El Baldaquino de San Pedro

El Baldaquino de la basílica de San Pedro del Vaticano

Baldaquino de la basílica de San Pedro

Descripción general de la obra

El baldaquino es un italianismo para decir baldaquín, es una obra hecha entre 1624 y 1633 tiene 29 metros de altura pertenece al barroco italiano y fue diseñado por Gianlorenzo Bernini, esta hecha en bronce y en dorados.

Es una especie de templete formado por cuatro columnas que sostienen una cúpula o dosel plano y destinado a cobijar el altar cuando tiene posición aislada. 

Gianlorenzo Bernini

Bernini nació en Nápoles en 1598 y murió en Roma en el año 1680 fue un escultor, arquitecto y pintor italiano fue uno de los más destacados artistas del Barroco.

Su padre fue el escultor Pietro Bernini, cuando tenía seis años su familia se trasladó a Roma donde Bernini demostró su precoz talento.

rapto de Proserpina

En su primero etapa demostró un interés por la escuela helenística, un ejemplo de esta etapa es el Ángel con el dragón. Entre 1621 y 1625 Bernini realizaría cuatro obras que lo consagrarían como artistas, estas obras serían Eneas,Anquises y Ascancio, El rapto de Prosepina , el David y Apolo y Dafne.

Durante su vida Bernini contaría con el favor y la protección de siete papas, sin embargo fueron tres los que más obras encargaron,estos fueron:

retrato de Bernini

Urbano VIII en esta época haría la columnata de San Pedro, además de otras obras importantes como El baldaquino. 

En la etapa en la que estuvo el papa Inocencio X una de sus obras más importantes fue  El Éxtasis de Santa Teresa ,una de sus obras cumbres también haría La fuente de los cuatro ríos. 

Durante la época de Alejandro VII destaca la cátedra de San Pedro y la obra de la que Bernini estaba más orgulloso la Iglesia de San´tAndrea  .

Historia Y Análisis de la obra 

El Baldaquino fue diseñada por Bernini por encargo de Urbano VIII la idea era construir una obra arquitectónica, que ayudase a situar la mirada de los fieles mientras el Papa estuviera dando el sermón

para que no quedase reducido por la inmensidad del complejo arquitectónica.

Baldoquino de San Pedro

Los baldaquinos se llevan usando desde el siglo IV, el baldaquino más notable en España esta en la catedral de Gerona.

Es una mezcla de arquitectura y escultura , el baldaquino fue diseñado para ponerse en el crucero de la basílica de San Pedro, bajo la cúpula de Miguel Ánguel y sobre la tumba del  apóstol San Pedro. 

columnas salomónicas
del baldoquino de San Pedro

Realizado en bronce negro, dorado y en mármol se levanta sobre cuatro enormes columnas salomónicas,esto es, de fustes helicoidales decorados con anillas y hojas que parecen trepar por los mismos, y se rematan en capiteles de orden compuesto que sostienen un techo que tiene unos pendones con el emblema de la familia Borghese, de las cuatro esquinas parten cuatro volutas ascendentes que se unen y se rematan en una bola dorado del mundo en la cual hay una cruz.Hay además esculturas de ángeles en las cuatro esquinas además de ángeles niños sobre los doseles portando los símbolos del poder papal,la tiara y las llaves.

Escultura de ángeles del Baldaquino

Este monumento mezcla elemento arquitectónicos y escultóricos y su finalidad no era solo resaltar el altar si no también el poder papal y un manifiesto del arte barroco, a pesar que de los arquitectos barrocos-Bernini y Borromini-
Bernini es el más "clásico", pero lo más importante es resaltar el poder del papa en una Europa que se había dividido por la reforma de los protestantes, así que reforzar el dogma católico tuvo mucha importancia durante esta época y estas figuras del baldoquino ayudan a reforzar la idea del origen divino del poder papal, además del deseo de resaltar el poder papal también hay que ver el deseo de perpetuar la gloria propia personal y familiar del papa esto se ve reflejado en la aparición del escudo familiar de UrbanoVII

La Vocación de San Mateo

La Vocación de San Mateo 

de Il Caravaggio

Vocación de San Mateo

Descripción general de la obra

La vocación de San Mateo es un oleo sobre lienzo de 332-340 cm pintado entre 1599 y 1600, actualmente se encuentra en la capilla San Luis de los franceses, en Roma,  lugar que iba a ocupar la obra originalmente. Esta es una de las tres grandes obras que Caravaggio creó para la capilla Contarelli.

Representa la historia narrada en el evangelio según San Mateo(Mateo 9:9) "Jesús vio a un hombre llamado Mateo, sentado en el despacho de impuestos, y le dijo:-Sígueme- y Mateo se levantó y lo siguió".

