillas laterales de las catedrales mediterráneas en el que se abre un nicho, con un sepulcro donde la figura de un esqueleto se rodea de una inscripción que reza: "Fui lo que tú eres y serás lo que yo soy".Sobre este espacio aparecen los donantes. Esto supone una ruptura total con el arte precedente,que adjudica a los donantes un tamaño menor al de las figuras divinas en atención a su menor jerarquía en la concepción teocrática del mundo.Aquí , sin embargo,se respetan las recién aplicadas leyes de la perspectiva y la proporción para plantear dos figuras de tamaño natural,similar al de los personajes divinos. Tras los donantes se abre una supuesta capilla real, donde la Virgen y San Juan lloran a los pies de la cruz,donde Cristo aparece en eje con la paloma del Espíritu Santo y la figura de Dios Padre.

http://es.scribd.com/doc/57740958/Comentario-8-La-Trinidad
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2011/02/la-trinidad-de-masaccio-un-analisis.html
http://www.buenastareas.com/ensayos/Comentario-La-Trinidad-De-Masaccio/7288240.html

PERO TENEMOS A NUESTRO ALCANCE MUCHOS ENLACES:

- Especialmente interesante, como siempre, la entrada de ENSEÑ-ARTE

- Exhaustiva es la información en este otro

- También son de interés: 1, 2 y 3

La Anunciación de Fra Angèlico Comentario Selectividad

En un par de ocasiones ha aparecido esta obra en nuestra Selectividad. ¿Les dará por repetir? Preparémonos por si acaso. Cristobal fue el que hizo su aportación sobre esta obra en nuestro blog. ¡Gracias!

El pórtico es de mármol, La Virgen está situada a la derecha. Parece que ante la llegada del ángel ha suspendido la lectura del libro que ahora mantiene sobre el regazo. Tanto ella como la figura del ángel, son dos personajes rubios, de blanca piel y de manos finas y alargadas. La Virgen lleva una túnica de color rosado y un manto azul ultramar. El ángel está vestido con un traje de color rosa con franjas de oro, ceñido a la cintura, que cae en grandes pliegues hasta los pies.

Se encuentra en un jardín, hortus conclusus, representación del Paraíso. En el ángulo izquierdo de la pintura se ven las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz dorada que viene recto hacia la derecha, en el que viaja la paloma del Espíritu Santo. El vergel que hay delante del pórtico está cuajado de florecillas y tiene una espesa vegetación con algunos árboles entre los cuales puede verse a dos personajes:Adán y Eva, en este caso vestidos con pieles. Su expresión es de sumisión y de arrepentimiento. Representa en conjunto la escena, el principio y el final del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María. Un ángel vigila detrás de ellos que abandonan el Paraíso.

El cuadro se completa con una predela en la que se narran escenas de la vida de la Virgen. La predela se compone de cinco paneles donde se representan cronológicamente los episodios: Nacimiento y Desposorios, Visitación, Adoración de los Magos, Presentación en el Templo y Tránsito.

Imagen: 

enlace:http://es.wikipedia.org/wiki/La_Anunciaci%C3%B3n_(Fra_Angelico,_Madrid)

PERO TENEMOS MÁS ENLACES DE INTERÉS:

- Sobre el propio Fra Angèlico en ENSEÑ-ARTE

- Y sobre la obra: 1, 2, 3 y 4

Estatua sedente de Kefrén Comentario Selectividad

Sigamos con Arte Egipcio. Otra de las obras que ha salido en alguna ocasión: la estatua sedente de Kefrén (2558-2532 a.C). Diorita. 168 cm. Museo Egipcio, El Cairo. Como bien sabéis representa la apoteosis de la majestad en el Antiguo Egipto. El halcón divino Horus, antepasado de los faraones, despliega las alas sobre la cabeza de Kefrén, que está sentado en un decorado con las flores de papiro y loto atadas: símbolo de la unificación de lasd provincias del Bajo Egipto o Delta con las del Alto Egipto o Valle. Otros atributos de su poder son el nemes o pañuelo real, la barba postiza y el ureus o cobra erguida en la frente, que con su aliento venenoso protege al soberano de sus enemigos, haciéndoles huir. En nuestro blog hizo los honores Juan Manuel. ¡Gracias!

Se trata de una escultura individual, tallada en un solo bloque en actitud sedente.

Se muestra en un trono, llegándole el respaldo de éste justamente hasta los hombros, y sobre él, la imagen de Horus en forma de halcón, abraza protector la cabeza del rey con sus alas extendidas.

La parte inferior del trono son cuatro patas de león y sendas cabezas de estos animales en ambos extremos del asiento del mismo.