La obra pertenece a un artista del Barroco italiano conocido como Il Caravaggio, esta es probablemente su obra más conocida.

Il Caravaggio 

 Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán,1571-Porto Ércole, 1610) fue un pintor italiano considerado uno de los mayores exponentes del barroco.

Muerte de la virgen

Salvo en sus comienzos Caravaggio pintó sobretodo temática religiosa, sin embargo a menudo sus lienzos escandalizaban y a menudo sus lienzos eran rechazados por sus clientes, las dos críticas más habituales fueron el realismo de sus obras y su elección de modelos de baja condición social, la pintura a los ojos de la iglesia que causaría mayor escándalo será La muerte de la virgen obra en la que corrían los rumores que el modelo era una prostituta ahogada en el Tíber. A parte de sus disputas con la iglesia también tuvieron acogida sus cuadros en el sentido de la contra reforma, haciendo que relación de Caravaggio con la iglesia 

oscilara de un extremo a otro entre la aceptación y el rechazo.

En 1606 asesinó a un hombre en una reyerta, por lo que huyó de Roma, en 1608 se metió en otra pelea, hecho que se repetiría mas tarde en 1609 en Nápoles, motivado posiblemente por un atentado en contra suya. Tras esto su carrera fue cayendo, lo que le provocaría una depresión que acabaría con su suicidio en 1610.

Pero Il Caravaggio fue uno de los pintores más innovadores de la pintura occidental, hasta el punto de que se le considera el padre de la pintura barroca, y puede ser considerado la más directa influencia de pintores como Velázquez y Rembrandt.

Historia y análisis de la obra

vocacion de san mateo
comerciantes

El cardenal Mateo Contarelli había dejado instrucciones para que la capilla que había comprado fuera decorada con imágenes de su Santo Patrón, la decoración de la cúpula  se empezó con uno de los artistas manieristas más populares de la época, Caballero de Arpino antiguo patrón de el Caravaggio, así que cuando Caballero de Arpino se encuentra ocupado con un encargo papal la decoración de la capilla, pasa a ser encargo de Caravaggio quien recibe su primer encargo importante eclesiástico, el cuadro se encuentra colgado frente al Martirio de San Mateo. Entre los dos se encuentra La inspiración de San Mateo.

Martirio de San Mateo

Los tres lienzos fueron unas de las primeras obras en hacer una representación religiosa de manera realista. 

Se trata de una pintura al óleo pintada sobre lienzo,se utiliza la luz y la sombra para crear tanto volumen como espacio y profundidad, los colores son cálidos aunque pálidos debido al reflejo de la luz.

Como ya hemos dicho la obra representa como San Mateo es llamado por Jesús y San Pedro.

Se forman dos planos paralelos : el superior formado solo por la ventana y el inferior en el que se ve el momento justo en Cristo llama a San Mateo para que le siga. El santo está sentado frente a una mesa con un grupo de personas vestidos como los contemporáneos de Caravaggio,cabe señalar que tanto Jesús como Pedro se encuentran vestidos con túnicas atemporales.

Mateo en la vocación de san mateo

En esta pintura el brillo y la oscuridad parece situar la escena en el 

interior de la taberna, Cristo trae la luz a este espacio oscuro donde se encuentran los recaudadores de impuestos, esta tratamiento de la oscuridad y de la luz (claroscuro) será 

propio del tenebrismo del que hará gala Caravaggio en gran parte de sus obras y representa en este caso como el personaje de San Mateo es convertido y decide seguir a Jesús.

Caravaggio pretende aproximar la religión a los fieles de la época, acercándolos a los santos y su sacrificio a la vida cotidiana , además vemos en el cuadro las dos reacciones que se pueden tener ante la llamad de Cristo según el autor, la de Mateo quien recibe la llamada y reaccionar  ante y quienes cegados por el dinero y la vida material ignoran la llamada. 

La obra de Caravaggio muestra el camino de la pintura barroca que seguirían Rembrandt  y Velázquez alejada del idealismo que había supuesto el renacimiento y centrada en el realismo más absoluto y centrada en un tratamiento de la luz conocido como Tenebrismo. 

Otras de las obras  importantes del pintor son  La muerte de la virgen , La inspiración de San Mateo, El Martirio de San Mateo, El Baco, -aunque en esta obra no existe ese tenebrismo-, El amor victorioso, y La Flagelación de Cristo obras donde el tenebrismo es muy acusado.

<< IL CARAVAGIO>> BACO.

La pintura representa a un joven dios Baco, reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, manoseando el cordel de la floja toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él hay un bol de fruta y una jarra grande de cristal con vino tinto; con su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él.