En los laterales del trono están representadas las flores del Alto y Bajo Egipto (loto y papiro) entrelazadas, representando la unificación en un solo país.
Los miembros están representados con un alto grado de perfección. El rostro, con facciones muy marcadas, muestra el hieratismo propio del arte egipcio.

La musculatura está representada con gran realismo. Lleva los brazos apoyados sobre los muslos con la mano derecha cerrada y la izquierda con la palma abierta hacia abajo. Como única vestimenta lleva un faldellín plisado, el tocado faraónico y la barba postiza propia de los reyes de Egipto.

Respecto a las normas de la estatuaria egipcia, vemos en esta estatua varias de las más interesantes: 

La figura está tallada en un solo bloque, teniendo forma cúbica. 

Guarda la ley de la frontalidad, ya que el único detalle de a parte posterior de la estatua es el halcón. El resto es liso, ya que la estatua está hecha para verse de frente.

Cumple también la ley de la simetría. La escultura es completamente simétrica, dividiéndose en dos partes iguales respecto a un eje vertical, salvo por la posición de las manos.

Muestra hieratismo y rigidez definidas como la representación tranquila y ambigua, y una inmovilidad, casi de reposo.

Por último, la representatividad. La escultura egipcia tiene un fin, aparte del puramente estético. Bajo mi punto de vista, la estatua nos representa a Kefren como a un rey que toma la personalidad de un dios, fundiéndose en el abrazo de Horus, que lo apoya y lo protege.

Fuente: http://www.egiptodreams.com/EsKefren.htm

            http://es.wikipedia.org/wiki/Estatua_sedente_de_Kefr%C3%A9n

            http://www.egiptoforo.com/antiguo/Estatua_del_fara%C3%B3n_Kefren

PERO HAY MUCHOS MÁS ENLACES EN LA WEB:

- Por ejemplo, éste
- También puede resultaros de interés este otro
- Pero hay más: 1

Tríada de Mykerinos comentario selectividad

Uno de los clásicos de Selectividad, la Tríada de Mykerinos. Incomprensiblemente no la hemos comentado anteriormente en nuestro blog. ¿A quién se le habrá olvidado? Imaginemos que ha sido a mi, ¿no? Pues allá vamos.

Tres buenos comentarios los encontráis en los siguientes enlaces:

- ENSEÑ-ARTE

- TORREHERBEROS

- ALGARGOS

Y algo más en general, aquí

San Andrés de Mantua Comentario Selectividad

Sólo ha salido una vez en los últimos años. Pero, por si acaso, hagamos memoria. La entrada en nuestro blog la realizó José María. ¡Gracias!

La Iglesia en honor a San Andrés situada en Mantua, es obra del arquitecto Leon Battista Alberti aunque terminada por Fancelli en 1472. Construida junto a un campanario de un monasterio benedictino de 1414.
Comenzando por la fachada, es una fachada tripartita, situada sobre una escalinata haciendo de podio rescatado de la tradición romana, concebida como un arco del triunfo de un sólo vano central. En la portada se refleja el contraste del orden gigante de las pilastras laterales de la portada y el orden normal  de las pilastras (todas las pilastras con un dintel de orden compuesto) que hacen de entablamiento del arco de medio punto continuado con una bóveda de cañón.  Todas las pilastras se hayan embutidas de medio cuerpo en la fachada. En los laterales adintelado, rectangular ciego y rectangular abierto. Que contrastan con el gran vano central que ocupa toda el alto de la fachada aunque antecede a una puerta de proporciones no muy grandes. La fachada está rematada por un frontón triangular de herencia clásica y sobre este un arco de medio punto. La fachada sigue la idea de la proporción entre las partes para resaltar el conjunto.

En el interior del templo, se observa que es una iglesia de planta de cruz latina aunque tiene la peculiaridad de tener una sola nave, ya que las laterales no existen,en lugar de ellas hay capillas entre los huecos que dejan los contrafuertes. Una bóveda de cañón con casetones cubre toda la techumbre de la nave central y bóvedas de cañón también con casetones transversales en las capillas con respecto a la central.

 El alzado se estructura en dos partes, el mayor que corresponde a las pilastras de grandes proporciones sobre las que recae el peso de las cubiertas y de la bóveda y la estructura para los entablamientos y pilastras que recogen el peso de los arcos y las bóvedas de las distintas capillas. En el crucero se encuentra una cúpula sobre pechinas y sobre tambor con linterna y en el ábside destacan óculos por los que entra iluminación. Resalta el conjunto enormes grupos de pinturas en la pared en cada capilla. La estructura en conjunto se seguiría retocando durante 300 años. En el conjunto se observa el equilibrio y armonía entre las partes que tanto obsesionaba al autor.