El vino se ha servido hace poco, como indican la espumilla en la jarra, mientras que Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad como muestran las vibraciones; las mejillas, como las manos, están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad.

Maurizio calvesi ha propuesto que se interprete éste y los otros cuadros de género alegórico-mitológico como las verdaderas y auténticas «Metamorfosis poéticas del tema sagrado», de acuerdo con la contemporánea concepción esotérico-religiosa. En este cuadro, la androginia del sujeto debe entenderse como unión de los contrarios y por lo tanto armonía, propia de lo divino, mientras que Baco, Dios muerto y resucitado, preanuncia simbólicamente la venida y el sacrificio de Cristo, que ofrece el cáliz de la salvación, como Baco que aquí ofrece el cáliz.

El uso de un espejo para ayudar al pintor mientras trabaja del natural elimina la necesidad de dibujo. De esta manera, lo que parece la mano izquierda del chico sería en realidad la derecha. El artista inglés David Hockney hizo de los métodos de trabajo de Caravaggio un rasgo central de su tesis (conocida como la tesis Hockney-Falco) que los artistas del Renacimiento y posteriores usaron alguna clase de cámara lúcida.

Debido a la sensual poesía de la realista pintura de Caravaggio, sería desacertado pensar en una caricatura o disfraz.¹ No obstante, aunque no fuera esa la pretensión de Caravaggio, hay humor en esta pintura. El Baco sonrojado es un retrato adecuado de un adolescente medio borracho vestido con una sábana y apoyándose en un colchón en el palacio romano del cardenal, pero resulta menos convincente como dios grecorromano. No es Baco, sino un individuo ordinario disfrazado de Baco, el que mira al espectador, tedioso y despierto¹ Las ondas en la superficie de su vino son mala señal: no será capaz de mantener la pose durante mucho más tiempo, y más vale que el artista se dé prisa y acabe de pintar la mano izquierda.

Columnata de San Pedro

Columnata de San Pedro

 Esta obra pertenece al conjunto arquitectónico de San Pedro del Vaticano, residencia oficial de los Papas y de la Curia romana. La visión frontal la acapara la enorme cúpula de Miguel Angel, de 131 metros de altura, obra capital del Renacimiento italiano. Sin embargo, y aún siendo importante la iglesia de San Pedro queda casi olvidada detrás de la impresionante plaza y fachada barroca.
Olvidada ya la primitiva concepción de Bramante de dotar a la Basílica de cuatro fachadas iguales sobre planta de cruz griega, se opta por alargar la nave central y cerrar la obra con la fachada de Maderna. Este conjunto se construyó en el XVII, siglo que en Europa tuvo lugar el cisma luterano y algunos Estados establecieron para su gobierno un sistema político de monarquía absoluta. A esta época corresponde el alargamiento de la nave central de la Basílica, y la amplia fachada, cuya obra corresponde al arquitecto barroco Carlo Maderno.

     La citada fachada de San Pedro del Vaticano presenta unas gigantescas columnas de fuste liso, decoradas con capiteles corintios que sostienen un frontón triangular con un relieve del escudo del Vaticano. Sobre la nave de la fachada principal aparece además un cuerpo de ventanas rematado por una balaustrada en la que se sitúan las efigies de los doce Apóstoles. A la puerta principal del Vaticano se accede por una amplia escalinata que pone en contacto la Basílica con la Plaza de San Pedro.

La Columnata de la Plaza es obra del gran arquitecto barroco Gian Lorenzo Bernini. Constituida por dos inmensas alas de cuatro series de columnas de cada, que se abren en una elipsis, restando un magnífico efecto a la fachada de San Pedro. 

     Bernini toma como punto de partida el eje central, alargado después de las últimas reformas, y sobre él diseña una de las más impresionantes plazas de Occidente. Así pues, la Plaza de San Pedro del Vaticano es un espacio abierto de forma ovalada, o más bien, circular prolongado, porque está formado por dos arcos de círculo cuyos centros están separados por un espacio de 50 metros.
En cada uno de los lados dos fuentes completan el conjunto. En medio de la plaza se levanta el antiguo obelisco egipcio del circo de Nerón. La Plaza está rodeada de cuatro hileras de columnas toscanas, coronadas por un entablamento liso que sostiene una balaustrada, decorada en su parte superior con 140 esculturas que representan a santos y padres de la Iglesia. Este conjunto arquitectónico simboliza los brazos de la Iglesia que acogen a todos los católicos y a su vez magnífica la figura del Papa como representante de Dios en la Tierra.

     El efecto de este deambulatorio formado por 296 columnas es impresionante, ya que da la sensación de no acabarse, efecto que nos pone de manifiesto un nuevo concepto de espacio dirigido hacia el infinito. Bernini quiebra el ideal de perspectiva central que había presidido la arquitectura de Brunelleschi.

La Plaza y Columnata de San Pedro es una de las más importantes manifestaciones del Barroco porque con su planta oval y sus planteamientos complejos y movidos se aleja de la simplicidad del Renacimiento. La luz adquiere un nuevo papel en la percepción total del edificio posibilitando la búsqueda del efecto y disolviendo las formas arquitectónicas. El conjunto, con el alargamiento del eje axial, que supera la dimensión de la propia Basílica, va a ser un modelo a imitar en todas las construcciones barrocas de la época. El sentido de lo colosal y el tratamiento escultórico de la decoración, propias de Bernini, van a seguirse en toda Europa.

http://historiarte-bach.blogspot.com.es/2013/03/columnata-de-san-pedro.html

ENRIQUE IV DE FRANCIA RECIBIENDO DE JUPITER Y JUNO EL RETRATO DE MARIA DE MEDICI

Este lienzo formaba parte de la serie encargada a Rubens por la reina madre de Francia, María de Medicis, para decorar el salón principal del Palacio del Luxemburgo en París. Con esa serie se pretendía exaltar y glorificar la vida y la regencia de la soberana.El matrimonio de Enrique IV de Francia y María de Medicis formaba parte de los habituales enlaces de Estado, en los que los contrayentes no se conocían. María era hija del gran duque de Toscana y tenía 25 años mientras que Enrique, divorciado sin hijos de Margarita de Valois, esperaba una unión fecunda y más lucrativa que la anterior. Sería la riqueza de la dote y no la belleza de la joven lo que animó al monarca francés a contraer matrimonio.Esta escena es la cuarta del ciclo y en ella Rubens imagina un primer encuentro entre los futuros esposos a través del arte. Enrique IV recibe el retrato de su prometida de manos de Himeneo -dios del matrimonio, en la izquierda- y Cupido -dios del amor, en la derecha-. Galia, la personificación de Francia, ataviada con un casco emplumado y un vestido adornado con flores de lis, aconseja adecuadamente al monarca mientras que en la zona superior de la composición se halla la pareja olímpica, Júpiter y Juno, acompañados cada uno por sus símbolos: el águila con los rayos del dios y el carro y los pavos reales de la diosa. La presencia de los dioses es una referencia a los "alter ego" divinos de Enrique y María, simbolizando la armonía conyugal.Las figuras se ubican ante un fondo de paisaje en el que observamos una columna de humo como referencia a la reciente guerra de Saboya, hecho por el que el monarca aparece con armadura y portando el cetro y la banda de general. Con su casco y escudo juegan dos amorcillos a sus pies. El objetivo del matrimonio será convertir a un monarca belicoso en un rey amante de la paz, lo que provocará la prosperidad y el desarrollo de las artes en el reino, en la línea que se aprecia en las escenas de la Regencia. La política defendida por la propia María estaría vinculada con esta filosofía que defendía la paz y potenciaba la diplomacia por vía matrimonial. No en balde, este ciclo estuvo finalizado con motivo del enlace de la princesa Enriqueta María con el futuro Carlos I de Inglaterra. La Educación de María de Medicis y el Triunfo de María de Medicis en Juliers también forman parte de la serie.

Este lienzo formaba parte de la serie encargada a Rubens por la reina madre de Francia, María de Medicis, para decorar el salón principal del Palacio del Luxemburgo en París. Con esa serie se pretendía exaltar y glorificar la vida y la regencia de la soberana.El matrimonio de Enrique IV de Francia y María de Medicis formaba parte de los habituales enlaces de Estado, en los que los contrayentes no se conocían. María era hija del gran duque de Toscana y tenía 25 años mientras que Enrique, divorciado sin hijos de Margarita de Valois, esperaba una unión fecunda y más lucrativa que la anterior. Sería la riqueza de la dote y no la belleza de la joven lo que animó al monarca francés a contraer matrimonio.Esta escena es la cuarta del ciclo y en ella Rubens imagina un primer encuentro entre los futuros esposos a través del arte. Enrique IV recibe el retrato de su prometida de manos de Himeneo -dios del matrimonio, en la izquierda- y Cupido -dios del amor, en la derecha-. Galia, la personificación de Francia, ataviada con un casco emplumado y un vestido adornado con flores de lis, aconseja adecuadamente al monarca mientras que en la zona superior de la composición se halla la pareja olímpica, Júpiter y Juno, acompañados cada uno por sus símbolos: el águila con los rayos del dios y el carro y los pavos reales de la diosa. La presencia de los dioses es una referencia a los "alter ego" divinos de Enrique y María, simbolizando la armonía conyugal.Las figuras se ubican ante un fondo de paisaje en el que observamos una columna de humo como referencia a la reciente guerra de Saboya, hecho por el que el monarca aparece con armadura y portando el cetro y la banda de general. Con su casco y escudo juegan dos amorcillos a sus pies. El objetivo del matrimonio será convertir a un monarca belicoso en un rey amante de la paz, lo que provocará la prosperidad y el desarrollo de las artes en el reino, en la línea que se aprecia en las escenas de la Regencia. La política defendida por la propia María estaría vinculada con esta filosofía que defendía la paz y potenciaba la diplomacia por vía matrimonial. No en balde, este ciclo estuvo finalizado con motivo del enlace de la princesa Enriqueta María con el futuro Carlos I de Inglaterra. La Educación de María de Medicis y el Triunfo de María de Medicis en Juliers también forman parte de la serie.