PERO HAY MUCHA INFORMACIÓN EN LA RED

 Es muy interesante la visita virtual al templo

Página de información general sobre Alberti en ENSEÑ-ARTE

Muy interesante también la de TORREHERBEROS

Comentarios que os pueden ayudar: 1,  2,  3 y 4

Santa María de las Flores Comentario Selectividad

Empezamos con las valientes que han elegido la opción B. Y para abrir boca, arquitectura del Quattrocento.La entrada en nuestro blog la realizó Adriana.

Autor: Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Estilo: Arte del Renacimiento. Cuattrocento.

Género: Arquitectura. Religiosa. Exterior.

Cronología: Siglo XV (1420-1461). Florencia (Italia).

Análisis:

La Catedral de Santa Mana del Fiore, en la ciudad de Florencia, es una de las obras más importantes y, al mismo tiempo, más influyentes del Renacimiento; decisiva hasta el punto de que ha sido tomada como referencia esencial de este estilo, ya que la Cúpula que remata la Catedral gótica abre las puertas al nuevo estilo renacentista.
Se trata de una cúpula de dimensiones colosales, 42 m. de altura, apuntada o parabólica al exterior (no podía desentonar con el resto de la catedral gótica) y rematada por una gran linterna, con una estructura realizada con ladrillos, sobre una base octogonal (como era el tambor ya construido) y compuesta de dos cascarones o cúpulas paralelas. Se trata de la mayor estructura de ladrillo del mundo, construida con ladrillos romanos, de muy buena calidad, y fabricados bajo la estricta supervisión de Brunelleschi. Así, la cúpula está integrada por dos cascarones, uno dentro de forma semicircular y otro exterior, de sección octogonal, formado por ocho lunetos triangulares que se curvan sobre aristas de mármol. Aunque, posiblemente, la intención de Brunelleschi era construir una cúpula semicircular, el hecho de que conociese los problemas que el muro presentaría para sustentarla, para soportar sus fuertes empujes, le llevó a realizar una segunda cúpula de sección poligonal de ocho lados y apuntada que se encargase de neutralizarlos. La cúpula exterior y la interior se unen mediante gruesas piedras colocadas en la base de las mismas. En el exterior de la cúpula es posible ver ocho nervios, a los que han de sumarse otros dos en cada uno de los paños que permanecen ocultos. Para su construcción se utilizaron ladrillos huecos dispuestos en opus spicatum, un aparejo empleado ya por los romanos que recibe esta denominación porque la manera en que se colocan los ladrillos recuerda a las espinas de un pescado. Este conjunto está culminado por una linterna por la que penetra una luz blanca, limpia, que nos remite más al Panteón de Roma que a la luz de los edificios góticos, coloreada e irreal. De la misma manera, la concepción del espacio, la tendencia a la centralización que queda perfectamente expresada en esta obra, nos hablan del deseo del hombre renacentista por volver a colocarse en el centro de la Creación, antes ocupado por la figura de Dios, por recuperar el antropocentrismo del mundo clásico.

El tambor está revestido en el exterior por placas de mármol blanco de Carrara y verde de Prato, dispuestas en bandas, como era costumbre en la arquitectura medieval italiana, que acentúan la sensación de horizontalidad contrastando con la verticalidad de la cúpula. La linterna, con sus 16 metros de altura y un peso aproximado del 10% de total de la cúpula, es una pieza clave en el conjunto arquitectónico. Hasta aquel momento las linternas eran pequeñas o inexistentes.
Como ya hemos dicho, la cúpula se levanta sobre un cimborrio octogonal y subdivide su peso, para dar menos empuje, con una cúpula interior más baja y una cúpula externa que, peraltándose en arco apuntado, sirve de contrafuerte a la cúpula interior. En efecto, las cúpulas semiesféricas tienden, debido al peso de su centro, a hundirse de manera que sus extremos se abren hacia fuera; en cambio, las cúpulas apuntadas tienden a abrirse por la cúspide y, en consecuencia, sus extremos ejercen un gran impulso hacia dentro. De esta manera, contradecía muchas opiniones de la época, que auguraban que esa cúpula tan grande cedería irremediablemene.Al combinar ambas, Brunelleschi pudo contrarrestar el empuje horizontal de la cúpula semiesférica con el peso, en sentido contrario, de la cúpula exterior de perfil apuntado (es el mismo sistema que las cúpulas cistercienses). La idea de las dos cúpulas permite, por otra parte, dejar un espacio libre entre ambas, con lo que se resuelve asimismo el problema de la accesibilidad a la parte alta de la construcción y al trasdós de la cúpula interior.