Este lienzo formaba parte de la serie encargada a Rubens por la reina madre de Francia, María de Medicis, para decorar el salón principal del Palacio del Luxemburgo en París. Con esa serie se pretendía exaltar y glorificar la vida y la regencia de la soberana.El matrimonio de Enrique IV de Francia y María de Medicis formaba parte de los habituales enlaces de Estado, en los que los contrayentes no se conocían. María era hija del gran duque de Toscana y tenía 25 años mientras que Enrique, divorciado sin hijos de Margarita de Valois, esperaba una unión fecunda y más lucrativa que la anterior. Sería la riqueza de la dote y no la belleza de la joven lo que animó al monarca francés a contraer matrimonio.Esta escena es la cuarta del ciclo y en ella Rubens imagina un primer encuentro entre los futuros esposos a través del arte. Enrique IV recibe el retrato de su prometida de manos de Himeneo -dios del matrimonio, en la izquierda- y Cupido -dios del amor, en la derecha-. Galia, la personificación de Francia, ataviada con un casco emplumado y un vestido adornado con flores de lis, aconseja adecuadamente al monarca mientras que en la zona superior de la composición se halla la pareja olímpica, Júpiter y Juno, acompañados cada uno por sus símbolos: el águila con los rayos del dios y el carro y los pavos reales de la diosa. La presencia de los dioses es una referencia a los "alter ego" divinos de Enrique y María, simbolizando la armonía conyugal.Las figuras se ubican ante un fondo de paisaje en el que observamos una columna de humo como referencia a la reciente guerra de Saboya, hecho por el que el monarca aparece con armadura y portando el cetro y la banda de general. Con su casco y escudo juegan dos amorcillos a sus pies. El objetivo del matrimonio será convertir a un monarca belicoso en un rey amante de la paz, lo que provocará la prosperidad y el desarrollo de las artes en el reino, en la línea que se aprecia en las escenas de la Regencia. La política defendida por la propia María estaría vinculada con esta filosofía que defendía la paz y potenciaba la diplomacia por vía matrimonial. No en balde, este ciclo estuvo finalizado con motivo del enlace de la princesa Enriqueta María con el futuro Carlos I de Inglaterra. La Educación de María de Medicis y el Triunfo de María de Medicis en Juliers también forman parte de la serie.

EXTASIS DE SANTA TERESA

La obra del escultor y pintor Gian Lorenzo Bernini. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser colocada donde iría su tumba, en la iglesia de Santa María de la Victoria (Santa Maria della Vittoria), en Roma, donde actualmente se encuentra, en la llamada Capilla Cornaro. Está considerada una de las obras maestras de la escultura del alto barroco romano.
Todo el conjunto fue supervisado y completado por un maduro Bernini durante el papado de Inocencio X. Durante este tiempo, la implicación pasada del escultor con los gastos derrochadores del previo papado Barberini había hecho que Bernini cayera en desgracia y se le privó en gran medida del mecenazgo papal. Bernini estaba por lo tanto disponible para el veneciano Cardenal Federico Cornaro (1579-1673), que había elegido la iglesia, por otro lado sin mayor atractivo, de los Carmelitas descalzos como su capilla de enterramiento. Tenía razones para evitar que lo enterrasen en Venecia, puesto que su nombramiento como cardenal por Urbano VIII (Barberini) mientras su padre Giovanni era dogo había creado cierto escándalo en su ciudad natal, con enfrentamientos dentro de las familias. Eligió una capilla que previamente había presentado a San Pablo en éxtasis, y el cardenal lo remplazó con una imagen de la primera santa carmelita en éxtasis, cuya canonización era reciente (1622).^[1]
Se completó en 1652 costando la por entonces exorbitante suma de 12.000 escudos (unos 120,000 dólares).^[2]
Representa a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora de la sociedad religiosa, que fue beatificada en el año 1614 por Paulo V (canonizada en 1622).
La capilla es una explosión de mármol de color, metal y detalles. Filtros de luz a través de una ventana por encima de santa teresa, subrayados por rayos dorados. La cúpula tiene frescos con un cielo de trampantojo, lleno de querubines, con la luz descendente del Espíritu Santo representado en forma de paloma. En las paredes laterales, hay relieves a tamaño real de la familia Cornaro.
Las dos figuras principales que centran la atención derivan de un episodio descrito por santa Teresa de Ávila en uno de sus escritos, en el que la santa cuenta cómo un ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La escena recoge el momento en el que el ángel saca la flecha, y la expresión del rostro muestra los sentimientos de Santa Teresa, mezcla de dolor y placer. Según sus propias palabras:

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. El dolor era tan fuerte que me hacia lanzar gemidos, mas esta pena excesiva estaba tan sobrepasada por la dulzura que no deseaba que terminara. El alma no se contenta ahora con nada menos que con Dios. El dolor no es corporal sino espiritual, aunque el cuerpo tiene su parte en él. Es un intercambio amoroso tan dulce el que ahora tiene lugar entre el alma y Dios, que le pido a Dios en su bondad que haga experimentarlo a cualquiera que pueda pensar que miento... "

Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo.

 
La expresión de la santa en plena transverberación, constituye una de las más grandes realizaciones de todo el arte barroco. La postura del cuerpo y la expresión facial de santa Teresa ha hecho que algunos atribuyan su experiencia a un momento climácico. Otros atribuyen que la expresión cuadra con el intenso dolor que la santa describe cuando relata la transverberación. Bernini expresa con acierto el intenso dolor físico en la expresión facial que según la santa, se unía a un estado de alegría divina.
Esta capilla escenográfica unifica los temas de toda una vida tratados por Bernini, fiel al sentimiento barroco. La unidad de arquitectura, teatro, y escultura que se encuentra en este complejo es también un rasgo barroco, con el Espíritu Santo como un baño de luz o guiado por los rayos dorados que enmarcan la estatua y provienen de las ventanas en la parte superior de la capilla, lo que permite al cielo entrar en la iglesia.
Los efectos son teatrales, incluyendo el discurso que la santa sugiere flanqueada por el linaje de los Cornaro. Para añadirle dinamismo, Bernini ha trabajado la piedra en olas de tela, evocando el terremoto espiritual que rodea a Teresa. Un viento divino agita la ropa del ángel. Éste sonríe casi travieso. La nube sin pulir parece casi superflua; la ropa de Teresa parece que la basta en su levitación. "Un efecto luminoso hace que las imágenes parezcan suspendidas en el aire ".

Autorretrato de Rubens con su esposa

Estamos ante una obra de arte pictórico, posiblemente del arte barroco, cuyo autor es Rubens.Autorretrato con Isabella Brandt  es un cuadro del pintor flamenco Rubens realizado mediante la técnica pictórica del óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 1,78 metros  de alto por 1,36 metros de ancho. 
  En esta obra Rubens se autorretratará con su primera esposa, Isabella Brandt  hija de un noble de Amberes. Esta datada en 1609 durante el primer año de matrimonio y pone de manifiesto el bienestar de la pareja. Rubens e Isabella se casaron el 3 de octubre de 1609, en la Abadía de San Miguel de Amberes.   En el año en que realizó este cuadro, 1609, el pintor fue contratado como pintor de la corte del archiduque Alberto y su esposa, gobernadores españoles en los Países Bajos.   En el cuadro aparecen referencias al amor como la planta de madreselva que se halla en frente de la pareja y que simbolizaba la fidelidad. Sus manos derechas aparecen unidas e indican que están casados. La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de ambas figuras en el que se cuida al máximo el detalle de las calidades de las telas y de todos los objetos representados.   El cuadro va a  poner de manifiesto la influencia de la pintura veneciana, y en concreto de la pintura de Tiziano. Las influencia del artista italiano podrá verse en el colorido intenso de los ropajes (las medias de Rubens) y en el lujoso tratamiento de las telas.   Esta representación detallada de las telas y las cualidades de los vestidos se traduce en su intención de alardear de la riqueza material que poseía. La luz es un elemento importante en la composición. Este cuadro tiene una luz dorada, que recuerda al otoño, y va a caer principalmente en los rostros del matrimonio.   