Introdujo también el sistema de construirla sin cimbras: la cúpula no se podía levantar con los medios técnicos disponibles (ya no se sabían construir cimbras tan grandes). Brunelleschi hubiese podido intentar recuperar la técnica olvidada, utilizada en el Trecento, pero optó por inventar una nueva técnica, pero no para construir cimbras sino para autosostener la cúpula durante su construcción: la cúpula se iba cerrando a medida que iba subiendo.

fuente: http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/01/comentario-de-la-cupula-de-santa-maria.html
video: http://www.youtube.com/watch?v=d8c6BZ7jcG8

Enlaces de interés para la cúpula de Santa María de las Flores, de Florencia. La página de ENSEÑ-ARTE siempre es una garantía. Pero hay más. Interesante el comentario de Torreherberos.
Además de estas dos, y de manera mucho más resumida, 1 y 2

Comentario Escriba Sentado del Louvre

Empezamos con las entradas de obras de Arte Egipcio que han salido en Selectividad en los últimos años. La primera de ellas, el Escriba Sentado del Museo del Louvre.

El primer enlace resulta de especial interés
Un análisis sucinto de la obra lo encontráis aquí.

FICHA TÉCNICA: La Obra propuesta para comentar esta semana se trata de la escultura que representa a un escriba sentado y se encuentra expuesto en el museo del Louvre (París) de donde recibe el nombre. De autor desconocido, esta obra, encontrada en el siglo XIX en la necrópolis de Saqqara, se fecha durante la V Dinastía (aprox. 2.500 a.C) siendo por lo tanto una obra reprsentativa del arte egipcio del Imperio Antiguo.

ANÁLISIS DE LA OBRA: la escultura, una obra exenta realizada en piedra caliza policromada, representa a un hombre semidesnudo tan sólo vestido con un faldellín cuyo color blanco destaca del color terroso del cuerpo, sentado con las piernas dobladas sobre las que coloca un rollo de papiro que sujeta con la mano izquierda  mientras con la mano derecha debió sujetar un cálamo para escribir que hoy en día ha desaparecido. Estos elementos nos delatan el oficio de escriba del personaje representado. Con una marcada frontalidad, el personaje levanta ligeramente un rostro con labios finos y apretados y unos ojos realizados con cristal de roca perfilado con cobre que le otorgan gran fuerza y vivacidad a la mirada . El cuerpo semidesnudo es representado con gran realismo, con un pecho caído y una barriga prominente mientras los brazos se separan del cuerpo, algo infrecuente en la estatuaria egipcia donde todo el cuerpo se representaba en un único bloque, que contribuye a darle a la escultura una postura más natural y relajada. 

COMENTARIO DE LA OBRA: Esta escultura, cuya finalidad probablemente fuera funeraria, pues posiblemente se esculpiera para servir de soporte al Ka en la otra vida, muestra  la importancia de la figura de los escribas en la civilización egipcia que llevó al personaje protagonista de esta obra a querer perpetuar su imagen para la eternidad realizando su oficio de escribano. Dicha obra muestra la dignidad del personaje en el desempeño de sus funciones visible no sólo en la representación de sus instrumentos de escriba, cálamo y papiro, sino en la mirada atenta y concentrada hacia un invisible personaje que dicta las instrucciones y ocuparía el lugar del espectador. Toda la atención se centra por un lado en la mirada del personaje, intensificada por el recurso del uso de cristal para los ojos, y por otro en la acción de escribir propia del oficio del personaje representado. Para centrar la atención en esta parte de la escultura el escultor recurrió a ensanchar ligeramente la cadera y esconder los pies de los que sólo se muestran tres dedos. Más que el acto de escribir en sí mismo, el escriba es representado en el instante previo al mismo en el que con la espalda recta, la mirada algo elevada y los labios apretados escucha con atención las instrucciones que tendrá que dejar por escrito. La obra destaca a su vez por su sencillez al mostrar al personaje sin ningún elemento supérfulo o de adorno (joyas, peluca,...) que puedan desviar  la atención de lo que verdaderamente se pretende representar: el oficio de escriba. Como hemos comentado anteriormente cabe mencionar el realismo con el que es representada la anatomía del personaje, de formas fondonas, alejado del lenguaje idealizado utilizado para la representación de los dioses o del faraón, considerado igualmente un dios.

CONCLUSIÓN: La Obra que hemos comentado, una de las más famosas de la colección de arte egipcio del museo del Louvre, destaca por su belleza basada en la sencillez de la obra que ha sabido representar con extrema veracidad el oficio de escriba y nos muestra la calidad y perfección que alcanzó la escultura egipcia ya durante el Imperio Antiguo. Asímismo el realismo con la que es representada la Obra muestra la existencia de dos lenguajes estéticos en la escultura egipcia, uno más idealizado para representar dioses y faraones y otro más realista para representar al resto de la población.
Hay muchos comentarios del Escriba realizados por alumnos de 2º de Bachillerato de otros centros. Por ejemplo