                                                                                     

LA MUERTE DE LA VIRGEN  DE IL CARAVAGGIO (1606)

Estamos ante una obra pictórica que pertenece a la pintura barroca italiana. Nuestra obra la realizo Michelangelo Merisi, más conocido como "il Caravaggio". Esta obra pictórica se denomina La muerte de la Vrigen. esta obra se ve claramente que es un óleo sobre lienzo.

La obra de il Caravaggio  mide 369 cm de largo y 245 cm de ancho, nuestra obrea se encuentra em el museo de Louvre (París). La muerte de la Virgen pertenece a la etapa que il caravaggio comienza su estlo maduro y comienza a aplicar a sus obras el tenebrismo caravaggiesco. Esta obra pictórica no tuvo mucha suerte porque fue retirada de la iglesia Scala, porque decian que imitaba con demasiada exactitud el cádaver hinchado de una prostituta ahogada en el Tíber.

La descripcion de la Virgen en su lecho de muerte , un catre, aparece con una vestimenta roja, los pies descalzos, el pelo alborotado, sus manos inertes, el cuerpo hinchado y una finísima aureola divina sobre su cabeza. Junto a ella encontramos a María Magdalena, que desconsolada apoya su cabeza sobre las rodillas. A su lado vemos un cuenco metálico (palangana) con el que limpió el cuerpo de María. Los apóstoles descalzos, muestran diferentes actitudes frente a esa muerte, San Juan erguido reflexiona, otros lloran, secan sus lágrimas u ocultan sus ojos, como muestra de dolor.

Toda la escena se desarrolla en una estancia rara, oscura,de su techo cae un telón rojo.

Los elementos que la crean la obra son: Rayo de luz. Surge desde una ventana situada en la parte superior izquierda y llega hasta el rostro de María, los apóstoles dispuestos en escala, el cortinaje.

El color de nuestra obra es Predominio del rojo (muerte, pasión-dolor-), cálidos en María Magdalena, ropajes de apóstoles. Se quiere resaltar el sentimiento. La luz en nuestra obra se utiliza el claroscuro muy acentuado. Dando lugar al tenebrismo. Ilumina bruscamente aquello que desea mostrar, poniendo en oscuridad el resto de la escena.

Aqui teneis un video con información muy provechosa sobre la obra de il Caravaggio, ¡disfrutarla!

Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp.

Estamos ante una obra pictórica, posiblemente perteneciente.
La obra es llamada la Lección de anatomia del doctor Nicolaes Tulp y es realizada por un importante pintor holandés llamado Rembrandt.
En cuanto a la descripción de la obra pictórica podemos observar a siete asistentes  mirando atentos la lección de anatomia de Nicolaes Tulp. En la imagen, el doctor, está en el momento donde pinza un haz muscular del brazo del cadaver.
La obra tiene claroscuro, ya que los siete asistentes, el cadaver y el doctor se bañan de iluminación, mientras el fondo negro simula la penumbra. En cuanto al contexto, Rembrandt nació en Leyden en 1606 y murió en Amsterdam en 1669, fue el gran intérpetre de la sociedad burguesa holandesa y el primer artista que vende sus productos en el mercado sin depender de la corte. Sus principios fueron modestos y humildes, Pieter lastman le enseña el tenebrismo caravaggiesco, más adelante, Rembrandt abrirá un taller, donde desarrollará la técnica del grabado del aguafuerte. Además de la lección de anatomia del doctor Nicolaes Tulp, también elaborará importantes obras pictóricas como su autorretrato a la edad de 60 años con óleo sobre lienzo, su ronda de noche, que será de las obras más importantes del autor, que fue sometido a dos limpiezas y con ello se consiguió ver que el capitán Banning Cocq, su lugarteniente y la compañía militar salen con estandarte y música por la puerta de la ciudad a plena luz del sol. Otra obra importante será los síndicos del gremio de pañeros, que será un retrato colectivo y por último Aristóteles contemplando el busto de Homero que también será óleo sobre lienzo.

SANT ANDREA AL QUIRINALE (1658-1670)

Estamos ante una obra arquitectónica que pertenece a la arquitectura barroca italiana. Su autor es Gian Lorenzo Bernini, Bernini se sentía especialmente satisfecho ante esta obra arquitectónica que se denomina Sant' Andrea al Quirinale. Es una iglesia de planta central, destinada a los novicios jesuitas, donde juegan con el elemento importante en esta modalidad que es la línea cóncava y convexa.

Esta situada en la colina del Quirinal. Fue construida entre los años 1658-1670. Se realizó esta obra arquitectónica por encargo de Camillo pamphili. Está considerada una de las obras maestras de la arquitectura de Bernini. Su hijo recordaba cómo, años después, Bernini solía sentarse en el interior a observar el juego de luces, los estucos teñidos y el mobiliario policromado.Controlando los efectos de dilatación, obliga a la mirada del espectador a seguir un recorrido en forma de órbita, según la dirección de las pilares y los entablamentos, que termina en la capilla mayor, la imagen escomo interrumpida  por  dos columnas de mármol  a cada lado, con el  San Andrés en vuelo, es decir como si esttuviera volando . La policroma de los mármoles, el oro y blanco de los estucos, la más brillante y uniforme de la linterna concentran la máxima intensidad lumínica en la capilla mayor que, frente a la oscuridad de las capillas laterales, con todo esto el  fin es concentrar la atención en la teatralidad del acontecimiento milagroso: la ascensión del Santo.

Podemos apreciar que la planta de Sant' Andrea Quirinale que la planta es de forma oval, con la puerta situada en el eje menor y precedida por una composición de forma encurvada, rompiendo el sentido longitudinal de este tipo de planta. Tiene luego otras cuatro capillas ubicadas a los lados de los ejes transversales. El interior se articula mediante pilastras y esta decorado con esculturas a sus alrededores, convirtiéndose la arquitectura en el marco en el que estas se desarrollan. Los materiales utilizados son ricos, utilizándose mármoles de colores y piedras.

Aqui tienes un minireportaje de el interior de la iglesia de Sant'Andrea al quirinale, ¡disfrutarlo!

La Buenaventura.

Estamos ante una obra pictórica, posiblemente perteneciente al arte barroco.
Esta obra pictórica es reconocida como la Buenaventura y la realizó un famoso pintor barroco conocido por el apodo de Il caravaggio.
En cuanto a la descripción de la obra, podemos ver que a la izquierda de la imagen aparece una gitana leyendole la mano a un joven con buena apariencia, mientras la gitana le lee la mano al joven le roba un anillo que lleva en la mano que le esta leyendo el futuro. La luz, también tendrá un factor importante en la obra, ya que un rayo de sol penetra y baña a los dos personajes dandole más importancia. Como podemos ver, la obra tiene un tema bantaste picaresco, ya que la gitana le roba un anillo al joven.
En cuanto al contexto, también destacan importantes obras de Il Caravaggio como son la vocación de San Mateo, donde cristo y san Pedro llaman a San Mateo y se sorprende señalándose con el dedo, también se le atribuye gran importancia a obras como La virgen de San Loreto o La muerte de la virgen, que serán muy criticadas, sobre todo la segunda mencionada, que será eliminada de la iglesia de la Scala porque la representación de la virgen será muy parecida a la de una prostituta ahogada en el Tíber.
Además, tendrá gran importancia en la época de la pintura barroca italiana otro autor como será Anibal Carracci, su hermano Agostino y su primo Ludovico, aunque Anibal será el que más destaque con la galería Farnesio.

El triunfo de la Iglesia sobre la Furia, la Discordia y el Odio

Autor: Peter Paul Rubens 

Fecha: 1626

Museo: Museo del Prado

Características: 86 x 105 cm.

Material: Oleo sobre tabla

Destinados al convento de las Descalzas Reales de Madrid, Rubens pintó una serie de cartones para tapiz 

con el tema del Triunfo de la Iglesia sobre sus enemigos encargados por la gobernadora de los Países 

Bajos, La archiduquesa Isabel Clara Eugenia. Concretamente en esta escena, la Iglesia -representada por una mujer sobre un carro triunfal portando la Eucaristía- arrastra a la Ceguera y la Ignorancia, pisando con las ruedas de su carro al Odio, la Discordia y la Maldad. Un ángel subido en un caballo lleva las llaves y el pabellón papal. La composición, como todas las de la serie, está llena de movimiento y de diagonales y escorzos, siguiendo el característico estilo del artista. Las figuras se sitúan en primer plano para implicar al espectador. El dinamismo de la escena se acentúa con el colorido y el claroscuro empleado. Para desarrollar aún más el concepto de barroquismo que marca toda la obra de Rubens, ha recurrido a colocar dos columnas barrocasen los extremos y dos arquitrabes en la zona superior e inferior. A esta arquitectura ha adosado la escena como sí de un tapiz se tratara, aludiendo al cuadro dentro del cuadro tan habitual en esta época. Fuera del supuesto tapiz se observa la bola del mundo, aprisionada por la serpiente que simboliza el mal. El simbolismo de la composición alcanza a los colores: azul, carmín y blanco para las virtudes y oscuros para los vicios. El Triunfo de la Eucaristía sobre la Herejía y el Triunfo de la Eucaristía sobre la idolatría también forman parte de la serie.

Más información de la obra y de obras relacionadas del propio Rubens: